Miley Cyrus, compositora, cantante, productora y… actriz: Una vida de película

La joven estadounidense, a sus 28 años se mantiene entre las cantantes más exitosas del panorama musical mundial, pero… ¿Qué fue de su carrera cinematográfica? 

Con tan solo once años, Miley se dio a conocer por el papel protagonista “Miley Stewart” de la serie de Disney Channel Hannah Montanalo que la convirtió en el ídolo adolescente del momento. El éxito fue rotundo, de manera que entre 2006 y 2011 la serie se desarrolló en cuatro temporadas. De la serie Hannah Montana nació en 2009 Hannah Montana: The Movie, que recaudó 155.5 millones de dólares y ganó varios premios, entre ellos “Mejor canción para una película” por The Climb en los MTV Movie Awards o el “Bafta Children´s Awards”. 

Cartel de la serie Hannah Montana. Fuente: Disney Plus

Aunque se cree que el primer acercamiento al cine por Miley Cyrus fue en la famosa serie musical, en 2001 una pequeña Miley apareció en tres episodios de la serie Doc  y en 2003 interpretó a Ruthie en la película Big Fishde Tim Burton mientras que en 2007, realizaría un cameo en la película de Disney Channel High School Musical 2. 

Fotograma de la película Big Fish (2003).

Tras el éxito de Hannah Montana, en 2010 Miley recibe el papel protagonista del drama juvenil La última canción, en la que interpreta a la rebelde Ronnie Miller que, al verse obligada a pasar un verano con su odiado padre, conocerá a Will (Liam Hemsworth). La película, basada en la novela de Nicholas Sparks, recaudó más de 96 millones de dólares.

Fotograma de la película La última canción (2010).

Ese mismo año, hace un cameo en Sexo en Nueva York 2 y en 2011 aparece en el documental Justin Bieber: Never say never, aunque no será hasta 2012 que protagonizará otra película, LOL. Esta película muestra la difícil etapa adolescente que sufre Lola (Miley Cyrus) entre los romances del instituto y su sobreprotectora madre (Demi Moore). También es en este año en el que se estrena Peligrosamente infiltrada, una comedia en la que, en la piel de Molly, interpreta a una detective privada adolescente.  

Portada de la película LOL (2012). Fuente: SensaCine

Las últimas apariciones de la actriz en estos años han sido en la película A very Murray Christmas (2015) en la que hace de ella misma y en Guardianes de la Galaxia Vol.2 (2017), poniéndole voz a Mainframe.

Aunque actualmente no hay indicios de que vaya a volver a la gran pantalla, los fans de Miley seguro que estarán encantados de que lo haga, en un papel protagonista, después de nueve años de espera. Mientras tanto, sin ninguna duda seguiremos disfrutando de su música, que se mantiene entre los éxitos musicales del momento.

Miley Cyrus – Prisoner (Official Video) ft. Dua Lipa.

¡Abrid de nuevo las puertas del Infierno!

La serie de Netflix Lucifer anuncia el esperado estreno de la parte B de la quinta temporada, causando una gran expectación en los seguidores de la historia del diablo y la Detective Decker

En 2016 el mismísimo diablo llegó a la vida de millones de espectadores para robarles el corazón, aunque no de una manera sangrienta ni diabólica como podría pensarse, sino todo lo contrario. Enchaquetado y engominado, Lucifer Morningstar (Tom Ellis), junto a su inseparable demonio, Mazikeen (Lesley-Ann Brandt), descendió del Infierno para establecerse en Los Ángeles y disfrutar de su inmortalidad, rodeado de alcohol, drogas y prostitutas en su club nocturno “Lux”.

A pesar de los intentos de su hermano Amenadiel (D.B Woodside) por que vuelva al Infierno y cumpla con su obligación, al verse inmiscuido en la escena de un crimen, Lucifer decide unirse a la investigación de la detective Chloe Decker (Lauren German), convirtiéndose en el asesor civil del Departamento de policía de Los Ángeles.

Cartel de estreno de la quinta temporada de Lucifer. Fuente: @lucifernetflix, instagram.

De esta manera, la realidad celestial, inspirada en La Biblia, se mezclará con la vida humana en la que tomarán parte el ex-marido de Chloe, Daniel Espinoza (Kevin Alejandro); una psicóloga que entablará una fuerte amistad tanto con Lucifer como con Mazikeen, Linda Martin (Rachael Harris); la importante abogada Charlotte Richards (Tricia Helfer) y Ella López (Aimee Garcia), una científica forense que llenará de alegría los casos.

Linda (Rachael Harris), Chloe (Lauren German), Ella (Aimee Garcia) y Mazikeen (Lesley-Ann Brandt ). Fuente: @aimeegarcia4realz, instagram.

