Mujeres al borde no, con un ataque de nervios

En 1988 el reconocido director Pedro Almodóvar estrenaba Mujeres al borde de un ataque de nervios. Un director que se estaba empezando a dar a conocer por obras como Pepi, Luci y Bom y otras chicas del montón (1980) o Matador (1986) creó otra película más en la que las mujeres, son las protagonistas de la historia… O bueno, más o menos.

Esta película puede ser “una película más” para los ojos de cualquier persona de a pie, mujeres locas haciendo cosas. Por ello, es de vital importancia entender el contexto social de esta película para así comprender porque tuvo tanto impacto en su época y la razón por la que se considera una de las mejores obras de Almodóvar. De hecho, tanto lo fue que, como otras películas de este director, cruzó las fronteras de nuestro país para ser reconocida en el extranjero. Os dejo aquí el trailer de la película para el público estadounidense y canadiense.

La mayoría del elenco de Mujeres al borde de un ataque de nervios son mujeres. Tenemos a Pepa (Carmen Maura), una actriz que se encuentra en un momento delicado de su vida, pues era amante de Iván (Fernando Guillén) hasta que descubre que en la vida de este hombre hay más de una mujer como Lucía (Julieta Serrano). Desde este momento, se irán sumando al reparto diversos personajes con relación más

La película tiene un elenco muy interesante, ya que cuenta con actores que estaban empezando con su carrera artística en ese momento. Esto causa una gran sorpresa al espectador promedio que ve esta película al cabo de tantos años, véase a un servidor o a cualquiera de mi generación, pues ver a actores Antonio Banderas (Carlos), Rossy de Palma (Marisa) y María Barranco (Candela) en una versión tan temprana de si mismos y con personajes de reparto es, cuanto menos, curioso.

Analizando esta obra de forma más exhaustiva, podemos decir que tiene una buena presentación. Una muy joven Carmen Maura desesperada por hablar con el que es su amante antes de que este se vaya de viaje. Puede que al principio, después del planteamiento de la trama, la película no parezca más que eso, “mujeres alocadas haciendo cosas”, sobre todo cuando aparece el personaje de Candela, pero esa imagen se nos irá cambiando a lo largo de la película.

Algo muy característico de esta historia son sus personajes secundarios, personajes que aparecen dos o tres vece pero que poseen gags cómicos muy distintivos, como el taxista (Guillermo Montesinos) o la portera del piso de Pepa (Chus Lampreave). De hecho, es muy ocurrente que el espectador ya se pueda imaginar cuando uno de estos personajes va a tener otra aparición debido a la situación que se esté mostrando.

Las cosas como son, la música de esta película es sensacional. Además, el toque de Almodóvar está muy presente en toda la escenografía con ese rojo tan característico. Dos cosas que hacen brillar especialmente a sus personajes que, de hecho, podemos comentar que tanto Carmen Maura como María Barranco ganaron el goya a mejor actriz y a mejor actriz de reparto respectivamente. De hecho, la película ganó el goya a mejor mejor película y fue candidata a diversos premios más, como los BAFTA o los Globos de Oro.

Con la intención de evitar spoilers, voy a intentar comentar una de las cosas más importantes que valoro de esta película: Porqué me parece que esta obra es un buen precedente feminista… Pero no llega a ser una obra feminista hasta el final.

Cartel de la película

¿Conocéis el test de Bechdel? Es una forma de evaluar la brecha de género en una obra cinematográfica, o realmente en cualquier arte audiovisual. Hay que reconocer que esta película fue hecha con muchas expectativas feministas y reivindicativas. Las mujeres en esta ocasión aparecen como débiles y maltratadas por sus situaciones socio-afectivas pero, de alguna forma, toman las riendas de su vida en algún momento de la película. Esto me parece un buen precedente para integrar el papel de la mujer protagonista, aquella que consigue su objetivo al final del todo, pero hay un problema.

El test de Bechdel sigue unos pasos muy concretos para evaluar, aunque solo sean tres. Para pasar la prueba, hay que identificar que en la obra en cuestión, haya al menos dos mujeres, que estas hablen entre ellas y, lo más importante que hablen de cosas que no sean hombres.

