Las mujeres, ¿excluidas de las batallas de gallos?

Las batallas de gallos nunca han tenido género, sin embargo gran parte de su panorama está formado por hombres. Tanto en los competidores como en los seguidores es inusual encontrar presencia femenina y, a veces, el contenido de las rimas no ha acompañado a que ellas formen parte. Entonces, ¿están las mujeres excluidas de las batallas?

Reconocer que gran parte del circuito batallero está formado por hombres es una realidad. Sí que es verdad que cada vez son más mujeres las que deciden subirse a un escenario y enfrentarse a sus compañeros. Pero aún así, la ausencia femenina sigue siendo notable

La conclusión por las que un número de ellas no se atreven a batallar es porque no ven a competidoras dentro y se sienten que no hay espacio para ellas. Otras, porque no están de acuerdo con que se apoyen o se griten rimas que a veces pueden volverse misóginas. Y la gran mayoría de ellas, por la ola de odio que cae por parte de un público tóxico que cuestiona constantemente a este colectivo. 

Sara Socas, Chuty y Bnet. Fuente: @sarasocas_cf

El feminismo ha puesto contra las cuerdas muchas rimas. Analizando el contenido de las mismas pueden encontrarse a veces patrones misóginos. De hecho, a la hora de la valoración, ha llegado a un punto en el que estas frases han pasado a considerarse muy básicas y se penaliza el poco nivel de ingenio. 

Sin embargo, hay una parte del circuito que no está del todo de acuerdo con esto. El lema Lo que pasa en una batalla, se queda en una batalla se ha repetido constantemente para aclarar polémicas. Y es que las personas que realmente están compitiendo no tienen intención ni de mostrar su personalidad ni de enseñar, por lo que la rima no debería ligarse a su persona ni tenerse en cuenta.

Aún así, han sido numerosas las ocasiones donde estos patrones han tenido un notable protagonismo por este tema en cuestión. De hecho, una de las batallas donde el discurso por la igualdad predominó generando tensión fue en la de Sara Socas vs Rapder en México

Batalla entre Sara Socas y Rapder en México. Fuente: Shaolin Battles

Generó bastante revuelo y confusión, incluso a día de hoy en las redes sociales se sigue debatiendo sobre esa batalla. El público empezaba a cuestionarse los límites en las batallas y lo aceptable sobre el escenario. Fueron pocos freestylers los que no se pronunciaron al respecto, ya que gran parte del circuito ofreció diferentes puntos de vista.

Además, los mismos protagonistas de la batalla tuvieron que intervenir aclarando que aunque la batalla fuera tensa, entre ellos mantenían una buena relación y las rimas dichas no había que tomarlas al pie de la letra.

«Quiero recalcar mi apoyo hacia el movimiento feminista (…) Pero hablando en temas de «BATALLAS» no existe género, seas hombre o seas mujer te aseguro que voy a salir a destrozarte, y no porque quiera hacerte daño sino porque te respeto, y si tú me darás tu máximo nivel yo tengo que tomarlo con la misma seriedad»

Rapder

Sin embargo, otro gran problema reside en el público. Un gran número de freestylers femeninas han afirmado que los oponentes ni son machistas ni defienden X ideales. Pero los seguidores sí deciden interiorizar muchos patrones y exponerlos como si fuera un discurso real del que aprender. 

En consecuencia, esto ha supuesto que muchos competidores se cuestionen qué decir constantemente y sientan miedo por las reacciones que puedan generar si interpretan a un personaje que no es políticamente correcto. Por lo tanto, gran parte del conflicto se encuentra en la interpretación de las rimas.

Roma batallando. Fuente: @redbullbatalla

Pero no sólo es ahí, sino que las propias mujeres que forman parte del circuito han afirmado que se les ha exigido un nivel superior o les han demeritado su puesto por parte del público. Asimismo, dado que la mayoría de seguidores son hombres, algunos de ellos no se plantean que las mujeres tengan cabida en este ámbito artístico.  

Incluso, algunas raperas afirman que ser “la representación de las mujeres” les genera presión. Y aunque sea un titular idóneo a la hora de hablar de alguna de ellas, cae una cierta responsabilidad sobre los hombros. Ellas no quieren tener que representar a ningún colectivo, porque eso las hace distintas a sus compañeros. Ellas simplemente exponen a su personaje representando única y exclusivamente su nombre. Por eso mismo, animan a que cualquier mujer que quiera batallar, que lo haga sin reprimirse ante la presencia masculina, porque en el freestyle hay hueco para todos. De ese modo, será la única vía para que en las batallas haya más diversidad. 

Aún así, siempre hay una primera que hace historia, y hay que reconocer su nombre. Como competidora, Marithea fue la primera mujer en ganar la Regional de Red Bull Batalla de los Gallos en 2019 y clasificarse para la Nacional, en Colombia, donde quedó en un tercer puesto. 

Marithea ganadora de la Regional de Red Bull. Fuente: @redbullbatalla

Spektra de la Rima fue también una de las mujeres que han dejado su huella en las batallas. Sin embargo, ella no lo hizo como competidora, sino como jueza en la final Nacional de Colombia en 2020. Al principio se mantuvo alejada del mundo del freestyle porque no era muy afín al contenido de las rimas, pero después, decidió darle una oportunidad tras ver los cambios.