Siempre con la verdad por delante con su famosa frase I don´t lie (yo no miento), Lucifer cuenta a todos su verdadera identidad, aunque como es evidente, nadie le cree. Como es el rey del Infierno, posee un poder especial que es el de sonsacar los deseos más profundos con tal solo clavar sus ojos en los de la otra persona y pronunciar la siguiente pregunta “What do you desire?” (¿Qué deseas?). Sin embargo, cerca de la detective su inmortalidad desaparece y sus poderes no funcionan. A medida que pasa el tiempo, empieza a nacer una especial y extraña relación entre Chloe y Lucifer, que sufrirá numerosos obstáculos en el camino, a la vez que avanza la trama celestial, siempre presente.

Lucifer (Tom Ellis) y Chloe (Lauren German). Fuente: @lucifernetflix, instagram.

En la primera parte de la quinta temporada, estrenada el pasado agosto de 2020 en la plataforma Netflix, se retoma la historia que nos había dejado el descorazonador final de la cuarta temporada, acompañada de nuevos acontecimientos. (ALERTA SPOILER) En esta quinta entrega entra en juego el hermano gemelo de Lucifer, el ángel Miguel (Tom Ellis), que intentará arruinar la vida del dueño del Infierno de diferentes maneras, especialmente atacando la relación amorosa que tiene con Chloe. La temporada cuenta con numerosas tramas secundarias, principalmente de la mano de Mazikeen, Linda y Ella, que gozarán de importancia en la serie y también propiciarán diferentes sucesos que llevarán al espectacular final de esta primera parte: la batalla entre los tres hermanos, Amenadiel, Lucifer y Miguel, interrumpida por la llegada de Dios (Dennis Haysbert), su padre, nunca antes visto en cámara. (FIN SPOILER)

Fotograma de Lucifer, Amenadiel ( D.B Woodside ) y Linda (Rachael Harris). Fuente: @dbwofficial, instagram.

La parte B de la quinta temporada cuenta con ocho capítulos que, junto a la primera parte, conforman un total de dieciséis episodios y se estrenará finalmente el 28 de mayo en Netflix, convirtiéndose en uno de los estrenos más esperados del momento.

Meme sobre el estreno de la próxima temporada, Lucifer (Tom Ellis) y Chloe Decker (Lauren German). Fuente: @lucifernetflix, instagram.

Sin embargo, esta no es la única buena noticia para los fanes de la serie, pues el 29 de marzo finalizó el rodaje de la sexta temporada que, aunque pondrá punto y final a la historia del diablo, nos permitirá disfrutar de diez capítulos más. Se desconoce la fecha de estreno de la misma, pero se espera que sea para el próximo año.

Tráiler oficial temporada 5B Lucifer. Fuente: Netflix Latinoamérica

Aún así, antes debemos conocer el desenlace de la quinta temporada, que sin duda estará cargada de sorpresas y emociones. La comedia, la tragedia y la intriga están aseguradas en Lucifer, que vuelve para quedarse durante un buen tiempo.

Todo sobre mi madre

Todo sobre mi madre es una película que desde que empieza hasta que acaba te mantiene fijo en el asiento como si fueras una estatua. ¿Te preguntas el por qué?
Cartel “Todo sobre mi madre” (1999). Fuente: Todo Almodóvar

La respuesta es simple, dos palabras: un genio. Pedro Almodóvar.

El cineasta, Pedro Almodóvar. Fuente: Nico Bustos (El Deseo), InfoLibre

De todos los directores del panorama cinéfilo español, hay uno que se conoce en todo el mundo, y ese es él. Aunque lo cierto es que sus historias son las que son gracias al increíble reparto que las conforman, él es el capitán que guía el barco. Difícilmente uno ve una película del director y no descubre quién se encuentra detrás. Tal vez es el juego y el uso que hace de los colores o la presencia del ya conocido “Rojo Almodóvar”. Quizá, la composición en sus planos o ese tono cómico-dramático de sus historias pero, lo que es indiscutible, es que sabe marcar su estilo y dejar su esencia en cada historia que lleva inscrita su nombre.

Fotograma de “Todo sobre mi madre”, ejemplo del Rojo Almodóvar. Fuente: Todo Almodóvar

Todo sobre mi madre no es menos, y con esta obra maestra se hizo con el cariño tanto del público como de la crítica nacional e internacional. Estuvo nominada a un total de catorce “Goya”, haciéndose finalmente con la mitad, entre ellos Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Actriz Protagonista (por Cecilia Roth), y además, ganadora a “Mejor Película Extranjera” en los Óscar, Premios BAFTA y Premios César y “Mejor Película de Habla no Inglesa” en los Premios Globo de Oro, la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York.