Test de Bechdel. Fuente: Pictoline

Mujeres al borde de un ataque de nervios cumple con los dos primeros requisitos de forma más que obvia, pero el tercero ya se les va de las manos. El problema de estas mujeres son los hombres, ya sea el personaje de Iván con Lucía y Pepa o los chiitas y Candela. Siempre están constantemente hablando de algún hombre, más si tenemos en cuenta que Pepa está algo obsesionada con Iván. La cosa es que esto podría ser algo triste si no fuera porque, al final de la película, Marisa y Pepa comparten una conversación muy íntima, sobre el futuro de Pepa y de su casa o sobre la juventud de Marisa y ahí si pasan el test de Bechdel.

Seguramente mientras veía la película se me habrá escapado alguna conversación entre las mujeres que no sea precisamente de hombres, pero ninguna es tan trascendental como esta. El problema de Pepa por fin se acaba, y con ello, también la película. Considero que el mensaje final de la película es que, como mujer, nunca serás protagonista de tu vida hasta que dejes de depender emocionalmente del hombre, lo cual sí que es bastante reivindicativo sobre todo para el año 88.

Ya por fin Pepa puede vivir sin pensar en Iván, puede fijarse en lo guapa que es Marisa o que, realmente, ella es feliz en ese piso.

Valoración de la película

Puntuación: 3.5 de 5.

Es una muy buena comedia. Si que es cierto que al principio puede resultar algo tediosa por la cantidad de personajes secundarios que tiene o que no se entienda cual es el objetivo de la película, pero se disfruta bastante

Así habló Kishibe Rohan: El misterioso spinoff de JoJo’s Bizarre Adventure

Basado en un manga de nueve capítulos creado en 1997, Así habló Kishibe Rohan nos cuenta 4 historias de terror relacionadas con uno de los más característicos personajes del famoso universo de Jojo’s Bizarre Adventure

El sol vuelve a iluminar otro día más el pequeño pueblo ficticio de Morioh. Rohan Kishibe es un famoso mangaka que vive en este peculiar pueblo en el que, hace relativamente poco, se han desencadenado una serie de eventos un tanto “bizarros” en el significado inglés de la palabra. La ocasión que nos trae aquí no es para hablar sobre la trama canónica, sino de las desventuras que experimenta Rohan en su búsqueda de inspiración para su manga. Te dejo por aquí el tráiler oficial en inglés por si quieres echarle un vistazo.

Esta serie se trata de un OVA de cuatro capítulos autoconclusivos que tratan diferentes historias de fantasmas, maldiciones y de los famosos yokai japoneses. La historia, como he comentado previamente, no tiene nada que ver con la historia original, aunque conserva a algunos personajes secundarios para formar cierto gag cómico al final de cada historia.

Este podría ser otro anime más de Netflix y que probablemente, pasaría desapercibido por alguien que no esté acostumbrado a este tipo de series. Sin embargo… Hay un par de razones por las que, definitivamente, deberías verte este spin-off.

Una de las portadas del manga original. Fuente: Shueisha

La primera razón por la que deberías ver esta serie es por lo bien escritas que están las historias de terror. Independientemente de que estén plasmadas en animación japonesa, son historias que podrían funcionar perfectamente con actores reales o incluso en literatura. La narrativa está muy bien cuidada y, aunque no te llevarás ningún susto, si que es verdad que tras cada capítulo, querrás ver más. Si te gusta el terror psicológico, que te hace pensar en la obra que has visto incluso después de haberla visto, y el típico terror japonés de fantasmas, te va a encantar.

Son historias macabras, oscuras y algo turbias. Si que es cierto que en ocasiones esa siniestra trama se desdibuja por los poderes o “stands” de los personajes, más si no sabes de qué trata la serie original, pero las historias crean cierta sensación en el espectador de incomodidad o desasosiego que se convierten al final del capítulo en ganas de más…

Analizando la serie por sus capítulos, sería ir demasiado fácil decir que todos los episodios son fantásticos, pero la realidad es que, en cuatro capítulos de veinte minutos cada uno, la única historia que no da “miedo” es la cuarta, y porque busca acercarse más a la serie original, con más acción. Esto no quita que no sea una buena historia, en absoluto. Al fin y al cabo, las cuatro historias guardan cierta relación con algunos de los siete pecados capitales como la envidia, la soberbia o la avaricia; o con representar hasta dónde puede llegar la locura o la obsesión del ser humano. Además, todas tienen algún tipo de enseñanza o moraleja indirecta al final a modo de conclusión, lo cual te provocará querer saber de qué tratará la siguiente historia. No entraremos en más detalles porque te destriparía alguna de las historias, así que mejor… ¿por qué no te la empiezas?