“Aunque estoy metida en el mundo del rap desde hace varios años, había evitado acercarme al freestyle porque proliferaban las rimas sexistas y misóginas, sin embargo, hay que reconocer que eso ha venido cambiando de a poco. Los MC se esfuerzan por no caer en esas rimas fáciles y las organizaciones cada vez son más exigentes a la hora de juzgar el contenido de las rimas” 

Spektra de la Rima

En Argentina también hicieron historia. En la Nacional de Red Bull de 2019, Roma Y NTC, protagonizaron por primera vez una batalla femenina en Octavos. De hecho, hubo un patrón de la segunda que puso a vibrar el Luna Park:

“Dale en serio, que ya tengo los poderes./ Para los que dicen que son malas las mujeres/ para los que dicen que no tenemos niveles…/ ¡Tranqui pibes, que ahora les toca a ustedes!”

Roma y NTC Octavos de Final Nacional. Fuente: Red Bull Batalla

Otros dos nombres muy relevantes en el panorama nacional son Sara Socas y Erika Dos Santos. Ambas han participado en Red Bull en numerosas ocasiones. Socas, por su parte, se convirtió este enero en la primera mujer que ha participado en FMS, lo logra en una batalla contra Tirpa. En estos momentos, esta se encuentra luchando el ascenso de dicha liga para poder formar parte de las 9 jornadas en los años que vienen. 

Para acabar, una de las figuras femeninas más relevantes en el circuito y con una labor completamente distinta a la de competidora es Queen Mary. Su inicio como host fue en 2016 en la Red Bull Regional de la mano de Mbaka. Ambos se complementaron a la perfección, dieron vida al escenario y se convirtieron en una dupla para más eventos.

Sin embargo, en este año pasado, en la Final Nacional de Red Bull, Mbaka ya no iba a formar parte como anfitrión y se barajaba la posibilidad de que ella hosteara sola. Finalmente, lo hizo acompañada de Bekaesh, y aunque estuvo agradecida por formar una dupla con este host, comentó en una entrevista que muchas personas dudan de su capacidad para que ella presente un evento sin necesidad de acompañante. 

“Lo que los seguidores dan por sentado es que yo necesito una dupla, y yo no lo veo así. De hecho, a mis compañeros chicos, no les preguntan”

Queen Mary

En definitiva, en las batallas de gallos no se distingue por género y todos tienen su espacio. Cualquiera que quiera ser competidora, host o simplemente seguidora, será bienvenida. La mejor manera de hacer real la igualdad es desde dentro. Abrir la mente y darle una oportunidad a lo que siempre ha sido rechazado, son los ingredientes principales.

6 de marzo con «m» de Miguel Ángel

Miguel Ángel Buonarroti nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese, un pequeño municipio italiano de la provincia de Arezzo, que hoy recibe por nombre «Caprese Michelangelo»

Miguel Ángel o «Michelangelo», nombre de pila por el que también se conoce, es considerado uno de los más grandes artistas de la historia. En su trayectoria tan artística como polifacética se dedicó a las tres grandes expresiones del arte: la pintura, la escultura y la arquitectura, destacando en todas ellas, gracias a su precisión e innovación en las técnicas y convirtiéndose así. Es la figura más importante del Cinquecento renacentista (S.XVI).

Retrato de Miguel Ángel de Daniele de Volterra (1544). Fuente: Wikipedia

Miguel Ángel se inició en la pintura formándose durante trece años en el taller de Ghirlandaio, pintor cuatrocentista italiano, donde se especializó en la técnica de la pintura al fresco.

Las primeras obras que se conservan del artista son un encargo oficial para la República y una tabla para una colección privada. Tras esto, en 1504 realiza Tondo Doni, en el que los llamativos escorzos y los desnudos del fondo tienen cierta semejanza a los de La Batalla de Cascina (1504-1505), un cartón para decorar al fresco para el Palazzo Vecchio de Florencia que muestra la victoria de los florentinos frente a los pisanos.

La Batalla de Cascina. Fue diseñado por Miguel Ángel pero no llegó a pintarlo. Sólo hizo el cartón previo. Es conocido por la copia al óleo de Sangallo y por los grabados de Raimondi. Fuente: Wikipedia
Tondo Doni, Miguel Ángel. Fuente: Historia Arte

La perfección que alcanzó Miguel Ángel al representar desnudos fue debido a la cantidad de horas y número de sesiones que el propio artista pasó descuartizando cadáveres en el Hospital del Espíritu Santo.

Aunque ya demostraba una gran capacidad para la pintura, entre 1508 y 1512 alcanza un grado de perfección inigualable, ya que lleva a cabo el fresco más famoso de la historia: el Ciclo de la Creación y Caída del Hombre en la bóveda de la Capilla Sixtina del Palacio del Vaticano en Roma donde se narran dichos sucesos tal y como se describen en el Génesis. El artista decidió compartimentar el espacio rectangular del centro en nueve tramos, separándolos por desnudos y tondos, siendo estos últimos unos adornos circulares.

Ciclo de la Creación y la Caída del Hombre, Miguel Ángel. Fuente: National Gallery

Tras esto, entre 1535 y 1541 realiza otro fresco sobre muro en el Altar Mayor de la Capilla Sixtina en el Palacio del Vaticano en Roma, Juicio Final, cuya composición, colores y representación causó una gran conmoción para todo aquel que lo visitaba.