Penélope Cruz, Pedro Almodóvar, Cecilia Roth y Marisa Paredes en los Premios Óscar 2000. Fuente: RTVE

El 8 de abril de 1999 se estrena la historia de Manuela (Cecilia Roth), una enfermera argentina que, tras morir su hijo Esteban (Eloy Azorín), vuelve a Barcelona en busca de “Lola” (Toni Cantó), el padre del niño. Allí se reencuentra con Agrado (Antonia San Juan), una transexual que quiere abandonar la prostitución y se pone en contacto con la hermana Rosa (Penélope Cruz), una joven que desea viajar de misionera a El Salvador frente a la negativa de sus padres (Rosa María Sardá y Fernando Fernán Gómez). Al llegar a Barcelona, Manuela se convierte en la secretaria de la gran actriz Huma Rojo (Marisa Paredes), amante de Nina (Candela Peña), una artista adicta al caballo y en decadencia. La historia de todas estas mujeres confluyen de una manera natural, dramática y cómica, siendo Manuela el núcleo central que las une.

El cuarteto principal gira en torno a Manuela, Agrado, la hermana Rosa y Huma Rojo. Cuatro mujeres luchadoras que se enfrentan a los obstáculos de la vida. En torno a las mismas, destaca el concepto de la huida: Manuela llega a Barcelona, tras la muerte de su hijo, huyendo de Madrid; Agrado rechaza una identidad que no es la que le corresponde; la hermana Rosa se aleja de una madre controladora y de la enfermedad de su padre y en relación con Huma Rojo, Nina para huir de la realidad en la que se encuentra, se droga hasta enfermar.

De una manera conmovedora, Pedro Almodóvar consigue definir con claridad la personalidad de cada una de ellas, acercándolas al público de una manera sobreacogedora.

“Una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí misma”. Agrado (Antonia San Juan) en Todo sobre mi madre.

El papel de la mujer es especialmente importante en las obras del director, y así lo refleja tanto en la historia como en la dedicatoria final de la película, que dice así: A Bette Davis, Gena Rowlands, Romy Schneider… A todas las actrices que han hecho de actrices, a todas las mujeres que actúan, a los hombres que actúan y se convierten en mujeres, a todas las mujeres que quieren ser madres. A mi madre. Un final conmovedor que Almodóvar lleva a cabo para homenajear, principalmente, a su madre y a todas las mujeres. Todo sobre mi madre es una obra feminista y reivindicativa que hace referencia a figuras femeninas del cine clásico (Eva al desnudo y Un tranvía llamado deseo) como medio para guiar la historia, en especial la segunda obra, ya que tendrá un papel esencial en el desarrollo de la historia.

Antonia San Juan, Marisa Paredes, Ceciliar Roth, Pedro Almodóvar, Penélope Cruz y Candela Peña en el Festival de Cannes (2000). Fuente: RTVE

La música de Alberto Iglesias también posee mucha importancia junto al desarrollo de la historia ya que, con toques de jazz y vals, crea una unión con la procedencia latinoamericana de la protagonista, facilitando empatizar con ella y a su vez, apoyando al audiovisual y la narrativa.

Trailer Todo sobre mi madre. Fuente: Youtube

Todo sobre mi madre es una de las obras de Pedro Almodóvar más aclamadas por el público, pues el director muestra un cine en el que la mujer líder es una luchadora y a través de ella, conocemos una historia tan cómica como dramática y enternecedora, que difícilmente se podría conseguir de otra manera.  

Valoración de la película

Puntuación: 4 de 5.

Una historia tan humana y sencillamente compleja que nadie debería perderse

“Loco por ella” y nosotros por ellos

Loco por ella se estrenó en Netflix el pasado 26 de febrero y se ha convertido en una de las cuatro producciones españolas (junto a La Casa de Papel, El Hoyo y Bajocero) más exitosas de la plataforma. No solo se ha mantenido durante semanas en el top 10 nacional, sino que se ha posicionado en el top mundial de lo más visto en la plataforma desde marzo de 2020
Cartel de la película Loco por ella (2021). Fuente: e·cartelera

Otro éxito del director Daniel de la Orden, ya conocido por la exitosa serie juvenil Élite (2018-) o la película Hasta que la boda nos separe (2020) que muestra la otra cara de la moneda de una manera singular, emotiva y entrañable.

Esta comedia romántica tan inusual ha conseguido llegar a los corazones de miles de personas gracias a la especial historia de Adri (Álvaro Cervantes) y Carla (Susana Abaitua), unos jóvenes que se conocen en una noche de desenfreno. Tras la exhaustiva búsqueda de Adri, encuentra a Carla en un centro psiquiátrico en el que el joven conseguirá ingresar con la finalidad de conquistarla. Además, aprovechando la situación, Adri llevará a cabo un artículo sobre su experiencia en dicho lugar para la revista sensacionalista en la que trabaja. Gracias a Carla y al resto de pacientes, Saúl (Luis Zahera), Marta (Aixa Villagrán), Víctor (Nil Cardoner), Tina (Txell Aixendri) y Sergio (Eduardo Antuño), Adri irá reconduciendo su camino y cambiará la forma que tiene de entender y ver la vida.

Tráiler Loco por ella (2021)

Aún así, Loco por ella no se limita a la historia de amor entre los dos protagonistas, sino que trata con humor, gracia, respeto y dignidad las enfermedades mentales y sus consecuencias, rompiendo el tabú que les rodea y con la clara intención de desestigmatizar los prejuicios hacia la salud mental. A través de las diferentes historias de los personajes, nos acercamos a una realidad desconocida por la mayoría y que no siempre es bien recibida.

