Tik Tak, el nuevo single de Ana Guerra que marca su propio tempo

Este 7 de mayo, todas las miradas, o, específicamente, todos los oídos apuntan atentos y expectantes hacia Ana Guerra. Tik Tak es su nueva apuesta musical. Con ella, se ha propuesto no dejar indiferente a su público, destapando por fin el halo de misterio que ha rodeado al tema durante las últimas semanas

La canaria y quinta finalista de Operación Triunfo 2017 ha decidido cambiar el rumbo de su carrera musical y lo ha hecho por todo lo alto en un año, cuanto menos, turbulento.

Lo que la artista ha bautizado como el comienzo de un nuevo camino, una nueva era, ha supuesto la cancelación de un disco que ya tenía preparado y listo para lanzar. Apoyada en todo momento por Universal Music, su sello discográfico, ha cambiado el proyecto en el que estaba embarcada para hacer música con la que se siente mucho más identificada.

Lanzaba la bomba del nuevo single por primera vez sobre el escenario en uno de sus conciertos para Cadena Dial. Haciendo parar a los músicos e interrumpiéndose a sí misma mientras cantaba, sorprendió a los espectadores con un “espera, espera, espera, perdón ¿eh? Que yo saco single el 7 de mayo”, continuando sin revelar ningún dato más.

Días más tarde, salía a la luz el título y la portada de Tik Tak a través de sus cuentas de Twitter y de Instagram. De esta última, ha eliminado todas las publicaciones anteriores para hacer notar este cambio más drásticamente.

Ana Guerra en una entrevista para Cadena Dial. Fuente: Cadena Dial

El pasado 1 de mayo adelantó en primicia para Cadena Dial una parte de la canción. Ella misma les confesaba en una entrevista que ha decidido titularlo Tik Tak, haciendo referencia otra vez al tiempo, como en Ni la hora porque “la vida me ha llevado corriendo desde que salí de la Academia (de Operación Triunfo), estaba viviendo al sesenta por ciento. Con este tema me he reconciliado con el tiempo, ahora me gusta el tiktak del reloj. Vamos a ir despacio, vamos a ir bien”. Añadía bromeando “ahora sí te doy la hora, una hora menos en Canarias”, su tierra natal.

Tras su primer álbum, Reflexión, que salió en 2019, colaboraciones con artistas como Juan Magán, David Bustamante o David Otero, participación en la banda sonora de Explota explota versionando En el amor todo es empezar, y anteriores hits como Lo malo, Bajito, Tarde o temprano, con Tik Tak propone un ritmo menos latino, más tranquilo de lo que tiene acostumbrados a sus fans. Producida codo con codo junto a David Santisteban enseña un lado más adulto, más cercano al pop y con una innegable presencia y cuerpo en el plano vocal.

“No necesito más que un vino a medias y arreglar el mundo” es la frase de la canción que más le representa. Despojada poco a poco de vestiduras, maquillajes y elementos superficiales a lo largo del videoclip, consigue mostrar su lado más real, el que más se acerca a su esencia y con el que se siente, plenamente, ella misma.

En definitiva, Tik Tak es la carta de presentación de una nueva Ana Guerra con mucho que ofrecer y con ganas de mirarse a sí misma y a todos sus fans sin dobleces, frente a frente.

Un viaje a las profundidades del indie

¿Qué dirías si te preguntasen de repente qué es el indie? Si tienes la respuesta es porque eres un verdadero fan. Si no, este es tu artículo para ponerte al día sobre todo lo que necesitas saber para acercarte a este género musical del que, a partir de ahora, no podrás separarte.

La música indie, también conocida como alternativa, ha evolucionado tanto de un tiempo a esta parte que, realmente, cada vez se ha vuelto más complejo encontrar una definición concluyente. Lo que sí parece quedar claro es que no se trata solo de una corriente musical. Indie es sinónimo de una actitud, una estética y, en definitiva, una forma de expresión particular con mucho que decir.

Rebobinando hacia sus orígenes más remotos, es en los años 20 cuando la inquietud por romper con lo establecido empieza a asomar entre los artistas británicos y estadounidenses. Las continuas negativas por parte de las radios ante cualquier canción que proviniese de sellos independientes o que desafiasen a las grandes discográficas del momento no consiguieron silenciarlos. Solo alimentaron las ganas de música y avivaron un fuego que comenzó con la creación de radios piratas y acabó reafirmándose tres décadas después con un rostro completamente nuevo. Explotó definitivamente en los años 80 fusionado con el rock, de la mano de grupos como Radiohead, Pixies o R.E.M.

R.E.M. Fuente: Mondo Sonoro

Grupos como Los Planetas, The Killers, Nirvana, Arctic Monkeys, Florence and The Machine o The Fratellis son algunos de los que cogieron el testigo años más tarde en esta línea indie – rock.