Al final de su vida, entre 1542 y 1550, realizó dos grandes murales de renombre: la Conversión de San Pablo y el Martirio de San Pedro.

La Conversión de San Pablo, Miguel Ángel. Fuente: Wikipedia
El Martirio de San Pedro, Miguel Ángel. Fuente: Wikipedia

En cuanto a la vertiente escultórica, nos encontramos ante un artista que marcó un antes y un después. Son tantas las obras que llevan inscritas su nombre que es imposible nombrarlas todas, aunque sin duda se nos viene a la mente el imponente David. Sin embargo, antes de llegar a esta imagen es necesario conocer el recorrido que el escultor realizó antes de conseguir su máxima creación.

En una primera etapa ubicada en Florencia, sobresale la Virgen de la Escalera, realizada entre 1489 y 1492. Destacó por las figuras monumentales que representaba, el bajorrelieve y el detalle en las vestimentas. Posteriormente, tras la muerte de Lorenzo de Médici y la caída del dominico en 1492, abandona Florencia para residir en Roma, donde alcanza su máximo esplendor.

Virgen de la Escalera, Miguel Ángel. Fuente: Más Clases de Arte

Si en la representación que realiza del Baco (1496-1498) se puede atisbar la grandeza que el artista va adquiriendo, ese mismo año comienza la creación de La Piedad, que un año más tarde finaliza, convirtiéndose en el prototipo de imagen devota del arte cristiano.

Aunque la finalidad era simplemente decorar la tumba del cardenal Jean Bilhères de Lagraulas, el propio Miguel Ángel quedó fascinado por el resultado obtenido, por lo que en la cinta que cruza el pecho de la Virgen firmó con la siguiente frase «Miguel Ángel Buonarroti, florentino, lo hizo«. Un ya anciano Miguel Ángel, recurriría de nuevo al tema de la Piedad de María haciendo variaciones a partir de 1550 hasta el final de sus días.

La Piedad, Miguel Ángel. Fuente: Historia Arte
La Piedad, Miguel Ángel. Fuente: Historia Arte
La Piedad, Miguel Ángel. Fuente: Historia Arte

Entre 1501 y 1504 esculpió su obra más famosa, el David, al que llamaron popularmente «el Gigante». Para realizarlo, Miguel Ángel volvió a centrarse en el estudio de la anatomía, reflejada en la posición de contrapposto que acoge la imagen. Cabe destacar que con una intención alegórica decidió agrandar la cabeza y la mano derecha del joven pastor hebreo que representaba.

El detalle del rostro refleja la profundidad interior del joven, que se encuentra totalmente centrado en la acción que realiza y cuyo cabello, con los claroscuros que presenta, refuerza el dramatismo que desprende la obra. Además, el cabello también muestra la clara influencia del arte clásico en el autor. Por otra parte, se puede apreciar el famoso gesto de terribilitá miguelangelesca en su rostro y las marcas de tensión en la mano.

Tras esto realizó el Mausoleo para Julio II (1505), el Moisés (1515) y el Sepulcro de los Médici (1534), entre tantas obras de renombre.

El Moisés, Miguel Ángel. Fuente: National Geographic en Español

Aunque en el ámbito arquitectónico con anterioridad había realizado diferentes encargos, no es hasta 1520 que el Papa León X le encomienda la construcción de la Sacristía Nueva de la Basílica de San Lorenzo en Florencia donde posteriormente se añadirán los sepulcros anteriormente nombrados de los Médici. En este mismo edificio finaliza en el 1534 la Biblioteca Laurenciana, la cual consta de la sala de lectura y el vestíbulo. Es destacable la escalera del vestíbulo, una obra totalmente innovador.

Escaleras del vestíbulo de la Biblioteca Laurenciana, Miguel Ángel. Fuente: El Poder del Arte

Sin embargo, entre 1558 y 1561 realiza una de las obras más importantes en su carrera y en la historia del arte: la Cúpula de la Basílica de San Pedro del Vaticano en Roma. Se trata de una cúpula dodecagonal conformada por doce nervios, coronada por una linterna y que descansa sobre un tambor con columnas pareadas que separan varios frontones semicirculares y triangulares. Esta se convirtió en una de las más grandes de la cristiandad y la más alta. Ha servido de inspiración a otras famosas cúpulas como la de la catedral de San Pablo en Londres o la del Capitolio de Washington.

La Cúpula de la Basílica de San Pedro del Vaticano, Miguel Ángel. Fuente: La Cámara del Arte

Tal fue la importancia de Miguel Ángel, que aún en vida se escribieron tres biografías sobre él y se le denominó el «divinisimo». Sin necesidad de apelar a su apellido, todos sabemos de quién se trata cuando se le nombra. Reconocido, admirado y fuente de inspiración, Miguel Ángel sigue presente en nuestro día a día demostrando, una vez más, que el arte no muere con el paso del tiempo ni con el avance de las tendencias y técnicas artísticas.

Descubre el simbolismo del Carnaval de Cádiz

El mes de febrero tiene un significado especial para la provincia gaditana y, sobre todo, para la capital. El Carnaval constituye una forma de cohesión social para Cádiz y sirve de altavoz para todas aquellas reivindicaciones sociales y políticas. Aunque pueda conformar un escaparate turístico, su esencia crítica se mantiene viva en las letras de las coplas.