El trastorno bipolar de Carla, la esquizofrenia de Saúl, el Síndrome de Tourette de Marta o la depresión de Tina sirven de ejemplo en una sociedad que no siempre consigue ser tolerante. Loco por ella invita a aceptarnos los unos a los otros y a nosotros mismos, a querer nuestros defectos y a aprender con ellos, alejándose del, tantas veces dañino, discurso positivista estilo “Mr.Wonderful.

Por otra parte, con cierta pizca de humor, Alberto San Juan, que interpreta al director de la revista en la que trabaja Adri, refuerza el mensaje de aceptación y caricaturiza con agudeza la intolerancia y las faltas de respeto hacia los colectivos que suponen una minoría.

“La próxima vez que vea a alguien triste no voy a pedirle que sonría, ni le voy a prometer que recuperarse está en su mano. Si de verdad quiero ayudarle, lo que voy a hacer es hacerle saber que aunque no sea capaz de entender lo que le pasa, estaré allí si lo necesita.”

Adri (Álvaro Cervantes), Loco por ella (2021)

Loco por ella es tan agradable de ver como sorprendente, pues aunque por el título parece simplemente una comedia romántica, esconde una profundidad y una historia tan necesaria y natural, que desde el primer momento deseas conocer la historia que se va a producir.

Una apuesta del cine español que consigue tocar los corazones del público y va más allá de la historia de amor cliché, dejando claro que aunque a veces el amor parece una “locura”, no es imposible si las personas son las indicadas.

Imagen de la película Loco por ella – Adri (Álvaro Cervantes) y Carla (Susana Abaitua). Fuente: Moda Punta

6 de marzo con “m” de Miguel Ángel

Miguel Ángel Buonarroti nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese, un pequeño municipio italiano de la provincia de Arezzo, que hoy recibe por nombre “Caprese Michelangelo”

Miguel Ángel o “Michelangelo”, nombre de pila por el que también se conoce, es considerado uno de los más grandes artistas de la historia. En su trayectoria tan artística como polifacética se dedicó a las tres grandes expresiones del arte: la pintura, la escultura y la arquitectura, destacando en todas ellas, gracias a su precisión e innovación en las técnicas y convirtiéndose así. Es la figura más importante del Cinquecento renacentista (S.XVI).

Retrato de Miguel Ángel de Daniele de Volterra (1544). Fuente: Wikipedia

Miguel Ángel se inició en la pintura formándose durante trece años en el taller de Ghirlandaio, pintor cuatrocentista italiano, donde se especializó en la técnica de la pintura al fresco.

Las primeras obras que se conservan del artista son un encargo oficial para la República y una tabla para una colección privada. Tras esto, en 1504 realiza Tondo Doni, en el que los llamativos escorzos y los desnudos del fondo tienen cierta semejanza a los de La Batalla de Cascina (1504-1505), un cartón para decorar al fresco para el Palazzo Vecchio de Florencia que muestra la victoria de los florentinos frente a los pisanos.

La Batalla de Cascina. Fue diseñado por Miguel Ángel pero no llegó a pintarlo. Sólo hizo el cartón previo. Es conocido por la copia al óleo de Sangallo y por los grabados de Raimondi. Fuente: Wikipedia
Tondo Doni, Miguel Ángel. Fuente: Historia Arte

La perfección que alcanzó Miguel Ángel al representar desnudos fue debido a la cantidad de horas y número de sesiones que el propio artista pasó descuartizando cadáveres en el Hospital del Espíritu Santo.

Aunque ya demostraba una gran capacidad para la pintura, entre 1508 y 1512 alcanza un grado de perfección inigualable, ya que lleva a cabo el fresco más famoso de la historia: el Ciclo de la Creación y Caída del Hombre en la bóveda de la Capilla Sixtina del Palacio del Vaticano en Roma donde se narran dichos sucesos tal y como se describen en el Génesis. El artista decidió compartimentar el espacio rectangular del centro en nueve tramos, separándolos por desnudos y tondos, siendo estos últimos unos adornos circulares.

Ciclo de la Creación y la Caída del Hombre, Miguel Ángel. Fuente: National Gallery

Tras esto, entre 1535 y 1541 realiza otro fresco sobre muro en el Altar Mayor de la Capilla Sixtina en el Palacio del Vaticano en Roma, Juicio Final, cuya composición, colores y representación causó una gran conmoción para todo aquel que lo visitaba.

Al final de su vida, entre 1542 y 1550, realizó dos grandes murales de renombre: la Conversión de San Pablo y el Martirio de San Pedro.