Toda esta historia, hace cobrar sentido completo al término indie. Como diminutivo de la palabra independent hace gala del desacuerdo, la rebeldía, la inconformidad y el rechazo a las modas que lo caracterizan y que lo dotan de identidad hasta nuestros días. Lo que comenzó siendo una forma libre de hacer música acabó convirtiéndose en un género propio con gran reconocimiento.

El artista Carlos Sadness concluía en una entrevista para Cadena Ser: “…es un género musical que entraría dentro del pop pero que sería alternativo a lo que suena en las grandes radiofórmulas o emisoras comerciales”.

Este estilo, en principio, huía del público masivo para dar oportunidad y voz a ideas o cantantes más minoritarios. Significó una revolución total en la concepción del proceso creativo musical y se convirtió en el abanderado del concepto libertad en este terreno.

Actualmente, el indie continúa siendo el laboratorio musical idóneo para investigar ritmos, sonidos, mensajes o fusiones con otros estilos. La Casa Azul o Dorian son buenos ejemplos de cómo polos tan opuestos como el indie y sonidos más electrónicos pueden convertirse en la unión perfecta. Los artistas indies pasan de ser meros intérpretes a los propios productores y creadores de todo su material. Sin olvidar el impulso que medios como Mondosonoro o Radio 3, en España, significaron para el mundo del indie, salió adelante dejando a un lado el ansia de éxito comercial y consiguiendo unos resultados completamente originales y de gran calidad artística.

“Al final, indie lo que significa para nosotros es que todo sale de nuestra cabeza y nuestros bolsillos”. Así resumía Mikel Izal, vocalista del grupo Izal, también para Cadena Ser, cómo nacen las canciones prescindiendo de grandes recursos o discográficas.

Portada de La Gran Esfera, La Casa Azul. Fuente: Amazon

No son especialmente conocidos por el gran público muchos de los rostros de estos iconos del indie. Sin embargo, su presencia en plataformas digitales ha conseguido que nombres como Vetusta Morla, Love of Lesbian, Lory Meyers, Supersubmarina, Of monsters and men, Miss Caffeina o Veintiuno resulten cada vez más familiares.

En los últimos años, incluso, muchas discográficas de peso han comenzado a interesarse por este estilo y han acabado absorbiendo a sus artistas. Su presencia en las radios y, sobre todo en festivales, brillando en el terreno de las actuaciones en directo, han conseguido que entren a formar parte del grueso de los que son considerados exitosos comercialmente.

Este breve viaje hacia las profundidades de la música alternativa demuestra cómo el talento, acompañado de trabajo duro, siempre sale a flote, incluso en territorios hostiles. Este género aún tiene mucho que contarnos y caminos por explorar, mientras tanto… ¡larga vida al indie!

Una Lola Índigo todoterreno

El 2021 parecer tener preparados muchos planes para Lola Índigo. Apenas ha transcurrido una semana desde que comenzó el mes de abril y, la camaleónica artista, conocida familiarmente como Miriam Doblas, ya ha anunciado tres nuevos proyectos y soplado las velas por su 29 cumpleaños.

Muy atrás quedan ya en el calendario Fama, ¡a bailar! y Operación Triunfo, los dos programas de televisión que fueron la cuna e hicieron visible la cara de Mimi al gran público. Estos mostraban las dos facetas artísticas completamente distintas y a la vez complementarias en la artista: el canto y el baile. Gracias a un talento evidente, una actitud arrolladora y tras años de trabajo incansable, la mezcla de ambas disciplinas ha provocado que explote la bomba Lola índigo para el disfrute de todos sus fans.

Calle es el nombre del primero de estos tres estrenos. Un single en colaboración con Guaynaa y Cauty. Un ritmo que engancha, una letra pegadiza y una estética rompedora. El videoclip es completamente gamberro con un final de lo más sugerente, apuntando, quizás, a próximos lanzamientos. Estos son los ingredientes que se suman al ámbito en el que ella sobresale por encima de todos los demás: la coreografía.

Con el alto nivel al que tiene acostumbrado a su público y como ha demostrado en anteriores ocasiones, la puesta en escena es su fiel aliada y, en gran medida, responsable de transformar sus canciones en verdaderos fenómenos de masas. El escenario no tiene secretos para ella, que ha terminado convirtiéndose en un perfecto sinónimo del término polifacético.

Calle, nuevo single de Lola índigo, Guaynaa y Cauty. Fuente: Twitter.

RTVE también ha apostado por Lola para el programa que coloca en su parrilla esta misma semana, el 5 de abril, y que se emitirá los lunes a las 22.10h. The Dancer es el nuevo concurso de talentos dedicado a la danza que llega a España en busca del mejor bailarín y cuenta con un jurado compuesto por la propia Mimi, Miguel Ángel Muñoz y Rafa Méndez, que fue su profesor en Fama y con quien protagonizó una de las escenas más sonadas del programa.