Si pensamos en el Carnaval, pensamos en las calles de Cádiz abarrotadas en el mes de febrero. En las agrupaciones del Gran Teatro Falla y en las “callejeras”, en los tipos, en la multitud… y, por supuesto, en las coplas que esperamos todo un año para escuchar. Estas no son simples canciones que tocan temas banales o que tienen una música pegadiza. El Carnaval de Cádiz va más allá del festejo musical.

Un poco de historia

El Carnaval tiene una gran importancia cultural. Tal es su relevancia, que lleva arraigada en la sociedad desde la Roma Clásica. Aunque bien es cierto que no tiene nada que ver con lo que es ahora. En esta época, el Carnaval estaba más relacionado con ceremonias y costumbres religiosas, concretamente cristianas.

Esta festividad dio sus primeros pasos como una herramienta que usaba el pueblo para reivindicar temas sociales de forma anónima. Recibía influencias de muchas partes del mundo, sobre todo de Florencia, con quien mantenía muchos lazos comerciales.

Durante el siglo pasado, sufrió una fuerte censura debido a la dictadura de Franco que no permitía las opiniones contrarias al régimen. Pero aún así, la esencia crítica se mantuvo de forma clandestina en las calles gracias a agrupaciones formadas por gaditanos que no se rindieron. De ahí deriva el término de «ilegales» para denominar a aquellas agrupaciones carnavalescas que no se presentan al concurso oficial.

La explosión del depósito de minas de San Severiano en 1947 hizo que el gobernador civil permitiera el Carnaval. El objetivo era contrastar con esta festividad la tristeza de lo ocurrido y levantar los ánimos. Desde entonces el Carnaval ha seguido tanto en el concurso de agrupaciones como por las calles, siendo una actividad de orgullo para la provincia.  

Explosión del depósito de minas de San Severiano, Cádiz en 1947. Fuente: El País
¿Por qué el carnaval es tan importante?

Una fiesta es un manifestación socio-cultural que incluye rituales, religiosos o no, y diversión, pero que implica muchas funciones en relación con la colectividad que las celebra y las protagoniza

Isidoro Moreno, antropólogo social y cultural

Las fiestas son una representación de lo que nos une. El Carnaval se ajusta a esta definición y engloba una serie de dimensiones que permiten que la comunidad se sienta unida y cohesionada por la misma.

Las letras reivindicativas de los intereses de la comunidad refuerzan los vínculos sociales entre los habitantes durante todo el año, pero especialmente en esta época. Además, como dice Cantero, estas letras están llenas de simbolismo hacia la sociedad y de diversión.

Esta esencia del Carnaval es la que se transmite de generaciones en generaciones, y la que se expande por todo el mundo. Se construye así una identidad colectiva mediante una cultura que todos los habitantes comparten. Es decir, los autores hacen referencias que los ciudadanos comprenden y aceptan. Además, las coplas transmiten un sentimiento de pertenencia e identificación a un grupo. El ser humano es un ser social. Es decir, necesitamos sentirnos dentro de un grupo. Para ello, nos involucramos dentro de un grupo social mediante las características y nos diferenciamos de otros grupos por las mismas.

Con las coplas reímos, lloramos, estamos de acuerdo o discutimos. Cuentan historias, denuncian injusticias y representan la realidad. Las coplas aportan nuevas versiones y puntos de vista, retoman debates e, incluso, introducen nuevas palabras como «cajonazo«. Los aficionados del Carnaval, toman todo esto como suyo, sintiéndose así dentro de un grupo social. De esta manera, los aficionados pertenecen al conjunto de carnavaleros, e incluso hartibles, y comparten gustos, pasatiempos y ocupaciones. El carnaval, por tanto, es una fiesta y el pilar fundamental de la cultura gaditana.

Pasodoble Si caminito del Falla de la comparsa La Eternidad, escrito por Antonio Martínez Ares, que recopila coplas clásicas del Carnaval de Cádiz. Fuente: Carnaval por un tubo
El Carnaval en el sistema capitalista

Las celebraciones son un producto más del sistema en el que vivimos. Los medios de comunicaciones dan cada vez más cobertura y protagonismo a las fiestas para convertirlas en escaparate de las ciudades y pueblos. Es decir, se vende esa identidad colectiva representada en las fiestas.

Es por ello, por lo que el Carnaval además de ser una fiesta, es una celebración que tiene una función transformadora de la sociedad. Durante esos días, Cádiz se vuelca en el Carnaval y todas sus actividades quedan relegadas a un segundo plano. Además, también se puede observar un cambio en torno a la estructura urbana, donde los bares sacan sus establecimientos a la calle, para dar más vida a la ciudad. Esto favorece a que las personas beban y consuman en la propia calle, que durante esta época, se permite y justifica por la propia fiesta. Así, se intensifica aún más ese sentimiento de grupo antes mencionado. Todos tienen una misma causa: disfrutar del Carnaval.

Este tipo de cambios promueven que el Carnaval se venda muy bien al público y vengan grupos de personas de todas las partes del mundo. Pasa a ser una atracción turística para miles de aficionados alrededor del mundo.