De hecho, te sugiero que veas esta serie como si fuera una película. En una hora y veinte minutos la puedes ver completa, y ciertamente es que tras ver un capítulo no querrás esperar a ver el siguiente. Se podrían juntar estas cuatro historias en una sola película como pasa en Historias de miedo para contar en la oscuridad, ya que tienen un hilo conductor (la inspiración del mangaka), un protagonista protegido razonadamente por el plot-armor (Rohan) y unas maravillosas historias de terror clásico japonés.

Si todavía no te convence la serie y no estás seguro de si la verías, te recomiendo encarecidamente que le eches un vistazo a la increíble introducción de cada capítulo. Lo que puede parecer desde fuera una serie de animación más, es envuelta en un aura de misterio desde el primer segundo del opening.

Es una intro muy corta, aunque lo suficiente interesante como para verla antes de cada capítulo, antes de pulsar el botón “saltar introducción” de Netflix. Por definirla, podemos decir que “muestra” al espectador las dos primeras historias junto con una enigmática música aunque, a partir del tercer capítulo, esta cambia sutilmente las imágenes que se proyectan a modo de sombras para representar los personajes de las dos nuevas historias.

Otra razón por la que deberías de verte esta serie es precisamente por uno de los puntos que comentaba al principio: su terror. No es el típico terror que nos tiene acostumbrados la industria actualmente. Esta serie está libre de jumpscares, y en pocos momentos darás un respingo, pero sí que tiene ese aura tan discordante que te confirmará que no es una serie de acción aunque guarde bastantes elementos. Es una obra completamente inspirada en las historias de terror japonesas de fantasmas. Desde el principio se le dan pistas al espectador de lo que está o puede estar pasando, todo es muy sutil hasta que, de pronto, deja de serlo.

Y terminando por lo obvio, tienes que verla si eres fan del manga o anime de Jojo’s Bizarre Adventure (que por cierto, están en Netflix sus tres primeras temporadas). No hay mucho que decir, no esperes encontrar épicas peleas como en la serie original ni un villano odioso al que perseguir durante toda la temporada, aunque si que es verdad que en algunas ocasiones verás a Heaven’s Door, el poder de Rohan para los que no lo conozcan, siendo utilizado como herramienta de la trama. Si por otro lado, te gustaría ver una versión con actores de carne y hueso, hay un live action de la serie, aunque te seguiría recomendando por encima la serie de Netflix.

Uno de los puntos débiles del terror nipón es que, desgraciadamente, siempre se ve eclipsado por sus remakes estadounidenses, dejando en el olvido a las obras originales. Afortunadamente, esto no pasa con Así habló Rohan Kishibe a pesar de estar producida por Netflix, ya que la serie es muy fiel a la obra original. Además, es muy probable que la mayoría de visualizaciones de este spin-off sea de gente que ya conocía la serie original, razón por la que os animo a expandir horizontes y que le deis una oportunidad.

Otras obras de horror japonés que no han tenido tanta suerte son, por ejemplo, Ringu (la obra original detrás de The ring estadounidense) o el que considero personalmente uno de los mayores crímenes del cine, el remake de Chakushin Ari o Llamada perdida en español. Si te gustaría saber más sobre el terror japonés, házmelo saber en los comentarios o por nuestras redes sociales, para escribir alguna crítica sobre alguna película o una comparación en la que pueda mostrarte por qué Chakushin Ari es una obra que tan poca gente conoce.

Valoración de la serie

Puntuación: 4.5 de 5.

Disfruté cada segundo de esta serie. Independientemente del cariño que le tengo a la trama, el sentimiento de incertidumbre y el terror psicológico que me ha proporcionado en tan solo hora y veinte minutos me la han dado muy pocas obras cinematográficas.

Yo nunca: El próximo cortometraje de la productora Banzai Mobb comienza su campaña de recaudación

Originada por el plan de estudios habitual del grado de Comunicación Audiovisual, nace Banzai Mobb, una productora estudiantil que viene para quedarse. Empezaron su campaña de recaudación hace unas semanas y, desde luego, esperan que este proyecto sobrepase las barreras de lo exclusivamente académico
A través de su cuenta de Instagram Banzai_mobb, esta pequeña productora formada por estudiantes de tercero de CAV de la Facultad de Comunicación de Sevilla, ha inaugurado hace algunas semanas el crowdfunding de su corto Yo nunca.