Por si fuera poco, la artista ha anunciado recientemente a través de sus redes sociales el comienzo de The movement, un “proyecto de danza online donde dar visibilidad a grandes bailarines del país”. En colaboración con la marca Reebok, el programa contará con “concursos, vídeos, eventos, masterclass…” según anunciaba en Instagram, y cuyo casting también será seleccionado de forma virtual. El comentario del presentador y locutor Tony Aguilar a este mismo post: “Hija, a ver si trabajas un poquito. ¿Algún estreno más?” resumía en pocas palabras y en tono humorístico el gran nivel profesional que la artista está sacando adelante a un ritmo asombroso.

Equipo de The Dancer. Fuente: Diez Minutos. / Portada The Movement. Fuente: Twitter.

Además, ya ha dado algunos indicios sobre el rumbo que llevará su segundo disco que está previsto para verano de este mismo año y que promete nuevos sonidos y colaboraciones internacionales.

Por todo esto que está por venir, y por anteriores hits que no han dejado indiferente a nadie, Lola índigo es la muestra de cómo jugar bien las cartas con las que cuenta y poner en sintonía bajo una misma identidad artística una gran variedad de aptitudes y cualidades que la han llevado a posicionarse como una de las artistas más solicitadas del momento.

Los festivales andaluces que inundarán de música tu verano… por el momento

Si eres fan de los festivales, ya tienes plan para este verano. Tras un 2020 turbulento e insólito en todos los sentidos, y en particular para el ámbito del espectáculo, 2021 vuelve a alzar el telón para recibir a artistas y público sedientos de música en vivo. El show debe continuar. Los escenarios parecen estar más que preparados para subir el volumen durante tres intensos meses, respetando en todo momento las medidas COVID – 19 y demostrando, una vez más, que la cultura es segura

La temporada empieza por todo lo alto con Puro Latino Fest 2021 el 19 de junio con su edición cordobesa, a la que le siguen las ubicaciones de Sevilla, Torremolinos y El Puerto de Santa María. Con un cartel aún por cerrar, RVFV, Bad Bunny, Bad Gyal, Anuel o Raw Alejandro ya son artistas confirmados. Granada y Cádiz también se hacen un hueco en estos ritmos más urbanos y latinos albergando respectivamente el Granada Latina Festival y el Draskari Fest con nombres como Moncho Chavea o Haze.

Carteles Puro Latino Fest Córdoba, El Puerto de Santa María, Sevilla y Torremolinos. Fuente: Puro Latino Fest

Con el Starlite Catalana Occidente de Marbella el 19 de junio, arranca toda una serie de eventos con cabida para una oferta musical de lo más variada que se prolongará durante julio y agosto y contará con más de 50 días de conciertos. Aitana, Maluma, Antonio Orozco o David Bisbal son solo algunos de los artistas de los que el público podrá disfrutar.

Le sigue el Weekend Beach Festival de Torre del Mar, Málaga, con la playa como enclave destacado y un cartel variopinto al que se apuntan Lola Índigo, Dellafuente, El Kanka o El Canijo de Jerez. Poniendo también en sintonía música y naturaleza, se suma a la lista Cabo de Plata en Barbate. Chiclana de la Frontera acogerá en la misma onda el Concert Music Festival Sancti Petri, al que Marc Anthony, Manuel Carrasco, Vanesa Marín o Mónica Naranjo han convertido en una cita ineludible. El Arenal Sound 2021 también tiene ya fecha en el calendario y a Daddy Yankee como primer confirmado.

Los seguidores de música electrónica cuentan con un amplio abanico de citas a las que acudir: Dreambeach 2021 en la Playa de Palomares, Almería, durante los primeros días de agosto, Elrow Sevilla o Royal Summer Festival son algunas de ellas. Se fusionarán allí EDM, Techno, Hardstyle, house, urban e incluso rap con artistas como Dimitri Vegas, Natos y Waor, Garabatto o Kase. O.

Dream Beach playa. Fuente: Dreambeach.es

El momento para el rock, el indie y la música alternativa llega con el No Sin Música Festival 2021 los días 23, 24 y 25 de julio en el Puerto de Cádiz, manteniendo el mismo cartel previsto para 2020 con grupos como Miss Cafeína o Shinova. En el lado más metal y punk, The Juergas Rock Festival, en la playa de Adra, Almería con protagonistas de la talla de Lendakaris Muertos, u Oleorock en Jaén.

Nocturama en Sevilla, en el recinto de los jardines diseñados para la Exposición Iberoamericana de 1929, Chanquete World Music en Nerja, Cooltural Fest en Almería, Brisa Málaga Music Festival y Brota Música en Rota, que es además un evento sostenible, son opciones de festivales en esta línea a los que acudirán María Peláe, Fuel Fandango, Rozalén, Amaral, Leiva, Zahara o Amaia Romero desgajándose de la larga lista de artistas.