Esto al principio puede sonar bien, ya que puede ser beneficioso para la provincia, que recibirá de forma masiva ingresos por celebrar lo que les caracteriza. Pero también tiene una serie de inconvenientes. Debido a la entrada masiva de visitantes en esta época y el reciente ascenso del “litroneo”, las calles de Cádiz se convierten en un botellón. Y esto no tienen nada que ver con el Carnaval. Incluso puede provocar una pérdida de identidad de la propia fiesta.

Podemos encontrar agrupaciones que reivindican este hecho, defendiendo que el Carnaval debería ser para los que de verdad les gusta y no un botellón más. Un ejemplo puede ser el pasodoble Igual que en una mezquita de Los Millonarios, comparsa muy conocida de Juan Carlos Aragón, autor de más de 40 comparsas y chirigotas.

Pasodoble Igual que en una mezquita de Los Millonarios, escrito por Juan Carlos Aragón. Fuente: Carnaval por un tubo

El Carnaval de Cádiz supone para la ciudad tanto un foco de ingresos como un pilar fundamental de representación cultural. Gracias a esta festividad se realzan y ponen en la opinión pública grandes reivindicaciones. Esa esencia es la que embauca a todos sus seguidores y la que impide que se vuelva una simple festividad en manos del capital. Mantengamos, como andaluces, el Carnaval. Este, más que una fiesta, es uno de los pocos espacios en los que la libertad de expresión aún puede disfrutarse.

La Fábrica del Mundo

El Archivo de Indias abre sus puertas para hacer un recorrido por la historia de la imagen del Mundo durante la presencia española en Ultramar

Desde el 22 de octubre del 2020 al 28 de marzo de 2021, la galería alta del emblemático edificio sevillano acoge la exposición «La Fábrica del Mundo», de entrada gratuita y con horario de martes a domingo.

A través de más de cincuenta documentos, la mayoría pertenecientes a los fondos del Archivo General de Indias, se pretende mostrar la evolución de la imagen del Mapa a lo largo de más de tres siglos. Para ello, han dividido la exposición en tres secciones: Plus Ultra, El Compás y el Mar, y por último, Todo tiene un límite.

Exposición «La Fábrica del Mundo» en el Archivo General de Indias. Fuente: ABCdeSevilla. Raúl Doblado.

La primera se centra en la cartografía y su evolución a través de numerosos mapas y cartas de célebres del momento como Juan de la Cosa (1450/60-1510), cartógrafo y navegante cántabro que dibujó el mapa más antiguo conservado en el que aparece América y que se embarcó en los primeros viajes a dicho continente. Incluso, podemos observar en esta sección tratados como el de Zaragoza (1529) o la creación de la Casa de la Contratación (1503).

Exposición «La Fábrica del Mundo» en el Archivo General de Indias. Fuente: ABCdeSevilla. Raúl Doblado.

La segunda parte muestra, a través de una gran cantidad de mapas, las representaciones que los pilotos hacían de lugares que descubrían o los elementos geográficos y etnográficos que encontraban en los viajes. De esta manera, en esta sección se trata la relación entre el saber teórico y práctico de pilotos y cosmógrafos, quienes discutían por la mejor seguridad de la Carrera de Indias: la ruta oceánica que conectaba a España con sus colonias y que permitía el transporte de barcos con mercancías, los cuales asiduamente se veían atracados por piratas, de ahí la necesidad de una mejor protección.

Exposición «La Fábrica del mundo» en el Archivo General de Indias. Fuente: ABCdeSevilla. Raúl Doblado.

Finalmente, «Todo tiene un límite» profundiza en las investigaciones y exploraciones científicas que se llevaron para definir la forma de la Tierra en el S.XVIII.

Exposición «La Fábrica del Mundo» en el Archivo General de Indias. Fuente: ABCdeSevilla. Raúl Doblado.

La Fábrica del Mundo se presenta como una oportunidad para profundizar en el proceso que conllevó definir y conocer la verdadera imagen del planeta que habitamos, una imagen a la que estamos acostumbrados pero que tanto esfuerzo supuso. Además, cualquier excusa es buena para adentrarse en uno de los edificios más importantes y representativo de la ciudad hispalense.

Del sofá al museo

La compleja situación actual causada por la COVID-19 ha llevado al cierre o limitación horaria de gran cantidad de lugares de ocio, arte y cultura. Ante estos cambios convulsos en la vida cotidiana, museos de todo el mundo han abierto las puertas virtuales de sus exposiciones y salas para poder seguir disfrutando del arte y la cultura desde casa. De esta manera, se puede visitar gratuitamente desde el sofá del hogar una gran cantidad de museos sin importar la ciudad en la que se esté. “La cultura es segura” y con esta iniciativa no solo conciencian y ayudan a frenar el contagio del virus sino que han roto barreras y han permitido que el público pueda conocer otras culturas y obras de arte.

Google Arts & Culture. Fuente: La Retirada Madrid

Alguno de los museos que ofrecen estas visitas virtuales, o muestran parte de su obras con datos e información de los mismos, son:

En Sevilla, el Museo de Bellas Artes, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), el Museo Arqueológico y el Museo de Artes y Costumbres Populares a través de Google Arts & Culture, invita a adentrarse en sus pasillos y obras para poder disfrutar del arte de la ciudad.

Museo de Bellas Artes de Sevilla. Fuente: El País. Paco Puentes

El 2020 ha quitado mucho, pero no ha podido con el arte y la cultura, que se extiende hacia su vertiente virtual para llenar de color los hogares, sin importar los kilómetros que separen a la gente de los museos.