El cortometraje gira entorno al reencuentro de un grupo de amigos que se sumergirán en el típico juego adolescente del “Yo nunca”. Sin embargo, lo que parece, en un principio un juego inofensivo, acabará mostrando el lado más macabro y oscuro de los protagonistas. Este cortometraje, influenciado por otras películas como Funny Games de Michael Haneke, planea ser toda una oscura experiencia para el espectador durante sus cinco minutos de duración.

Dadas las circunstancias actuales, se estima que su rodaje empezará en Mayo. Por su parte, y para fomentar la financiación de este proyecto, Banzai Mobb lleva unas semanas con su crowdfunding. Este es un método muy usado por pequeños y medianos creadores que consiste en ofrecer diferentes recompensas a cambio de donaciones. En el caso de esta productora, necesitan llegar a la cantidad de 950 euros de presupuesto para poder realizar el cortometraje sin problema. Este presupuesto va destinado al alquiler de localizaciones, al atrezzo y al material técnico. Hay diferentes opciones de donación para ser mecenas de este proyecto, que posee recompensas desde los 2 hasta los 40 euros aportados.

Adaptándose a los nuevos tiempos, esta productora tiene varios métodos para facilitar las donaciones. Empezando por uno de los más novedosos, desde su cuenta de Instagram facilitan a sus posibles mecenas un número de teléfono al que pueden mandar su aportación vía Bizum. Por otra parte, también se puede realizar el ingreso por cuenta bancaria o escribiéndoles un mensaje directo en el caso de que se necesitara otro método diferente. Actualmente, han conseguido mediante este sistema de crowdfunding 435 euros, lo cual supone casi la mitad de su objetivo inicial.

Cielo de Medianoche: un triste vistazo al espacio exterior

El pasado 23 de diciembre se estrenó en Netflix la película Cielo de Medianoche, basada en una novela con su mismo nombre. Su trailer fue publicado a finales del mes de octubre y su estreno ha sido esperado por muchos seguidores del actor George Clooney, quien no sólo protagoniza el largometraje, sino que también lo dirige
Fuente: Netflix

Tengo tantas cosas que decir de esta película que no sé por donde meterle mano, así que, ya que me he tragado 2 horas de personajes totalmente huecos y una cantidad absurda de clichés y de cosas sin sentido, vamos a analizarla un poquito. Prácticamente es una crítica sin spoilers, aunque me tomaré la libertad de tachar alguna frase que no debas leer si aún no te has visto la película, yo ya he avisado.

Antes que nada, si no has oído nada de esta película, cosa que sería normal pues como menciono, es bastante reciente, te dejo por aquí el tráiler. Si os fijáis bien, podréis notar algunos detalles que mencionaré luego, aunque en el tráiler se vean “maquillados”.

Año 2049. El planeta Tierra está viviendo sus últimos días y con ello conocemos a Agustine, el personaje encarnado por George Clooney que nos acompañará durante más o menos un 50% de la película, pues este filme nos cuenta dos historias paralelas. Por una parte, se nos presenta un protagonista derrotado, un hombre que, conociendo el futuro que le espera a la Tierra, y con una presumible enfermedad terminal, espera a que le llegue su momento final en el Ártico, uno de los lugares donde el cataclismo está tardando en llegar. Por otra, un equipo de astronautas intentado establecer contacto con la Tierra mientras viajan por el espacio con la esperanza de volver a su hogar.

Fuente: Netflix

Ya en su primera media hora, te hace ignorar que es lo que le está pasando a la Tierra o que ha sido del resto de la población mundial, pues nuestra historia se centrará en el científico Agustine adentrándose en el Ártico junto a una niña que ha aparecido en su base polar (por un muy cuestionable motivo que no comentaré por evitar spoilers) y en las desventuras de los astronautas que vuelven al planeta.

Antes de llegar a la mitad de película ya tienes calados a todos los personajes y a sus respectivas tramas secundarias. En la Tierra, empezamos con el típico dúo formado por un personaje arrepentido de su pasado que decide proteger a una niña como forma de redimirse por las cosas que hizo y una niña, que bueno, lo más característico de esta es que no habla. Para nada visto lo de la figura paterna adoptiva con su protegida.