La Conversión de San Pablo, Miguel Ángel. Fuente: Wikipedia
El Martirio de San Pedro, Miguel Ángel. Fuente: Wikipedia

En cuanto a la vertiente escultórica, nos encontramos ante un artista que marcó un antes y un después. Son tantas las obras que llevan inscritas su nombre que es imposible nombrarlas todas, aunque sin duda se nos viene a la mente el imponente David. Sin embargo, antes de llegar a esta imagen es necesario conocer el recorrido que el escultor realizó antes de conseguir su máxima creación.

En una primera etapa ubicada en Florencia, sobresale la Virgen de la Escalera, realizada entre 1489 y 1492. Destacó por las figuras monumentales que representaba, el bajorrelieve y el detalle en las vestimentas. Posteriormente, tras la muerte de Lorenzo de Médici y la caída del dominico en 1492, abandona Florencia para residir en Roma, donde alcanza su máximo esplendor.

Virgen de la Escalera, Miguel Ángel. Fuente: Más Clases de Arte

Si en la representación que realiza del Baco (1496-1498) se puede atisbar la grandeza que el artista va adquiriendo, ese mismo año comienza la creación de La Piedad, que un año más tarde finaliza, convirtiéndose en el prototipo de imagen devota del arte cristiano.

Aunque la finalidad era simplemente decorar la tumba del cardenal Jean Bilhères de Lagraulas, el propio Miguel Ángel quedó fascinado por el resultado obtenido, por lo que en la cinta que cruza el pecho de la Virgen firmó con la siguiente frase “Miguel Ángel Buonarroti, florentino, lo hizo“. Un ya anciano Miguel Ángel, recurriría de nuevo al tema de la Piedad de María haciendo variaciones a partir de 1550 hasta el final de sus días.

La Piedad, Miguel Ángel. Fuente: Historia Arte
La Piedad, Miguel Ángel. Fuente: Historia Arte
La Piedad, Miguel Ángel. Fuente: Historia Arte

Entre 1501 y 1504 esculpió su obra más famosa, el David, al que llamaron popularmente “el Gigante”. Para realizarlo, Miguel Ángel volvió a centrarse en el estudio de la anatomía, reflejada en la posición de contrapposto que acoge la imagen. Cabe destacar que con una intención alegórica decidió agrandar la cabeza y la mano derecha del joven pastor hebreo que representaba.

El detalle del rostro refleja la profundidad interior del joven, que se encuentra totalmente centrado en la acción que realiza y cuyo cabello, con los claroscuros que presenta, refuerza el dramatismo que desprende la obra. Además, el cabello también muestra la clara influencia del arte clásico en el autor. Por otra parte, se puede apreciar el famoso gesto de terribilitá miguelangelesca en su rostro y las marcas de tensión en la mano.

Tras esto realizó el Mausoleo para Julio II (1505), el Moisés (1515) y el Sepulcro de los Médici (1534), entre tantas obras de renombre.

El Moisés, Miguel Ángel. Fuente: National Geographic en Español

Aunque en el ámbito arquitectónico con anterioridad había realizado diferentes encargos, no es hasta 1520 que el Papa León X le encomienda la construcción de la Sacristía Nueva de la Basílica de San Lorenzo en Florencia donde posteriormente se añadirán los sepulcros anteriormente nombrados de los Médici. En este mismo edificio finaliza en el 1534 la Biblioteca Laurenciana, la cual consta de la sala de lectura y el vestíbulo. Es destacable la escalera del vestíbulo, una obra totalmente innovador.

Escaleras del vestíbulo de la Biblioteca Laurenciana, Miguel Ángel. Fuente: El Poder del Arte

Sin embargo, entre 1558 y 1561 realiza una de las obras más importantes en su carrera y en la historia del arte: la Cúpula de la Basílica de San Pedro del Vaticano en Roma. Se trata de una cúpula dodecagonal conformada por doce nervios, coronada por una linterna y que descansa sobre un tambor con columnas pareadas que separan varios frontones semicirculares y triangulares. Esta se convirtió en una de las más grandes de la cristiandad y la más alta. Ha servido de inspiración a otras famosas cúpulas como la de la catedral de San Pablo en Londres o la del Capitolio de Washington.

La Cúpula de la Basílica de San Pedro del Vaticano, Miguel Ángel. Fuente: La Cámara del Arte

Tal fue la importancia de Miguel Ángel, que aún en vida se escribieron tres biografías sobre él y se le denominó el “divinisimo”. Sin necesidad de apelar a su apellido, todos sabemos de quién se trata cuando se le nombra. Reconocido, admirado y fuente de inspiración, Miguel Ángel sigue presente en nuestro día a día demostrando, una vez más, que el arte no muere con el paso del tiempo ni con el avance de las tendencias y técnicas artísticas.

La Fábrica del Mundo

El Archivo de Indias abre sus puertas para hacer un recorrido por la historia de la imagen del Mundo durante la presencia española en Ultramar

Desde el 22 de octubre del 2020 al 28 de marzo de 2021, la galería alta del emblemático edificio sevillano acoge la exposición “La Fábrica del Mundo”, de entrada gratuita y con horario de martes a domingo.