Imagen destacada: Fuente: Guías Viajar. José Luis Sarralde

Te quiero. 15 años de matrimonio igualitario

El Ayuntamiento de Sevilla abre las puertas del Espacio Santa Clara para la mayor exposición de temática gay, lésbica y transexual en Andalucía.

Desde el 24 de septiembre hasta el 15 de noviembre de 2020 la exposición Te quiero. 15 años de matrimonio igualitario estará abierta al público en el Espacio Santa Clara de manera gratuita para conmemorar el décimo quinto aniversario de la legalización del matrimonio igualitario en España. Aunque debido a la situación de la COVID-19 desalojan la sala quince minutos antes de la hora indicada, se puede visitar de martes a sábado de 10 h a 14 h y 17 h a 20 h y los domingos y festivos de 10 h a 14 h.

Como hace referencia el nombre de la exposición, hace 15 años, concretamente el 30 de junio de 2005, el entonces presidente José Luis Rodríguez Zapatero y el Congreso de los Diputados aprobaron el matrimonio entre personas del mismo sexo. Pocos días después en el Código civil, el artículo 44, se podía leer que “el matrimonio tendrá los mismos requisitos y efectos cuando ambos contrayentes sean del mismo o de diferente sexo”. Todos estos cambios convirtieron a España en el tercer país del mundo en aprobar dicha ley, bautizando al país como uno de los más tolerantes, modernos y comprometidos en la lucha por la igualdad.

Esta exposición forma parte de la cuarta edición de El Festival Con Orgullo (FOC) y supone la presentación de la Colección Visible en Sevilla, cuyo comisario, Pablo Peinado, comenzó en 2004 con la intención de reivindicar el derecho al matrimonio para las parejas gays, lesbianas y trans. Con el paso de los años, la colección se ha convertido en un archivo de memoria colectiva e histórica LGTBI que pretende dar visibilidad y reconocimiento a todas las personas del colectivo.

Exposición Te quiero. 15 años de matrimonio igualitario. Fuente: Isabel Bolaños

Con la misma intencionalidad que Colección Visible, Te quiero. 15 años de matrimonio igualitario trata el amor, la afectividad, la sensualidad y la sexualidad entre personas del mismo sexo, el género, el VIH y el activismo a través de más de 170 obras (grabados, pinturas, fotografías, esculturas, carteles, texturas…), en su mayoría pertenecientes a dicha colección, de artistas locales, nacionales e internacionales, otorgando una especial importancia a todos los autores andaluces y sevillanos que han participado en el proyecto. El nombre de la exposición, por ejemplo, es debido al poema Te quiero del poeta sevillano Luis Cernuda, referente homosexual.

Luis Cernuda por Gregorio Prieto (1939). Fuente: Fundación Gregorio Prieto

La exposición está dividida en numerosas secciones:

  • Historia y antecedentes del matrimonio igualitario,
  • Amor y vida en pareja,
  • Matrimonio igualitario en España,
  • Erotismo y sexualidad,
  • Amor y redes sociales,
  • VIH,
  • Activismo y
  • Derechos, géneros y transexualidad.

De esta manera, la muestra comienza exponiendo las escasas parejas homosexuales que ha legado el pasado, entre ellas, Aquiles y Patroclo de la mitología griega; los escritores Óscar Wilde y Lord Alfred Douglas o Elisa y Marcela, una pareja lesbiana que en 1901 contrajo matrimonio y para ello Elisa tuvo que adoptar una identidad masculina falsa.

Destaca la obra Una historia verdadera, finales del S.XIX y principios del XX (Pablo Peinado y David Trullo) repleta de fotografías fake y manipuladas que muestran, respectivamente, a dos lesbianas recién casadas y a dos homosexuales con sus hijos. Así exponen una realidad que pudo ser pero, que por la opresión y LGTBIfobia, no fue. Para mostrar una realidad silenciada por tanto tiempo hay obras artísticas como Eva y Ava (Máximo, 2005) o Retrato de Pablo y Marce (Rodrigo, 2005) junto a Queremos casarnos (Leila Méndez, 2004), la portada de El País que en 2004 mostraba a la pareja nombrada.

Elisa y Marcela en la cárcel de Oporto (1901). Fuente: El Mundo

Retrato de Pablo y Marce (2005). Fuente: Antonio Pizarro. Diario de Sevilla

En la sección Amor y vida en pareja aparecen, entre muchas, fotografías como Pareja de hombres con niña (Jesús González, 2006) o Ilse Fuskova y Claudina Marek en Buenos Aires (Diana Mines, 1995); ilustraciones como Vuelta a casa o Escena en el restaurante (Quino, S/F) y litografías como Otro vacío estrechan (Roberto González Fernández, 1984). En esta sección, la naturalidad y el humor convergen acercándonos aún más a la realidad del colectivo.

Matrimonio igualitario en España cuenta con numerosas obras artísticas como la fotografía Boda de Jose e Isaac (Pepe Faraldo, S/F), pero también muestra fragmentos de noticias de diferentes medios de comunicación frente a la legalización del matrimonio igualitario, el discurso de José Luis Rodríguez Zapatero para la aprobación de esta ley y una tabla gráfica con el número de matrimonios entre personas del mismo sexo desde 2005 hasta 2018.

