Loreto De Cózar: “lo que para algunos no tiene importancia a mí me resulta una inspiración genuina”

Sacar a flote una pequeña empresa siempre es tarea difícil. En Andalucía tenemos muchos ejemplos de personas que, con esfuerzo y dedicación, han conseguido convertir en realidad sus proyectos más personales. Hoy conoceremos un poquito mejor a Loreto De Cózar, diseñadora de la marca de joyas sevillana ŌMI Touch.
¿Cómo surgió ŌMI Touch?

ŌMI surge de las inquietudes que me provocaba el mundo del diseño, los complementos siempre me han despertado interés. Tuve una tienda en Sevilla donde vendía complementos de distintas firmas; bolsos, pendientes, zapatos, collares… y tras años trabajando para otras marcas decidí dar el salto y lanzarme al mundo del diseño propio.

Loreto De Cózar. Fuente: Instagram / ōmitouch
¿Qué te inspira

Me inspira todo, desde un cuadro a un olor, pero sobre todo los estados de ánimo, cuando estoy feliz es cuando más inspiración tengo. Me gusta fijarme en pequeños detalles y lo que para algunos es algo sin importancia a mí me puede resultar una inspiración genuina. 

¿Crees que ser andaluza te influye en los diseños? 

¡¡Por supuesto!! Desde la moda flamenca, que encaja muy bien con mis diseños, hasta la forma de vida que tenemos en el sur. El color dorado y los tamaños nada discretos, todo se asocia con la vida social. En el sur vivimos más en la calle que en casa. Ciudades como Cádiz y sus playas me dan siempre ganas de crear

Foto de flamenca con pendientes. Fuente: Instagram / ōmitouch
¿Compras e importas, o fabricas en España?

Mi firma es marca España al completo. Todo el proceso se hace en España, lo cual le da mayor calidad a las piezas. Podría abaratar si importase, pero apoyo el mercado nacional y a los pequeños empresarios

¿Qué es lo que más te gusta de diseñar joyas?

Aunque lo que más me gusta es ver el resultado final, porque soy bastante impaciente, disfruto mucho de todo el proceso creativo; en especial, de la pasión que le ponemos todos los que estamos involucrados. 

Foto de modelos ŌMI touch. Fuente: Instagram / ōmitouch
A parte del diseño de joyas, ¿qué más te une al mundo de la moda?

Empecé diseñando sombreros, ya que me especialicé en sombrerería cuando era muy joven. A día de hoy imparto clases de sombrerería en escuelas artísticas superiores de diseño desde hace 12 años.

¿Te gustaría diseñar algo diferente a los complementos?

Algunas veces me ha tentado diseñar camisas, pero realmente me gusta diseñar joyas y me gustaría diseñar más. Ideas nunca me faltan, lo malo es no tener el dinero para producirlas. Dentro de mi firma destacan los pendientes, pero me gustaría hacer más brazaletes y collares.

¿Cuál es tu mayor reto a la hora de sacar una nueva colección?

Pues primero, conseguir que se cumplan los plazos de diseño y distribución. Y, en segundo lugar, que la pieza tenga aceptación en el mercado. Yo puedo pensar que una pieza es espectacular y, sin embargo, puede ser que no les guste tanto a mis clientes. 

¿Cómo crees que se siente la gente al llevar tus diseños?

Creo que principalmente se sienten favorecidos, nuestras piezas enaltecen la belleza. Nuestro tono dorado resalta la tez del que lo lleva. 

¿Tienes algún diseño preferente? 

Me es imposible elegir. De cada colección suelo tener un preferido. Es como cuando te preguntan a qué hijo quieres más o qué dedo de la mano te cortarías. Esta última colección me decanto por los pagoda coral, los loros de colores, los rayo… 

Foto 1: Pendientes pagoda coral. Foto 2: Pendientes loro morado. Foto 3: Pendientes rayo plata. Foto 4: Aro cocodrilo. Foto 5: Pendientes Orquídea turquesa. Fuente: http://www.omitouch.com

¿Cómo crees que afecta el panorama actual al mundo de los complementos?

Mal, nos encontramos en un momento difícil. Por un lado, la economía no está pasando por su mejor racha, y los complementos son un capricho. Por el otro, las salidas son más escasas y los eventos se han reducido. 

¿Algún nuevo reto?

¡Sí! Superar la pandemia y volver a las ferias nacionales e internacionales a vender nuestras piezas. 