El Festival de la Guitarra de Córdoba llega como alternativa para los aficionados de este instrumento con actuaciones con la guitarra como protagonista, además de clases, cursos formativos y charlas, aunque aún no hay definida una fecha concreta.

Para rematar el verano y embarcados ya en septiembre, el Oh see! Fest de Málaga pone el broche de la mano de Carlos Sadness, Veintiuno o Nathy Peluso para despedirse a lo grande.

Jerez de la frontera no verá este abril Primavera Trompetera, sin embargo, gran cantidad de artistas se mantienen firmes en el cartel para hacer de la edición del 2022 un gran espectáculo.

Toda esta variedad musical es el resultado de un año que obligó a posponer planes y a aplazar los festivales que ahora llegan con más ganas y fuerza que nunca, dispuestos a plantarle cara al virus y a darle vida a un verano que apunta muy alto.

Resumen Arenal Sound 2019. Fuente: Youtube

La cara más actual de las estrellas que marcaron tu adolescencia

De ídolos de masas infantiles y adolescentes a referentes adultos. Esta es la evolución que han vivido algunos de los rostros más conocidos de toda una generación que da los últimos coletazos dentro del concepto millennial y se embarca de lleno en el de generación Z. Las caras que forraban todas las carpetas y ocupaban paredes en forma de pósters hoy llenan estadios, lideran los rankings musicales y pasean por las alfombras rojas consagradas como verdaderas estrellas de la música

Miley Cyrus es un ejemplo de transformación radical. Como protagonista de la mítica serie, Hannah Montana consiguió convertirse en el referente para muchas jóvenes que soñaban, como ella, con ser divas del pop. Miley Cyrus enfundada en una larga peluca rubia se convirtió en un símbolo de toda una generación. Actualmente, y haciendo honor a su nombre real, Destiny, ha sabido hacerse dueña de los escenarios gracias a una voz con mucha garra y una estética rompedora y gamberra que terminan de completar su estilo pop – rock y que han dado vida a temas como Wrecking Ball o Nothing breaks like a heart.

La saga Camp Rock también ha contribuido a aportar un buen puñado de nombres a este panorama. Todos ellos ya apostaban por la música en la interpretación de sus respectivos personajes para las películas, dando vida a las propias estrellas de un campamento de verano musical. De esta lista se desprenden dos protagonistas indiscutibles: Demi Lovato, que participó también en series como Sunny entre estrellas, se alza entre sus compañeros pudiendo presumir de un registro vocal impresionante y una fuerza arrolladora, tras un pasado bastante problemático y conflictivo que refleja en su famosa canción Sober. A la par se encuentran los Jonas Brothers, un trío compuesto por los hermanos Joe, Kevin y Nick Jonas, que nos ha regalado temas como Sucker o Lovebug.

A raíz del éxito de Camp Rock, surgió My Camp Rock, un concurso – reality español inspirado en esta ficción que dio a conocer a artistas como Lucía Gil, ganadora de su primera edición, que también formó parte del elenco de La Gira. Actualmente, es compositora de un reivindicativo canto feminista, Lo que es nuestro, y ha puesto banda sonora y esperanza a la pandemia con su tema Volveremos a brindar, además de haber participado en el musical La Llamada. De este talent show también surgió Roi Méndez, que probó suerte junto a su grupo Frab Fly. En 2017 consiguió convertirse en concursante de Operación Triunfo y, además de su propio disco, Mi Lógico Desorden, ha lanzado colaboraciones con artistas como Sinsinati o Veintiuno.

La ganadora de la segunda edición de My Camp Rock fue Ana Mena, una de nuestras artistas más polifacéticas, que se encuentra en la cresta de la ola gracias a grandes éxitos como Se iluminaba, Como el Agua, o Solo.

Recopilación del antes y el después de artistas Camp Rock. Fuentes: Bekia/ Instagram Demi Lovato/ Instagram Lucía Gil/ Huffington Post/ Twitter/ Wikipedia/ Youtube

A la argentina Tini Stoessel la conocimos cuando todavía era una adolescente en la serie Violetta, ambientada también en un instituto musical, donde la actriz supo mostrar todo su potencial como cantante. Ariana Grande es otra de estas jóvenes promesas. Fue miembro del reparto de la serie Victorious y a día de hoy es una de las artistas con más proyección internacional. Creó un sello y look propio identificable y lanzó hits como 7 rings o God is a woman.

Además de coprotagonizar Programa de protección de princesas junto a su compañera Demi Lovato, Selena Gomez dio el salto a la pequeña pantalla con Los Magos de Waverly Place y, aunque no exhibió en esta serie su faceta como cantante, si le puso banda sonora con la canción Magic. Tiempo después, sorprendió mostrándose como artista con temas como Kill Em With Kindness además de atreverse a cantar en español de la mano de artistas como Raw Alejandro o en solitario.

Aquí la muestra de cómo los conocidos “niños de Disney” no han dejado de trabajar para conseguir lo que empezaron enamorando a su público y colándose en sus casas a través de la televisión. Y tú, ¿también has desempolvado viejos recuerdos y escuchado a todo volumen los ritmos de tu adolescencia?