Erotismo y sexualidad es un grito a la libertad y diversidad sexual, al deseo y a la pasión. Con esta gran variedad de obras se pretende acabar con el control normativo. El sexo en pareja en Salvadores (Fernando Osorno, 2010) o los tríos en Menoge a trois (David Trullo, 2013), la atracción y el deseo en Hostal Chueca (Sebas Martín, 2007) se presentan en la exposición para desmitificar y eliminar los tabúes.

Exposición Te quiero. 15 años de matrimonio igualitario. Fuente: Contigo a cualquier parte

La exposición cuenta con el dibujo Pepe Espaliú (Pepe Espaliú, 1988) que recibe el nombre del autor, quien decidió romper con el tabú existente con respecto al SIDA para visibilizar y solidarizar con los enfermos.

Finalmente en Derechos, géneros y transexualidad se observa,principalmente, fotografías de matrimonios homosexuales y transexuales para manifestar su realidad. Algunas de estas obras son Gina y Joana, una pareja trans (Nuria López Torres, 2007), Erika y Jeni en su dormitorio de la Habana (Miguel Trillo, 2000) y Christine Jorgensen (Narcy Studio, S/F).

Te quiero. 15 años de matrimonio igualitario celebra y conmemora el aniversario de la legalización del matrimonio entre personas del mismo sexo con la intención de visibilizar y acercar el colectivo al resto de la sociedad, luchar contra la LGTBIfobia y crear una memoria e iconografía que represente y englobe a todo el colectivo a través del arte y la cultura.

Imagen destacada: El Correo de Andalucía

El nuevo documental sobre Audrey Hepburn tiene fecha de estreno

Audrey Hepburn. Más que un icono parte de la pasión de la actriz por el ballet desde niña con imágenes inéditas de su vida hasta los testimonios de su hijo Sean y su nieta.

Audrey Kathleen Ruston nació el 4 de mayo de 1929 en Bruselas, Bélgica. Era la hija única del inglés Joseph Victor Anthony Ruston y de la baronesa Ella Van Heemstra. Durante su infancia, tuvo la oportunidad de viajar continuamente entre Bélgica, Inglaterra y los Países Bajos por el trabajo de su padre en una compañía de seguros. Finalmente, se establecieron en los Países Bajos intentando huir de la invasión nazi, según ella esta fue “la peor etapa de su vida”. En 1935, cuando ella tenía seis años, sus padres se divorciaron y, más tarde, su padre, simpatizante nazi, las abandonó.

Primera aparición de Hepburn en Givenchy, en 1954. Ganó el premio a la mejor actriz por Vacaciones en Roma.
Foto: Pinterest: Trendencias.com

La futura actriz estudió varios años en un conservatorio en Arnhem (Países Bajos). Allí descubrió su pasión y amor por el ballet y, aunque quería llegar a ser bailarina, su mala infancia por la vivencia de la Segunda Guerra Mundial y una mala alimentación acabaron con ese sueño al dañar su cuerpo y tuvo que elegir otra vocación. “Mi sueño era ser bailarina de ballet, pero me vi sumergida en el showbusiness”. De hecho, con 15 años, hizo algunas actuaciones de ballet en Francia y declaró que “era el mejor público que he tenido; no hacía ni un solo sonido al terminar mi actuación”.

Audrey Hepburn practicando ballet clásico.
Foto: Pinterest: Mundo Bailarinístico

Su primer papel protagónico fue en 1953 como la princesa Ann en Vacaciones en Roma junto a Gregory Peck, dirigida por Willian Wyler y guionizada por Dalton Trumbo, entre otros. Esta película la llevó a ganar un Oscar, un Globo de Oro y el BAFTA a la mejor actriz.

Años después, protagonizó numerosas películas que la llevaron a lo más alto de Hollywood como Sabrina (1954), Desayuno con diamantes (1961), My fair lady (1964) o Dos en la carretera (1967). Sin embargo, el papel favorito de la intérprete era el de la hermana Lucas en Historia de una monja (1959). Conoció a la protagonista real de esta historia, tenían mucho en común, lo que le hizo reflexionar y entregarse más a las labores humanitarias.

Hepburn como la hermana Lucas en Historia de una monja en 1959. Foto: El Correo de Andalucía

Por todos los logros que la hicieron exitosa y lo que significó tal mujer para la sociedad, se hará un documental sobre Audrey, dirigido por la cineasta y música Helena Coan y producida por los productores de Churchill o McQueen, se estrena el 30 de noviembre. Además, cuenta con un primer tráiler en el que puede apreciarse la vida de la actriz desde un punto de vista íntimo y personal.

Lo más relevante de la grabación son las entrevistas de su hijo Sean Hepburn-Ferrer y su nieta Emma Ferrer sobre la faceta más personal y desconocida de la intérprete británica, al igual que las imágenes reales de Hepburn que nunca habían salido a la luz. También, es importante la bailarina Alessandra Ferri quien es la encargada de dar a conocer la dedicación de la actriz como embajadora de UNICEF.

Audrey Hepburn en una de sus colaboraciones con UNICEF.
Foto: Pinterest: House Beautiful

En esta pieza cinematográfica colaboran grandes personajes del mundo de la moda como Clara Waight Keller, la cual aportará datos sobre la etapa de Audrey como musa de Givenchy y John Loring. A su vez, también contribuyen al proyecto el coreógrafo Wayne McGregor y la bailarina Francesca Hayward.