Básicamente, para entender la justificación de dicha relación tienes que esperar al plot twist del final y la verdad, si tienes que esperar 2 horas para entender la relación principal de la película, vamos mal.

Pero no nos olvidemos del otro grupo de protagonistas, quienes están en una nave espacial que, a pesar de estar lo suficiente equipada para hacer arduos viajes por el espacio, parece no tener un radar eficiente para los asteroides. Este es uno de los muchos fallos de guion a los que recurre la película, por no comentar…

  • el caso de la astronauta embarazada,
  • la toma de decisiones a la hora de arreglar partes de la nave,
  • roturas de trajes espaciales que no hacen explotar a los protagonistas por la presión espacial…

Tal vez parezcan cosas demasiadas técnicas pero, si esperas ver una película de ciencia ficción, es inevitable fijarse. Los personajes de la nave son planos en exceso y la única forma de añadir dramatismo a sus historias son clichés familiares.

Fuente: Netflix

También hay aspectos positivos en esta película. Tal vez los efectos especiales no están a la altura, pero es cierto que durante las tormentas de nieve del Ártico sientes la asfixia del protagonista y las escenas en el espacio son increíbles. La banda sonora no está mal y la fotografía está bastante cuidada como se podía esperar de un género que invita tanto a los paisajes impresionantes. Es una buena película “palomitera” para verla un fin de semana en el sofá, sin muchas pretensiones y, sobre todo, si te gusta el cine sobre el espacio exterior. Si no buscas mucho razonamiento e ignoras un poco las motivaciones de los personajes no está mal.

Si tuviera que darle nota, le pondría un 5 raspado, pero porque la fotografía es muy buena y “la niña” tiene momentos muy tiernos con el protagonista.

También te dejo por aquí un video de la cuenta oficial de Netflix en la que el propio George Clooney se sincera y habla, no solo de su vida, sino también de su nuevo estreno.

Por lo demás ya estaría, te reto a que, a pesar de haber leído hasta el final la tan negativa crítica de un servidor, la veas, opines por tu cuenta que te ha parecido y me lo comentes por aquí si quieres.

Gambito de dama: De la frustración a la aceptación de uno mismo

El gambito de dama es una apertura de ajedrez que se usa para ofrecer al rival un peón a cambio de una ventaja estratégica. Esta es una definición breve, tal vez inexacta pero, a su vez, es un nombre perfecto para esta serie.

Producida por Netflix este pasado mes de octubre, está basada en una novela de 1983 con el mismo nombre. Esta miniserie de tan solo siete capítulos, protagonizada por la actriz estadounidense Anya Taylor-Joy, trata la vida de Beth: una huérfana que aprende a jugar al ajedrez con el conserje de su orfanato en el sótano por mera casualidad. Hay que hacer hincapié en “por mera casualidad” ya que, aunque pueda parecer una serie cuyo tema principal sea el ajedrez, va mucho más allá (aunque algunos solo la vean como “una miniserie de ajedrez”).

Anya Taylor-Joy como Beth Harmon. Fuente: Netflix

Desde su estreno, han surgido muchos comentarios sobre cómo se trata la práctica del ajedrez y es normal porque entre la tensión de las partidas, los planos del tablero durante las mismas y las expresiones de los jugadores dan ganas de jugar. De hecho, según el registro de búsquedas mundiales de Google, “ajedrez” o “cómo jugar al ajedrez” han superado con creces la media normal de búsquedas desde que se estrenó la serie, incluso se han incrementado las compras de tableros de ajedrez en diferentes páginas web. Además, según lo estima la Federación Internacional de Ajedrez (FIDE), ha habido un posible incremento en 20 millones de nuevos jugadores de ajedrez.

Desde el primer capítulo se nos plantea el destino de la protagonista hasta, prácticamente, el final de la miniserie: una niña perdida, “sola” y sin ninguna ilusión. Si que es verdad que influyen en ella algunos personajes secundarios como su amiga Jolene o el personal del orfanato. Sin embargo, cuando empieza a jugar al ajedrez se puede observar cómo pasa de ser un hobbie o una distracción para convertirse en una obsesión: su método de escape de la realidad… Hasta que descubre los ansiolíticos.