Estética y música, una combinación para el éxito

Triunfo: un trofeo que se alza en medio de un terreno de juego tan gratificante pero, a la vez, tan hostil como es el mundo de la música. Parece haberse convertido en el bien más codiciado y perseguido por sus jugadores con el fin de darle caza, aunque para cada uno de ellos adopte formas y significados completamente distintos. Es en este momento, y dejando de lado la multitud de factores que pueden verse implicados, cuando entra en acción una pregunta que se mantiene en el aire. ¿Se ha vuelto indispensable una estética definida para destacar en la música?

Hagamos un rápido experimento: elige el videoclip de un artista al que nunca hayas escuchado, pon la canción en mute e intenta averiguar qué está sonando únicamente observando su apariencia. ¿Lo has conseguido? Es curiosa la manera que tiene la música de sumar una dimensión estética a la suya propia, la sonora.

Haciendo un barrido visual por el panorama musical actual, resulta inevitablemente cuestionable plantearse hasta qué punto un artista puede llegar a vender solo a través la imagen que proyecta. Es abrumador el poder de estos artistas que hacen las veces de influencers para conseguir que llenen las calles hordas de Justins Biebers o Beckys G que aspiran a ser como ellos.

Estética y música forman el tándem perfecto cuando lo que impera es el talento. Un caso muy ilustrativo es el de Rosalía, cuyo estilo original, completamente identificable y resultado de una fusión de componentes que confluyen también en sus canciones ha servido de inspiración en multitud de ocasiones para diversidad de compañeros de la profesión entre los que resaltan nombres como los de Lola Índigo o Karol G. Nunca antes las uñas postizas y el chándal se habían llevado tan bien compartiendo el pódium de lo que está a la moda.

Ariana Grande, con sus ya tradicionales coletas altas; Billie Eilish o Miley Cyrus, con estilos arriesgados y atrevidos; Bad Bunny, J Balvin, Bad Gyal o Nicky Minaj en un plano más urbano son otros ejemplos de una estética con nombre y apellidos. The Weeknd ha sabido servirse de ella para contextualizar y dar sentido a todo el círculo que rodea cada uno de sus nuevos discos.

Desde Leiva, con un estilo más relajado, la guitarra y el sombrero, hasta Camilo con un carácter más playero y un bigote que se convierte en el protagonista de todo su atuendo. Sea cual sea su estilo musical, cada artista se esfuerza por marcar su propia personalidad, pero esto viene de lejos.

Si algunos de los cantantes actuales llaman la atención gracias a su apariencia rompedora, basta con dar un pequeño salto hacia atrás en el tiempo para toparnos con artistas de la talla de Mecano o Alaska para comprender hasta qué punto la estética siempre ha sido signo de identidad propia. David Bowie, Freddie Mercury o Michael Jackson son solo algunos de los grandes nombres que han conseguido cautivar a generaciones que llegan hasta la actualidad además de por su derroche incuestionable de talento, por la particular propuesta física con la que envolvían sus canciones.

La sociedad actual se encuentra completamente saturada de estímulos visuales devorados sin piedad gracias a las facilidades que aportan plataformas como YouTube o a las Redes Sociales. Es por esto por lo que, para poder enganchar a un espectador ya empachado de ofertas, un artista debe haber podido crear todo un universo que incluya desde su música hasta sus videoclips o merchandising, dibujando así un personaje diferente, novedoso, pero sobre todo que transmita verdad. Acento, esa es la palabra que pone Cruzcampo en boca de la gran Lola Flores para referirse a este sello propio tan esencial para que pueda nacer cualquier estrella.

Así suena Andalucía

«Sevilla para nacer, Granada para morir». Así comienza esta letra tan popular en un intenso recorrido por todas las provincias que componen Andalucía. Tierra de poetas, de vida, de gente humilde. Tierra de albero en las fachadas y de patios con rejas; de raíces y de mar. De arte por los cuatro costados y tierra también de música.

Esa es la palabra mágica: música, la que le da sentido a todo lo demás y que se aferra al concepto Andalucía en forma de canción hasta fundirse en una sola entidad.

Disfrazada de alegría o de lamento, convertida en banda sonora de una reunión entre amigos, marcando el compás en el reloj de la cocina o esquivando al sol escondida en el más sutil rincón de un callejón. La música ha sido y es una forma de vida, una manera de entender el mundo. Es la manifestación más pura de las emociones y de los sentimientos, y esto parecen llevarlo aprendido, de forma innata, generaciones y generaciones de andaluces que han sabido encontrarla en cualquier momento y lugar, y se han dejado llevar por ella de una forma tan visceral y humana que casi asusta.