Vive la Diica Design Week: la semana del diseño industrial en Cádiz

La DIICAdiz, la Asociación de Diseño Industrial de Cádiz, celebrará una semana dedicada al futuro de la profesión. Desde el 1 hasta el 5 de marzo, el público podrá disfrutar de entrevistas, ponencias y cursos exclusivos impartidos por grandes referentes del diseño industrial internacional.

El equipo de estudiantes de la Universidad de Cádiz liderado por Alejandro Olmo ofrecerá una semana especial que incluirá muchas actividades: la 1ª DIICA Design Week. La temática principal del evento será el futuro del diseño industrial después de la pandemia ocasionada por la covid-19.

Durante todo el año, la DIICA realiza numerosas actividades con el objetivo de crear una comunidad de diseñadores implicados en el futuro de la profesión en Cádiz. Además de publicaciones semanales con contenido sobre diseño industrial, la DIICA también tiene planeada una serie de concursos y competiciones para interactuar y animar a los estudiantes de Ingeniería. Gracias a la financiación de la Universidad de Cádiz y a las aportaciones de los socios, la organización ofrece y apoya al colectivo de diseñadores gaditano.

Pero la DIICA Design Week no iba a ser menos. Este año, la asociación ha decidido regalarle a sus socios y colegas cinco días de formación y entretenimiento de la mano de los diseñadores más reconocidos y prestigiosos a nivel mundial. Por lo tanto, encontraremos las siguientes actividades:

  • Ponencias. Durante las cuatro sesiones, los prestigiosos diseñadores hablarán sobre el futuro del diseño industrial. Teniendo en cuenta la pandemia actual, ofrecerán previsiones y consejos a las nuevas generaciones de diseñadores a través de opiniones y anécdotas.
  • Cursos. Serán lecciones formativas sobre un programa de modelaje y diseño en 3D básico para un diseñador industrial.

Para los socios, la entrada a estas actividades es gratuita. Sin embargo, los no socios también podrán disfrutar de la formación exclusiva por un simbólico precio de 2€ para las ponencias y 5€ para el curso.

Para dar a conocer los diseñadores que protagonizarán las ponencias, el equipo de la DIICA ha preparado una serie de entrevistas audiovisuales. Estas serán publicadas en los perfiles oficiales de redes sociales de la asociación. En ellas, los diseñadores responderán a preguntas de interés para el público especializado y presentarán sus proyectos más recientes.

Con esta pionera iniciativa, la DIICA pretende mostrar la importancia social del diseño industrial. A partir del 1 de marzo, podremos disfrutar de todo lo que tiene preparado. Sin embargo, la honorable labor que lleva a cabo el equipo de estudiantes puede seguirse de cerca durante todo el año. La Universidad de Cádiz ofrece así un espacio a los estudiantes con ambiciones que pretenden construir un futuro nuevo tras esta difícil pandemia.

Toni Enríquez: “con Nouménico queremos transmitir unos valores, amor al arte”

Un proyecto innovador, creatividad, emprendimiento y trabajo duro son los ingredientes de la fórmula que da vida a Nouménico: una firma de moda nacida en el corazón de la Mancha que llega pisando fuerte. Detrás de bambalinas, entrevistamos a Toni Enríquez y Raúl Valencia, los padres de la criatura.

Toni, la parte más creativa, lleva toda su vida dedicándose a la moda. “Empecé en cuanto supe dibujar, el dibujo está muy presente en mi ADN”, asegura. Con un grado formativo de patronaje y confección cursado en Sevilla, cogió su carpeta llena de ideas y llamó a las puertas del estudio de Victorio & Lucchino. De su mano aprendió y conoció Mercedes Benz Fashion Week. Después, estudió la carrera de diseño de moda y realizó sus prácticas con la firma Devota & Lomba. Nombres como Lola Li o Sonia Olla también resuenan en su trayectoria. Tras colaboraciones vistiendo al coro y a la orquesta nacional del Teatro Real, a la Reina Letizia, o llevando sus diseños a pasarelas en Nueva York, consiguió pulirse y conocer de cerca cómo era el día a día de un diseñador. En ese momento, decidió tomar las riendas de su propia carrera.

Raúl, el lado más empresarial, es arquitecto de formación. Estudió en la Universidad Politécnica y fue becario en la biblioteca del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid. Allí pudo desarrollar todo su interés por el mundo audiovisual a través de la serie documental El arquitecto enseña su obra. Tiempo después, se ha posicionado como el responsable de content marketing para la empresa Zankyou Weddings.