La serie contiene un discurso feminista muy interesante. En varias ocasiones notamos como ese deporte, dominado por hombres en el que se sumerge Beth, es patriarcal y prepotente, y mira con cierta ironía que una joven se intente hacer un hueco en su mundo de 64 casillas. Ello es bastante notorio en su transcurso de no ser nadie a tener cierto renombre, por no decir lo visible que se vuelve cuando dejan de ponerla a prueba y hacen algo mucho peor que no aceptarla: aplaudir su papel de jugadora mujer más que el de jugadora como tal. Aunque algunos espectadores puedan notarlo de forma sutil o no lleguen a verlo, durante toda la serie se mantiene ese ambiente de falsa adulación por la “guapa ajedrecista” que, casualmente, no solo se ha vuelto la mejor jugadora de Estados Unidos, sino que aspira a ser una de las mejores del mundo.

Cuidado spoilers

Sin embargo, el tema principal no es ni el ajedrez ni tampoco el feminismo pues, el tema que trata la serie a la perfección, es el conflicto del artista o, en este caso, el prodigio. En diversos episodios se hace referencia a cómo los grandes genios acaban sucumbiendo a la locura con tal de alcanzar su meta. Beth Harmon está sola durante toda la serie, aunque tenga constantemente gente a su alrededor, pero es en los capítulos cinco y seis donde se ve el colapso mental de la protagonista.

Fuente: Fotogramas de Gambito de Dama

La decadencia del prodigio. Ser la mejor jugadora de ajedrez pero... 
¿A qué coste?

Beth lleva siendo adicta a los ansiolíticos desde pequeña pero su pesadumbre aumenta cuando su único apoyo durante su escalada en el éxito muere. Beth comienza a beber y a fumar para escapar de la realidad en la que vive. Desde luego, el espectador puede presuponer que a Beth le apasiona el ajedrez ya que se dedica en cuerpo y alma a él, pero en realidad no se sabe ni siquiera si le gusta, pocas veces se le ve sonreír al jugar.

Juega para ganar. Estudia y repasa jugadas por costumbre, pero en pocas ocasiones se le ve disfrutando del ajedrez. Es innegable decir que sus adicciones están ligadas con su obsesión con el ajedrez, pues en varias ocasiones se ve como no solo la condicionan a ella sino también a sus jugadas. El ajedrez es para ella un medio: la derrota no es una opción y por ello se derrumba siempre cada vez que pierde. De hecho, hasta el último capítulo, no se sabe que va a ser de ella. ¿Ganará a Borgov al fin o cambiará su vida en algún momento? Afortunadamente para el espectador, la última frase del séptimo capítulo deja bastante clara la solución a este conflicto.

Fin de los spoilers y conclusión

La serie es bastante buena, sí que es verdad que no es una miniserie para todos los públicos, que su trama puede flaquear en algunos momentos concretos o que habría estado genial que algunos temas se hubieran tratado más, como la relación de la protagonista con su madre, la modelo Cleo o incluso con ese amor no correspondido que seguro tenéis en mente que los que hayáis visto la serie y no, obviamente no hablo de Benny Watts o Harry Beltik.

En cuanto a mi opinión personal, creo que Queen’s Gambit o Gambito de Dama en español tiene un muy merecido 7’5 sobre 10. Espero que os haya gustado esta crítica / comentario de la serie y que me comentéis que os ha parecido, si estáis de acuerdo o pensáis algo diferente. ¡Y si no la habéis visto aún, más os vale hacerlo pronto! Os dejo con un vídeo de la cuenta de Youtube de Netflix Latinoamérica en el que la propia Anya Taylor-Joy os hablará un poco del personaje que interpreta y más detalles de la serie.

Mank: El curioso biopic del guionista de Ciudadano Kane

Basada en un guion de su difunto padre, David Fincher estrena este fin de semana su nueva película sobre el rodaje de la obra maestra de Orson Welles

Fuente: Twitter

Se confirma por fin el estreno de la última obra de David Fincher para este fin de semana. Producida por Netflix, empezó su producción en noviembre del 2019 y, prácticamente un año después, ha empezado su ansiado estreno. Mank trata a priori la historia de Herman Mankiewicz y el proceso de rodaje de Ciudadano Kane con él como guionista, aunque los afortunados que han podido ver la película antes de su estreno en España dicen que va mucho más allá de un simple biopic. La película se estrenó en Estados Unidos el viernes 13 de la semana pasada y ahora llega a los cines de España desde este viernes, aunque también está planeado su estreno global en Netflix, donde estará disponible para todos sus usuarios a partir del 4 de diciembre. Sin embargo, su tráiler ya está disponible en internet desde hace más de un mes.