La cantidad de referentes en este mundo es tan tremendamente inabarcable que podría desplegarse en forma de lista desde el primer extremo de Huelva hasta el último de Almería. Su rastro es el que ha contribuido de manera crucial a que pueda extenderse a lo largo de sus ocho provincias una gran variedad de artistas que hoy recogen el testigo y la pintan de diversos colores.

Voces de peso y, a la vez de estilos tan diferentes como las de Niña Pastori, Joaquín Sabina, Pastora Soler o José Mercé son algunos ejemplos que, aunque actuales, se han convertido ya en clásicos andaluces del abanico de posibilidades musicales a las que pueden dar lugar unas raíces comunes. “Unos años de guerra y alegría, un naranjo, y, en el centro, el sentir de Andalucía”, cantaba El Barrio, un grupo que ha utilizado a su tierra como musa para muchos de sus temas y que se ha ganado indiscutiblemente un hueco entre este conjunto de artistas.

Mostrando una cara más pop, pero sin perder un fondo que suena, inevitablemente, a sur, se alzan algunos nombres que forman parte del grueso musical español actual como Pablo López, Vanesa Martín, David Bisbal o Pablo Alborán, quien declaraba su amor incondicional a su tierra al ritmo de “Andalucía, yo te quiero, vida mía”. Manuel Carrasco también le canta a sus raíces llevando por delante “que mi acento es mi ADN, que no es ninguna bandera, que es una canción de cuna que mi madre me cantaba” poniendo en palabras algo tan intangible como es el orgullo de su esencia andaluza. Se les suman cantantes como India Martínez o Antonio José con un carácter muy flamenco y la capacidad de contagiar a cualquier tipo de público de la pasión que encierran sus canciones.

Artistas como El canijo de Jerez o el Kanka, al son de “la que revive a la poesía en cuanto el día se muere” y haciendo referencia, una vez más, a su hogar, añaden un estilo desenfadado que invita a unir la música con la calle, aportando una personalidad única y fresca. María Pelae es otra buena muestra de actitud y desparpajo; pregonera de su cultura en cada una de sus canciones, es capaz de aunar a Lola Flores y a Rosalía en un mismo remix.

Estilos más alternativos también tienen cabida en este heterogéneo conjunto musical. En el lado más Indie – Rock, Andalucía también ha visto nacer a artistas de la talla de Zahara o Supersubmarina.

Lola Índigo, Ana Mena, Dellafuente, La Mala Rodríguez o Beret completan el círculo aportando sonidos muy urbanos y actuales, acercándose, sin dejar de lado su punto andaluz a un estilo más latino o incluso al rap.

Este breve viaje a través del panorama musical andaluz actual, que podría detenerse en infinidad de paradas, pone de manifiesto cómo un arte arrullado en una misma cuna puede descomponerse en multitud de expresiones y formas, siempre anclado, firmemente, a sus orígenes, pero con una mirada hacia el futuro para convertirse así en el sonido de nuestro presente.

Lo vas a olvidar, el resultado de la suma Rosalía + Billie Eilish

Llevaban meses pidiéndolo. Este jueves 21 de enero, a las 18 h, las ingentes comunidades de fans que respaldan a ambas cantantes han podido ser testigo de una de las colaboraciones musicales más esperadas en mucho tiempo. Que la unión hace la fuerza no es ningún secreto para ellas. El resultado de la alianza de dos artistas de la talla de Rosalía y Billie Eilish solo podía ser Lo vas a olvidar.

Rosalía, la joven estrella de la música española, no necesita presentación. Dueña y creadora de la fórmula secreta que convierte sus temas en un éxito tras otro, y llevando el flamenco por bandera a diversos rincones del mundo, la catalana se ha convertido, en los últimos años, en una figura completamente internacional. Además, ha colaborado en anteriores ocasiones con artistas como James Blake, Traviss Scott, The Weeknd o Bad Bunny. La avalan una amplia formación musical; sus anteriores trabajos El mal querer o Los Ángeles; hits como Yo x Ti, Tu x Mi, TKN o Con Altura y varios premios Grammy Latinos o MTV.

Billie Eilish es el segundo pilar del proyecto. Cantante y compositora, ganadora también de premios Grammy o American Music Awards. La estadounidense de 19 años saltó a la fama con apenas 13. Con temas como Bad Guy, Ocean eyes o When the party’s over ha sido capaz de crear un sello propio con una estética rompedora y un estilo perfectamente identificable y singular.

Ambas lanzaban la bomba a través de sus redes sociales hace unos días. Revelando el motivo de la colaboración y adelantando apenas unos segundos del videoclip, generaron altas expectativas. La canción será utilizada como tema para Euphoria, una serie juvenil lanzada por la cadena HBO, protagonizada, entre otros actores por Zendaya. Esta narra las experiencias a las que se enfrenta un grupo de adolescentes en su vida de instituto, abordando temas controvertidos como el amor, los conflictos de identidad, las drogas o el alcohol. Algunas notas se colaban también tímidamente en el avance de uno de sus capítulos especiales.