Raúl Valencia y Toni Enríquez, creadores de Nouménico. Fuente: Laura Ruiz Rodríguez

Elegir Ciudad Real como sede tampoco es casualidad. El boca a boca ha sido fundamental para que Nouménico pueda hacerse un hueco en el mercado y el tamaño de la ciudad es un factor determinante. Además, es el punto neurálgico entre Madrid y Córdoba, lugares muy vinculados a ambos. Como cuenta Raúl, “no todo pasa en la capital de España. En el mundo de las provincias, para emprender, hay muchas oportunidades. Ciudad Real reúne todas las características donde montar un espacio para trabajar”.

El objetivo de emprender con un proyecto propio es lo que lleva a la creación de Nouménico. Tras este nombre con tanta sonoridad se encierra un potente significado: “es un término filosófico que describe la belleza que hay más allá de la forma física de un objeto, independiente a los sentidos. Esto se traslada a la mujer, que es bella por lo que desprende independientemente de su talla o aspecto”. En definitiva, concluye Toni, “Nouménico resalta el aura”.

Que la mujer se sienta segura y empoderada es el objetivo que persiguen con sus prendas, que ambos describen como “relajadas, divertidas y funcionales”. Para ellos, la mujer Nouménico tiene sensibilidad con lo que le rodea, inquietud por la cultura y el arte, “se siente viva”.

Con su colección cápsula Luchadoras aportan su granito de arena a la lucha contra el cáncer de mama y dan cuenta de su responsabilidad como diseñadores para hacer ver que la diferencia es bella y que “el aura no se mutila, sigue siendo la misma”.

Según Toni, Nouménico es “una declaración de intenciones, un sinónimo de singularidad. Hay todo un universo detrás”. Pretenden que cualquiera que conozca la firma por primera vez piense: “estos chicos tienen algo que decir”, y, realmente, tienen mucho.

Cualquier momento es bueno para crear, siempre están enchufados al universo Nouménico, porque al fin y al cabo “un artista no deja de ser artista en ningún momento de su vida”. Además, apunta Toni que “las ideas se cuecen en cualquier sitio. Hoy en día la inspiración sale de la calle, de las personas. Si quieres que alguien se ponga tu ropa, tienes que salir, coger una libreta y observar a la gente”.

Es innegable la conexión entre arquitectura y moda. Raúl asegura: “el patronaje es equilibrio, proporciones, cálculos… que luego se trasladan al diseño. Se parecen incluso en la función: ambas protegen de las inclemencias exteriores y dan cobijo”. Sus referencias artísticas se inspiran en la Escuela Bauhaus, Mondrian o van der Rohe, aunque no descartan que evolucionen con el paso del tiempo.

Algunos productos en el atelier de Nouménico. Fuente: Laura Ruiz Rodríguez.

El proceso de fabricación de las prendas, con las blusas femeninas como producto estrella, es puramente artesanal, desde los botones hasta la última puntada en las etiquetas. Esto supone “una continua evolución y aprendizaje para que los tiempos se hagan cada vez más rentables”. La fabricación propia de los estampados surge tras observar las limitaciones de una industria orientada hacia lo que la gente demanda. Por eso, han conseguido idear una manera de estampar completamente artesanal con calidad industrial, que permite una personalización completa para el cliente y se traduce en una gran variedad de oferta. “No contábamos con una gran inversión, pero sí teníamos una cosa que vale oro, y es el tiempo para dedicárselo”, confiesan.

Selección de blusas y pendientes Nouménico. Fuentes: Instagram Nouménico/ Instagram mariop_portrait.

De cara al futuro, pretenden que la marca crezca sin perder ni un ápice de artesanía o mimo en las prendas, y se plantean ampliar con línea de vestidos, accesorios o camisería de hombre.

Por último, y a modo de consejo para jóvenes emprendedores como ellos, señalan algunos aspectos fundamentales: “tener un concepto muy definido de lo que se quiere hacer, encontrar la manera de que llegue al público y saber cómo se traduce todo eso a números, conociendo la realidad y sabiendo que los principios siempre son duros”.

Todo esto y mucho más en su página web: NOUMÉNICO – Slow Fashion hecho en España – Nouménico (noumenico.es)

Ángela Gonzalez: “Procuro conocer el gusto de la otra persona para plasmarlo de alguna forma”

Ángela González es una estudiante sevillana que estudia Periodismo en la Universidad de Sevilla. A pesar de que siempre le ha gustado el arte, hasta ahora nunca había diseñado nada para los demás. Gracias a ella, muchas personas han podido revivir las prendas que tenían en el fondo del armario.