Esta película no es una obra para todos los públicos, pues además de ser otro ejemplo más del típico cine de autor, surge de la rebuscada mente de Fincher. Es una clara obra en honor a su difunto padre, Jack Fincher, ya que se ha basado fuertemente en un guión original que escribió su padre en 2003.

Entre su elenco de actores se encuentran caras conocidas como Amanda Seyfried, Tuppence Middleton o Gary Oldman, quien retrata al protagonista de la obra, Herman Mankiewicz. Además, cabe destacar que, para facilitar la inmersión del espectador y que pueda remontarse a la época en la que se basa esta película, ha sido rodada completamente en blanco y negro.

Desde principios de esta semana han empezado a surgir diferentes críticas de algunas revistas cinematográficas americanas, e incluso de algunas españolas, que han podido ver la película en doblaje original. Por los comentarios que hay de la película en las redes, se espera que esta última obra de David Fincher sea todo un éxito ya que, por ahora, no ha bajado de las 3 estrellas en las críticas más duras.

Famoso por sus obras maestras como Seven, Fight club o The social network, Fincher llevaba 6 años sin estrenar ninguna obra para la gran pantalla después de su última película Perdida, sin contar otros trabajos como el éxito del 2017 de Netflix Mindhunter. A pesar de ello, el director se encuentra con más ganas que nunca de trabajar y ya se conoce algo de información acerca de sus futuros estrenos, como la secuela de la película de acción y zombies Guerra Mundial Z, la cual muchos fanáticos del cine de terror están esperando desde 2013.

Amazon Prime presenta: ‘Welcome to the Blumhouse’

Una terrorífica antología de películas producida por Blumhouse Productions

Tal y como fueron avisando por redes sociales y eventos publicitarios, el pasado martes 6 de octubre se estrenaron en la plataforma de streaming de pago de Amazon las dos primeras películas de las ocho que han prometido. Este proyecto ha sido impulsado por el conocido estudio cinematográfico Blumhouse Productions y por Amazon Studios para innovar en el catálogo actual de películas de terror de Amazon Prime Video.

Fundado en el año 200, Blumhouse Productions es un estudio ya conocido por haber producido otras películas como Déjame Salir, Sinister o Split entre muchas otras que destacaba por la producción de excelentes películas de terror con un muy bajo presupuesto, véase por ejemplo el caso de la primera entrega de Paranormal Activity, que contaba con solo 15.000 dólares de presupuesto y acabo recaudando 193 millones. Hasta ahora solo se conocen los títulos que se estrenaron el martes pasado, los cuales son Black Box y The Lie, siendo esta última la película que más ha sorprendido tanto negativa como positivamente a la crítica, y otras dos películas que se estrenaron este 13 de octubre, Evil Eye y Nocturne.

“Estamos muy contentos de lanzar esta estimulante y provocativa serie de películas originales. Ha sido muy emocionante reunir a nuestros socios de Blumhouse con estos nuevos cineastas emergentes. Estas historias escalofriantes tienen algo para todos y están listas para asustar y deleitar tanto a los fanáticos del género como a los recién llegados, y estamos emocionados de compartirlas con nuestros clientes globales de Prime Video…”

Julie Rapaport, codirectora de películas de Amazon Studios

De las otras cuatro películas que han confirmado ambos estudios aún no se sabe ni sus títulos ni su trama, aunque se estima que no sean estrenadas hasta ya empezado 2021. Los tráileres de las películas ya publicadas están subidos a la cuenta de Prime Video de Youtube, los cuales ya están despertando la curiosidad de los más cinéfilos, especialmente, por las otras dos películas de las que se espera su estreno esta semana. Os adjuntamos aquí los tráileres de las cuatro películas para que podáis juzgar por vosotros mismos.