Un potente coro de voces secundarias acompaña a las de Rosalía y Billie, que sobresalen de una manera brillante, envolviéndolas y rodeándolas de un aura que embruja al espectador hasta el último segundo. La simbiosis de español e inglés ayuda de manera magistral a la fusión de conceptos que las artistas plantean.

La marca Rosalía está presente en todo momento con expresiones tan características como “¿Qué harás con to’ este veneno? Na’ bueno” y un estremecedor deje flamenco que aporta dramatismo y sentimiento. Billie, por su parte, nos muestra una voz rasgada, por momentos susurrada, pero firme, con peso, decisiva para terminar de darle una sensación ascensional al tema.

El autotune está presente como un actor más en este escenario. Integrado a la perfección con todo el ambiente de la canción, nos lleva por momentos al disco El mal querer de Rosalía.

El videoclip termina de cerrar el conjunto, con una estética austera y oscura. Utiliza el recurso de la superposición de planos en movimiento entre las dos artistas, como si de un baile se tratase, reflejando el estado anímico al que conduce tanto la letra como el sonido y consiguiendo así que todos y cada uno de los elementos del proyecto remen en favor de un único concepto.

La música une, y el arte no entiende de barreras. Así lo han demostrado estas dos estrellas y así lo refleja el fruto de su trabajo, Lo vas a olvidar, que, a buen seguro, y a modo de antítesis, será recordado durante mucho tiempo.

¿Hasta qué punto marca la música el ritmo de tus compras?

Está ahí, aunque no te des cuenta. Te acompaña, sigiloso. Te susurra en el oído al más puro estilo del diablillo sobre tu hombro. Te embauca como un canto de sirena hasta que consigue su objetivo, y… ¡zas! Te ha cazado, ya no hay vuelta atrás. Es el poder de la música. ¿Alguna vez te has parado a analizar tu cesta de la compra teniéndolo en cuenta?

La música forma parte indispensable de nuestra vida, vamos de su mano en infinidad de situaciones e influye de manera decisiva en nuestras actitudes y comportamientos. Los hábitos de consumo no son una excepción, y estos tampoco pueden escapar de sus largos tentáculos.

Además del olor, de los colores o de la iluminación, el hilo musical se ha ido convirtiendo en uno de los elementos más destacados a la hora de dotar de identidad a las marcas. Se ha transformado en su símbolo, en la imagen que proyectan, y esto ha llevado a que cada vez más comercios busquen desesperadamente su sonido particular.

De manera automática, nos hemos acostumbrado a que la música acompañe nuestras compras, hasta el punto de resultar extraña o, incluso, incómoda su ausencia. Sin embargo, no está ahí solo para amenizar nuestro paso por estos establecimientos. Se ha consolidado como uno de los componentes más importantes de las estrategias de marketing.

Aunque las respuestas dependen de cada persona, al final, la música consigue provocar estímulos emocionales en nuestro cerebro que nos llevan a tomar determinadas decisiones impulsados por ella. En esto consiste el neuromarketing.

«Así como la ambientación de un local es la cara de una marca, la música es su voz»

La directora de Brandtrack, Cecilia Galván, confesaba para El Mundo

Según el tipo de establecimiento, las estrategias pueden variar. En las tiendas de deporte es habitual encontrar sonidos enérgicos que ayudan al cliente a sumergirse en ese ambiente.

Algunos trucos son comunes por su demostrada efectividad

Reproducir playlists de una época en concreto llamará a una clientela de determinada edad. Así, eligiendo canciones de los años 80, probablemente acudirá público que los vivió en su juventud, movido por la nostalgia y el recuerdo. En tiendas dirigidas a un público potencial juvenil, es frecuente toparse con el tipo de música que se podría encontrar un sábado noche de fiesta en cualquier after, lo que ayuda a que este tipo de clientes se acerquen atraídos por un sonido que les evoca un momento divertido, desenfadado y actual. Ejemplos característicos son el de Bershka o Stradivarius, que podrían pasar fácilmente por auténticas discotecas camufladas entre perchas y probadores.

La influencia de la música en la conducta del consumo. Fuente: Comportamientonoverbal.com

Otro elemento curioso es el ritmo. Los consumidores adaptan su actitud ante las compras al compás que marca la música. Un sonido lento llevará a los clientes de un supermercado a pasearse detenidamente entre sus pasillos y estantes con el subliminal objetivo de que añadan a su carrito muchos más productos de los que inicialmente tenían planeados. En momentos de hora punta, el ritmo cambia y pasa a ser más rápido con la intención de que los compradores salgan cuanto antes de la tienda para poder albergar así en menos tiempo un mayor número de ellos.

El ritmo afecta del mismo modo a los restaurantes: una música más relajada invitará a la degustación sosegada de los platos y a permanecer allí más tiempo, lo que se traduce en un mayor gasto por parte del consumidor. Sin embargo, en restaurantes de comida rápida, y haciendo honor a su propio nombre, la música también lo es para facilitar el paso del mayor número posible de personas.