A través de más de cincuenta documentos, la mayoría pertenecientes a los fondos del Archivo General de Indias, se pretende mostrar la evolución de la imagen del Mapa a lo largo de más de tres siglos. Para ello, han dividido la exposición en tres secciones: Plus Ultra, El Compás y el Mar, y por último, Todo tiene un límite.

Exposición “La Fábrica del Mundo” en el Archivo General de Indias. Fuente: ABCdeSevilla. Raúl Doblado.

La primera se centra en la cartografía y su evolución a través de numerosos mapas y cartas de célebres del momento como Juan de la Cosa (1450/60-1510), cartógrafo y navegante cántabro que dibujó el mapa más antiguo conservado en el que aparece América y que se embarcó en los primeros viajes a dicho continente. Incluso, podemos observar en esta sección tratados como el de Zaragoza (1529) o la creación de la Casa de la Contratación (1503).

Exposición “La Fábrica del Mundo” en el Archivo General de Indias. Fuente: ABCdeSevilla. Raúl Doblado.

La segunda parte muestra, a través de una gran cantidad de mapas, las representaciones que los pilotos hacían de lugares que descubrían o los elementos geográficos y etnográficos que encontraban en los viajes. De esta manera, en esta sección se trata la relación entre el saber teórico y práctico de pilotos y cosmógrafos, quienes discutían por la mejor seguridad de la Carrera de Indias: la ruta oceánica que conectaba a España con sus colonias y que permitía el transporte de barcos con mercancías, los cuales asiduamente se veían atracados por piratas, de ahí la necesidad de una mejor protección.

Exposición “La Fábrica del mundo” en el Archivo General de Indias. Fuente: ABCdeSevilla. Raúl Doblado.

Finalmente, “Todo tiene un límite” profundiza en las investigaciones y exploraciones científicas que se llevaron para definir la forma de la Tierra en el S.XVIII.

Exposición “La Fábrica del Mundo” en el Archivo General de Indias. Fuente: ABCdeSevilla. Raúl Doblado.

La Fábrica del Mundo se presenta como una oportunidad para profundizar en el proceso que conllevó definir y conocer la verdadera imagen del planeta que habitamos, una imagen a la que estamos acostumbrados pero que tanto esfuerzo supuso. Además, cualquier excusa es buena para adentrarse en uno de los edificios más importantes y representativo de la ciudad hispalense.

Pixar. Construyendo personajes

CaixaForum trae a Sevilla un recorrido inolvidable por la creación y nacimiento de los personajes Pixar

La Fundación “la Caixa” nos invita a adentrarnos en el mundo Pixar con una exposición centrada en la creación de los famosos personajes del estudio cinematográfico de animación por antonomasia.

Exposición Pixar. Construyendo personajes en CaixaForum Sevilla (2020). Fuente: Isabel Bolaños

Entre maquetas, notas, bocetos, storyboards y diseños digitales se muestra el largo y detallado proceso que conlleva la invención y producción de los personajes que dan vida a las películas de animación que posiblemente todos hayamos disfrutado. Un proceso que también incluye retocar y acabar detalles de iluminación y efectos o el complejo desarrollo emocional de los personajes. De esta manera, las obras que empiezan desde cero contribuyen a una mayor precisión y detalle de la narrativa visual, pues el proceso de creación de cada personaje da lugar a una gran cantidad de posibilidades y opciones hasta lograr el resultado óptimo y final.

Daniel López Muñoz, Iluminación clave: presentación del Instituto de Vida Marina, Buscando a Dory (2016). Pintura digital. Pixar. Fuente: Fundación “la Caixa” CaixaForum Sevilla.

Las herramientas que se emplean en las diferentes fases que componen el desarrollo de los personajes son variadas: lápiz, pastel, acrílico y programas de pintura digital. Estas permiten que la primera etapa en la creación de los personajes —basada en la realización de los primeros diseños y el storyboard— se oriente hacia un mismo un sentido con respecto al desarrollo artístico de los mismos. Junto al departamento encargado del desarrollo de la historia y el diálogo, trabajarán en consonancia hasta obtener el personaje de animación “perfecto”.

Bob Pauley, Estudio de la boca de Mate, Cars (2006). Lápiz sobre papel. Pixar. Fuente: Fundación “la Caixa” CaixaForum Sevilla.

Es de importancia la labor de los escenógrafos de las películas Pixar, que se dedican a pensar en la historia del mundo en el que se desarrolla la trama, dando lugar a realidades regidas por unas normas particulares. Para lograr los mejores resultados, cuentan con un equipo de investigación que se documenta exhaustivamente ya sea a través de libros, documentos, entrevistas con expertos o incluso viajando a los lugares. Crean mundos con poder emocional para sus personajes y, por ende, para nosotros, los espectadores.

“Contamos esas historias a través de las metáforas de personajes y mundos que nos gustaría que cobrasen vida”.