Audrey Hepburn posando para publicitar Desayuno con diamantes, en Nueva York, en 1961. Foto: Donaldson Collection / Michael / Le Monde

Helena, la directora del documental, al lanzar un avance de la película, expresó que “la danza magnifica el panorama emocional de Audrey y aporta un mayor sentido de drama y teatro a la película, así como un rico lenguaje visual que aún no se ha utilizado en documentales”. Igualmente, la narradora que se puede escuchar en el tráiler revela que “el mayor secreto que aún no se sabe sobre Audrey, es que ella solo quería ser amada”.

Audrey Hepburn posando para publicitar Sabrina, en 1953. Foto: Bud Fraker / Twitter: @SoAudreyHepburn

La personalidad y el estilo de la actriz de Hollywood la llevaron a ser un icono de la moda y el cine del siglo XX. Tanto es así, que fue considerada como la tercera mayor leyenda femenina del cine estadounidense por American Film Institute.

Asimismo, también fue un ejemplo a seguir para todas las chicas de aquella época, incluso, a día de hoy, sigue siendo la inspiración de millones de mujeres. Por ello, este documental no sería el primero en hacer referencia a la vida de esta leyenda de Hollywood.

Se han escrito numerosas biografías sobre Hepburn, y en el año 2000, se estrenó una película sobre su vida titulada La vida de Audrey Hepburn. Esta grabación finaliza con imágenes reales de la intérprete en una de sus últimas colaboraciones con UNICEF antes de su muerte.

Heaven & Hell, ¿merece la espera?

Ava Max, la cantante pop de origen albano, ha lanzado este septiembre su primer álbum en solitario y, aún siendo muchos los que esperábamos con ansias este momento, puede que el resultado no haya cumplido las expectativas.

La artista, de 26 años, comenzó en el mundo de la composición profesionalmente en 2017 y desde entonces ha ido evolucionando y dando pasos agigantados hasta convertirse en una auténtica estrella de la música pop. Además de ser destacada por sus colaboraciones con otros artistas, también ha triunfado con sus propios éxitos en solitario.

Ava Max con unos guantes de cuero. Imagen: Last.fm

Heaven and Hell se remonta a 2018 con el single Sweet but Psycho, el tema más conocido de Ava Max y con el que ha querido presentar su nuevo disco. Como vemos, ha tardado bastante en presentarnos un proyecto que, entendemos, tenía pensado traer al mundo hace tiempo. Pero… ¿lo bueno se hace esperar?

Puede que el disco no haya sido lo que todos nos esperábamos en un principio. Y es que guardábamos expectativas muy altas por los avances y pistas que la cantante nos iba dejando con sus singles, como Kings & Queens o So I Am. Estas primeras canciones cuentan con más de 100 millones de visualizaciones cada una en las plataformas digitales. Sin embargo, el resto de canciones que nos encontramos en el álbum pueden llegar a resultarnos monótonas e, incluso, aburridas.

Heaven and Hell se compone de quince canciones divididas en dos partes: algo que carece de sentido a priori. No encontramos ninguna diferencia entre estas dos fracciones: ni en la temática, ni en el sonido, ni en la producción. La artista no nos presenta nada nuevo a lo que hemos escuchado anteriormente, sus temas pueden resultar repetitivos, y en algunos momentos se hace necesario pasar a la pieza siguiente para no entrar en un bucle pesado y tedioso.

Si esperábamos descubrir una parte más reflexiva y tierna de la artista, tendremos que seguir esperando, porque únicamente nos encontraremos con una balada en todo el disco. El amor no está dentro del repertorio de Ava, pero Naked es la excepción. La artista continúa enfocando sus composiciones a clichés sobre los problemas que tiene la sociedad en la actualidad, en especial en adolescentes. Por ello, aunque promueva un mensaje maravilloso a este colectivo, no podemos sentir que sea muy original en cuanto a contenidos, puesto que ya otros artistas han tratado estos temas.

Ava Max con una sudadera de estampado de fuego. Imagen: HAPPYFM

Pese a ello, no todo es malo en el álbum debut de la cantante. Nos encontramos con piezas que realmente nos ponen los pelos de punta y que nos sirven para motivarnos y empezar bien el día, como ‘OMG What ‘s Happening’ o ‘Who’ s Laughing Now’. En ellas, la artista nos muestra su carácter más alegre y movido. Aunque muchos comparan a Ava con Lady Gaga por este tipo de temas, lo cierto es que nuestra protagonista tiene una personalidad y estilo propios que se ven plasmados en sus canciones.

A pesar de todo, Ava Max ha creado un álbum bastante decente para tratarse de un mundo tan complicado y amplio como es el del pop. Son muchos los artistas que bailan en este escenario, y no es tarea fácil impresionar a un jurado que lo ha visto todo. Sin embargo, es indudable que la albanesa tiene al público en la palma de su mano y que todos los artistas con los que ha hecho colaboraciones están encantados de trabajar con ella. Entre ellos, destacamos a Pablo Alborán, David Guetta o Jason Derulo.

A pesar del pinchazo de Heaven & Hell, las expectativas de futuro en cuanto a la carrera musical de Ava Max siguen siendo muy altas. Nos esperan muchos discos repletos de un pop agradable de escuchar y fácil de disfrutar.