El volumen alto también influye. Funciona para distraer la atención y conseguir que se compre más compulsivamente, sin entrar a valorar en detalle todas las características de los productos. Por otra parte, el estilo es fundamental: la música clásica, por ejemplo, empuja a comprar productos más caros o selectos.

Pero, además de para atraer a clientes potenciales, la música también sirve para ahuyentar a los que no lo son y evitar de esta manera perder el tiempo con ellos. Es innegable que, si la ambientación musical de un comercio es del gusto de la clientela, esta pasará más tiempo en él, y, probablemente, volverá y se lo recomendará a otras personas.

Hasta este punto la música es capaz de apoderarse de nuestros sentidos. Nos recuerda una vez más, de forma discreta, que música y vida son inseparables y se funden en un mismo concepto, haciendo imposible distinguir donde está la línea de separación entre ambas.

Unikornio, Once millones de versos después de ti, lo nuevo de Pablo López

“Diciembre, el 18”. Así anunciaba el cantante malagueño Pablo López hace un mes en Instagram el estreno de Unikornio, Once millones de versos después de ti. Su nuevo disco ya pertenece también a todos sus seguidores, entrando así a formar parte de la banda sonora de la recta final del 2020.

Tras anteriores trabajos como Once historias y un piano o Camino, Fuego y Libertad, el artista, exconcursante de Operación Triunfo 2008 y jurado de La Voz en varias ediciones, nos presenta su cuarto álbum de estudio. Un recorrido con diez paradas en forma de canción que hace viajar al espectador de la oscuridad a la luz.

Todas ellas tienen en común un tono épico, incluso apoteósico. Con un imponente peso musical y unas letras densas, utiliza su asombrosa forma de componer para lanzar mensajes muy potentes.

MámaNo fue la primera pista. Con este single, el primero en salir a la luz, es capaz de sacar un sentimiento muy animal: la rabia. Cuestiona a todo aquel que habla sin saber y que dice conocerlo, y se refugia en la figura de su madre, que es de las pocas personas que realmente pueden hacerlo. “Mamá no, díselo, que no me conocen, no” canta él. Este sentimiento queda reflejado en un videoclip en el que todas las personas a su alrededor aparecen con los rostros tapados.

El siguiente en salir fue Mariposa, un tema convertido en acto de liberación. Con él pone fin a la búsqueda constante de la perfección, que lo atormenta. En una entrevista para La Vanguardia confesó: “pienso que debo seguir pisando charcos, siendo torpe, equivocándome… La mariposa es la antítesis de esto, es perfecta, pero dura poco, y es efímera”. Por eso, prefiere mantener el contacto con la tierra, firme, a pesar de tener alas.

KLPSO, abreviatura de colapso, fue el último single en estrenarse. Con un sobrio videoclip en blanco y negro y una voz desgarradora que se rompe por momentos, se cura las heridas de una autodestrucción interior, y se pide perdón por ser, en ocasiones, su peor enemigo. Por luchar entre lo que debería ser y lo que realmente es. Esta canción es capaz de explotar en lo más alto y volver a convertirse en un susurro de una manera magistral.

Tempo, ImaginaTú y 7 son una especie de “ven, siéntate que te hablo bajito”. Muy desnudas en cuanto a instrumentos, su voz se sitúa como protagonista acompañada de un piano, que es su fiel compañero.

Con KLPSO2 y Viba nos enseña su lado más experimental. En el caso de la primera, juega con lo inesperado utilizando una estructura y un sonido poco habituales. Justo cuando parece que la canción llega a su punto más alto, decide dejar al espectador con las ganas y retrasar el momento, que acaba apareciendo con dramatismo. La segunda es una de las grandes sorpresas del disco, con un sonido rockero e incluso, a veces, robotizado.

La niña de la linterna es un canto a esas personas que sirven de faro en su vida. Con frases tan potentes como “¿dónde guardas tanta luz? Todos los días sales tú”, las compara con el sol. El videoclip desprende una fuerza arrolladora, con un piano en llamas del que pueden disfrutar de forma simbólica quienes consigan la edición especial en vinilo, decorada con una incrustación de las cenizas que quedaron tras la grabación, según contaba en El Hormiguero.

Unikornio es la última parada de este viaje, y la canción que da nombre al disco. Se convierte en su auto – reflejo y hace referencia una vez más a lo tedioso que es llevar las alas a las que se refería en Mariposa. Durante todo el último minuto ya suena a canción final, y culmina de esta forma con el disco en lo más alto.

Pablo López comienza su gira, a la que ha bautizado Mayday & Stay Tour, en abril. Hasta entonces, su público puede seguir deleitándose con esta obra de arte hecha disco, capaz de producir sentimientos muy intensos y hacer experimentar sensaciones nuevas con cada escucha.