Todas estas películas están dirigidas por pequeños directores emergentes o poco conocidos cómo la directora canadiense Veena Sud, conocida por la serie de 2011 The Killing emitida por AMC, la cual sufrió bastantes problemas durante su desarrollo. Junto a otros más directores, se les ha presentado la oportunidad de estrenar sus películas con una excelente producción gracias a la capacidad que tiene Blumhouse Studios de rentabilizar al máximo el presupuesto disponible y de darse más a conocer, sobre todo a aquellos que realmente no han llegado a dirigir ningún proyecto grande cómo la directora británica Zu Quirke, quien se lanza por primera vez a la gran pantalla con su película Nocturne tras haber dirigido anteriormente tres cortometrajes de terror. Sin duda, aunque tengamos que esperar a 2021 para poder disfrutar del resto, el mes de las brujas empieza bastante fuerte para los amantes del terror.

The Lie de Veena Sud trata la situación de un matrimonio que, al intentar encubrir el crimen de su hija adolescente, despertarán en un mundo falso de mentiras y engaños del que no esperaban formar parte.
Black Box de Emmanuel Osei-Kuffour trata el tratamiento de un hombre que ha perdido completamente la memoria sobre su vida pasada y que, junto a su hija, descubrirá que fue realmente antes de su accidente.
Evil Eye de Elan Dassani y Rajeev Dassani, una historia de maldiciones que nos traslada a la incertidumbre de una madre al sospechar que su antiguo y oscuro pasado en la India puede estar más relacionado de lo que cree con el nuevo novio de su hija.
Nocturne de Zu Quirke nos presenta cómo la rivalidad entre dos hermanos que aspiran a lo más alto en el mundo de la música no tiene nada de importancia cuando el diablo entra en la competición.

Línea de fuego: La última novela de Arturo Pérez Reverte

Aunque ya promocionada previamente por su autor en redes sociales y por algunos afortunados, este martes 6 de octubre llega a todas las librerías nacionales la nueva creación del aclamado escritor y miembro de la Real Academia Española Arturo Pérez Reverte. La novela también estará disponible en plataformas digitales cómo Kindle Store y espera estar disponible en algunos países de Latinoamérica
Marc Pallarès

Línea de fuego está totalmente recomendada y dedicada a los amantes de la historia, concretamente de la historia española. Trata la batalla del Ebro de la Guerra Civil española desde un punto de vista objetivo sin dejar abandonada la creatividad de su autor. Una obra sobre el sufrimiento de hombres y mujeres y la frialdad de una guerra entre, antes vecinos, y ahora enemigos. Según su autor, la mejor forma de conocer la historia es desde el testimonio humano, pues de otra manera, solo queda la ideología propia de cada uno que sesga de diferentes maneras los verdaderos hechos.

Por razón de esto, Pérez Reverte ha intentado plasmar en esta novela las memorias de aquellas personas que vivieron la guerra directamente y que han transmitido sus vivencias a sus siguientes generaciones hasta llegar a él.

“Yo pertenezco a una generación que supo de la guerra de boca de quienes la habían protagonizado: padre, abuelo, amigos […] después de tanto oír que allí luchaba el ejército contra el pueblo, o España contra Catalunya, he querido fiarme de la memoria de los que me lo contaron para mostrar una realidad más compleja…”

Arturo Pérez Reverte para el periódico La Vanguardia

Aparte de otros libros de carácter crítico o histórico como La cueva del Cíclope o Una historia de España, esta es la primera novela del autor publicada en 2020 después de haber publicado Sidi en septiembre del año pasado y de haber terminado la trilogía Falcó en 2018 con increíbles críticas de diferentes medios desde ABC Cultural al The New York Times Review.

Los lectores del Pérez Reverte ya han empezado a mandar mensajes de apoyo y de adulación por redes sociales y, como de costumbre, el novelista ha respondido por Twitter a algunos de sus seguidores y no tan seguidores. Una de las preguntas que más ha sido cuestionada al escritor es la posibilidad de una sesión de firmas del libro en diferentes ciudades del país. Desgraciadamente, el novelista ha tenido que afirmar que no serán posibles, por lo menos actualmente, ya que no le es permitido por la situación de sanitaria actual.

Por lo demás, solo nos queda esperar para poder leer esta ultima obra del autor de Las aventuras del capitán Alatriste para poder afirmar si esta estará a la altura de sus anteriores obras novelísticas, pues la historia ya está escrita y lo único disponible a rienda suelta es la visión, interpretación y la capacidad narrativa de Pérez Reverte sobre este hecho que repercutiría abrumadoramente sobre el futuro político del país.