— Pete Docter, director creativo de Pixar

En esta exhibición, desde la perspectiva de los propios artistas conocemos el proceso de diseño visual de Pixar. Desde Toy Story (1995, 1999, 2010, 2019) hasta la recién estrenada Soul (2020) y sin olvidar clásicos como Monstruos S.A. (2001), Los Increíbles (2004, 2018), Ratatouille (2007), Up (2009) o Coco (2017), entre muchas otras.

Matt Nolte, Remy, Ratatouille (2007). Lápiz sobre papel. Pixar. Fuente: Fundación “la Caixa” CaixaForum Sevilla.

Daisuke Dice Tsutsumi, Miguel y Mamá Coco, Coco, 2017. Pintura digital, Pixar. Fuente: Fundación “la Caixa” CaixaForum Sevilla.

Aunque se muestra una pequeña parte del trabajo del departamento creativo de este estudio cinematográfico, esta exposición nos acerca de una manera sencilla, creativa y enriquecedora al mundo de los personajes Pixar, un mundo en el que, en equipo, se crean los seres de animación más increíbles que pudiéramos imaginar.

Exposición Pixar.Construyendo personajes en CaixaForum Sevilla, 2020. Maquetas de diferentes personajes de Pixar. Fuente: Isabel Bolaños

El diseño de personajes en Pixar. Conferencia de Daniel López Muñoz, diseñador de Pixar. Fuente: EduCaixaTV (youtube)

Irina Antonova, la dama de los museos rusos muere a los 98 años

El pasado 30 de noviembre falleció Irina Antonova en Moscú a sus 98 años por problemas cardíacos agravados por el COVID-19. Considerada la matriarca del arte ruso, crítica e historiadora del arte, autora de cientos de publicaciones (artículos, catálogos, álbumes…) y directora durante más de cincuenta años del Museo Pushkin de Bellas Artes, convirtiéndose así en la primera mujer en dirigirlo, la “Gran dama de los museos rusos” deja atrás un legado imborrable en la historia del arte ruso y mundial.

Antonova brindó oportunidades al arte “no oficial” en años de censura del estado soviético, abriendo las puertas a grandes artistas del panorama internacional como Matisse o Leonardo Da Vinci. Llevó a cabo conferencias más allá de Rusia y permitió la entrada de exposiciones extranjeras en el museo. En 2013, abandonó el puesto de directora del Pushkin, convirtiéndose en la curadora en jefe de los museos estatales de Rusia. Ese mismo año, el Museo Pushkin creó el cargo de Presidente para que ella lo ostentara.

Irina Antonova. Fuente: The New York Times

Irina Antonova fue una mujer polifacética que no se limitó al mundo artístico: también se interesó por la música, fundando en 1981 junto al pianista Svyatoslav Richter, fundó el festival de música y pintura de las noches de diciembre que se celebra anualmente. Antonova también ejerció de enfermera durante los años 40 en hospitales de Moscú, donde trataba a gran cantidad de soldados soviéticos y perteneció en 2011 a la Cámara Pública de la Federación de Rusia.

Irina Antonova. Fuente: Alchetron

La “Gran dama de los museos rusos” nos abandona en 2020, dejando en la historia del arte de Rusia y del mundo entero la huella perenne de una mujer que vio más allá: valiente, innovadora y decidida.

Historia del Arte con nombre de Mujer

Historia del arte con nombre de mujer. Así titula el escritor, profesor e historiador del arte sevillano, Manuel Jesús Roldán (1980), su nuevo libro.

El pasado mes de octubre, la editorial hispalense El Paseo, lanzaba al mercado esta “pequeña enciclopedia del arte femenino” que hace un recorrido por toda la historia del arte, desde el mundo antiguo hasta el S.XX, en el que abarca gran cantidad de obras de ciento veinticinco mujeres artistas, tanto pintoras como escultoras y fotógrafas.

Manuel Jesús Roldán. Fuente: ABCdesevilla (Pasión en Sevilla)

La mayoría de los manuales y libros de historia del arte cuentan con una extensa presencia de artistas masculinos, lo que plantea las siguientes cuestiones: ¿Por qué no aparecen las mujeres en los libros de Historia del Arte? ¿Es que no había mujeres artistas o, simplemente, no triunfaron?

El viernes 20 de noviembre, en un directo desde su cuenta de Instagram, Manuel Jesús Roldán respondió a todas estas preguntas y a muchas más en la presentación de su libro, que a su vez daba presencialmente a sus alumnos de bachillerato del IES Albero.

El escritor afirma que la ausencia de la presencia femenina en la Historia del Arte no se debe a la falta de éxito que estas cosecharon en su momento ya que, por ejemplo, la sevillana Luisa Roldán (1652-1704), más conocida como “La Roldana”, escultora de cámara del rey Carlos II y de Felipe V, y la francesa Marie-Louise-Élisabeth Vigée-Lebrun (1755-1842), que según el autor “alcanzó la mayor popularidad y prestigio de la Francia del S.XVIII”, fueron conocidas y recibieron retribución por sus obras. Se podría decir entonces que el silencio que sufrieron las artistas fue posterior a ellas.

Desposorios místicos de Santa Catalina de Luisa Roldán. Fuente: El País
Autorretrato (1782) de Marie-Louise-Élisabeth Vigée-Lebrun. Fuente: The National Gallery

Roldán reconoce como principales culpables de esta omisión a los académicos del siglo XIX, quienes llevaron a cabo una elección de obras únicamente masculinas. Esta selección coincide con la creación de los museos y de los grandes manuales de historia del arte, lo que hace que este gusto excepcionalmente masculino lleve al olvido a tantas artistas femeninas. Además, el siglo XIX fue una época en el que la mujer estuvo especialmente relegada al ámbito doméstico, lo que la limitó y apartó del mundo artístico. Aún así, numerosas mujeres se dedicaron al arte en estos años. Entre ellas pintoras como Amalia Lindegren (1814-1891) o Julia Alcayde Montoya (1855-1939), fotógrafas como Julia Margaret Cameron (1815-1879) o Gertrude Käsebier (1842-1934) y escultoras como Camille Claudel (1864-1943).

Fotografía I wait (1872) de Julia Margaret Cameron. Fuente: El Cuadro del Día

Por otra parte, las mujeres que se dedicaban al arte se enfrentaban a una mayor serie de trabas que los hombres. Las mujeres debían representar detalles anecdóticos (bodegones, camafeos, floreros…) ya que una gran cantidad de temas estaban prohibidos para ellas, juzgando así sus obras como “arte menor”.

Asimismo, la hegemonía masculina, que las limitaba al hogar y a la familia, también hacía que se las consideraran mujeres indecorosas e indecentes por el hecho de trabajar. Esto último podría explicar la existencia de tantos autorretratos femeninos, ya que era la manera que tenían de reivindicar y dignificar su imagen. También a la hora de historiar a las artistas, sus obras han sido infravaloradas con respecto a su vida personal, dándole más importancia al “cotilleo” que a la producción y calidad de sus obras. Un claro ejemplo es Rosa Bonheur (1822-1899), más conocida por su orientación sexual que por sus logros y creaciones. Similar es el caso de Tamara de Lempicka (1898-1980), cuya adicción a la cocaína y bisexualidad acaparaban más la atención que su implicación en el Art Decó.

Feria de Caballos de Rosa Bonheur. Fuente: El Cuadro del Día
Autorretrato en un Bugatti verde de Tamara de Lempicka. Fuente: Grada Archivo

Actualmente, mantenemos los esquemas de los manuales y libros de Historia del Arte que nacieron en el siglo XIX. Además, los museos siguen sin exponer a gran cantidad de artistas cuyo valor y cualidad es similar a la de los artistas masculinos que si se encuentran entre sus paredes, perpetuando de esta manera la omisión del arte femenino y mostrando una realidad histórica incompleta.

Hoy por hoy, hay muchos cambios por los que luchar y Manuel Jesús Roldán con Historia del Arte con Nombre de Mujer se une a la batalla para hacer justicia por todas aquellas mujeres acalladas con el tiempo. Con este libro las valora y reconoce, abriéndoles el camino que se merecen. Como el autor dice “no porque fueran mujeres, sino porque eran grandes artistas”.

Autorretrato (1908) de Gabriele Münter. Fuente: Historia Arte

“Se olvida con demasiada facilidad que una mujer puede ser una artista creativa por sí misma, con un talento real y original”

Gabriele Münter (1877-1962)

Del sofá al museo

La compleja situación actual causada por la COVID-19 ha llevado al cierre o limitación horaria de gran cantidad de lugares de ocio, arte y cultura. Ante estos cambios convulsos en la vida cotidiana, museos de todo el mundo han abierto las puertas virtuales de sus exposiciones y salas para poder seguir disfrutando del arte y la cultura desde casa. De esta manera, se puede visitar gratuitamente desde el sofá del hogar una gran cantidad de museos sin importar la ciudad en la que se esté. “La cultura es segura” y con esta iniciativa no solo conciencian y ayudan a frenar el contagio del virus sino que han roto barreras y han permitido que el público pueda conocer otras culturas y obras de arte.

Google Arts & Culture. Fuente: La Retirada Madrid

Alguno de los museos que ofrecen estas visitas virtuales, o muestran parte de su obras con datos e información de los mismos, son:

En Sevilla, el Museo de Bellas Artes, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), el Museo Arqueológico y el Museo de Artes y Costumbres Populares a través de Google Arts & Culture, invita a adentrarse en sus pasillos y obras para poder disfrutar del arte de la ciudad.

Museo de Bellas Artes de Sevilla. Fuente: El País. Paco Puentes

El 2020 ha quitado mucho, pero no ha podido con el arte y la cultura, que se extiende hacia su vertiente virtual para llenar de color los hogares, sin importar los kilómetros que separen a la gente de los museos.

Imagen destacada: Fuente: Guías Viajar. José Luis Sarralde