¿Cómo se te ocurrió la idea?

Todo fue durante el confinamiento. Una de las cosas buenas que me trajo el confinamiento fue la posibilidad de tener más tiempo libre para dedicarlo a la pintura. De modo que un día compré pintura acrílica y se me ocurrió pintar mi ropa para combatir el aburrimiento.

¿Cómo decidiste dar el paso?

Mis amigos no sabían que yo pintaba, y fue mi padre el que me propuso la idea de intentar vender mis prendas pintadas. En ese momento comencé a enseñárselo a mis amigas, que me dijeron que les gustaba mucho. De manera que comencé a subirlo por Instagram para ver la respuesta de la gente. Y el resultado fue muy positivo y decidí venderlo.

¿Cómo fue tu primer encargo?

En principio la idea inicial era vender cosas. Primero pinté una chaqueta de prueba que no usaba, y la puse en Instagram por si alguien quería comprarla y al final se la vendí a una persona de Francia por Vinted.

Diseño de chaqueta. Fuente: Ángela González

Más tarde, la gente empezó a hablarme mucho por Instagram diciéndole que me iban a pedir cosas o que me iban a dar su ropa para que se la customizara y se la devolviera después ya que el problema que suponía la chaqueta era que mucha gente no tenía mi talla o no existía posibilidad de dársela. Y al final por comodidad lo mejor fue customizar la ropa de la gente y así que puedan reutilizarla.

¿Cuánto tardas en hacer los diseños?

Camisetas y vaqueros customizados. Fuente: Ángela González

Hay a veces que a lo mejor he hecho cosas muy simples y he tardado veinte minutos y otras en las que he tardado alrededor de seis horas porque depende del diseño, la cantidad de colores que se necesite, la cantidad de capas porque cada color necesita una capa diferente ya que no cubre igual y para dar más capas hay que esperar a que se seque antes y por ello puede llevarme más tiempo.

Soy una persona muy de enfrascarme en las cosas, es decir, si me pongo a hacer algo, no me pongo límites. Esto es un problema porque si me lo tomara más como un negocio sería la peor autónoma del mundo ya que me exigiría muchísimo a mí misma. Este tipo de cosas me gustan mucho de modo que cuando me han pedido algo lo he hecho disfrutando de ello. Antes solo hacía pequeñas cosas como acuarelas o los diseños de mis tatuajes.

¿Alguna vez te has atrevido con el Tie-Dye?

Soy una persona que tiene mucha creatividad, que es algo bueno, pero que a veces cuando tengo una idea genial en mi cabeza a la hora de ponerla en práctica no queda como esperaba. De forma que el Tie-Dye en mi ropa quedó bien pero no me atrevería a hacérselo a los demás.

El Tie-Dye creo que tiene una virtud y un defecto. La virtud es que queda muy bien pero puede ser que te destroces la prenda.

Es una técnica diferente al acrílico porque en el acrílico aunque no se quite, puede ser que el dibujo se tuerza, que manches sin querer, que pintes mal una línea… sin embargo estos errores siempre puedes taparlos. El Tie-Dye es diferente, realmente es lejía y una vez hecho no hay vuelta atrás.

Elaboración de Tie-Dye . Fuente: Pinterest
¿Te han aumentado los seguidores de golpe o los que ya tenías son los que contactaron contigo?

Ha sido un poco mezcla de los dos, antes tenía alrededor de tres mil seguidores en Instagram y a raíz de customizar la ropa me han ido subiendo a casi cuatro mil. Todo esto empezó por los que ya eran amigos, conocidos o amigos de amigos.

De modo que fue una mezcla porque me empezó a hablar mucha gente que ya conocía para darme su apoyo y gente que me empezó a seguir a raíz de todo esto. Entonces, no hubo un crecimiento de golpe.

Al ser el escaparate de tu negocio el Instagram, ¿Cuidas más tu imagen ahora?

No, siempre he sido muy pasota en ese aspecto. La gente me suele decir que le gusta mi cuenta porque es muy natural puesto que siempre subo lo que quiero, hasta cualquier tontería. Además, tampoco me gustaría cambiar eso porque me gusta ser yo misma.

¿Has notado que hayas ido cambiando los diseños o que hayas ido creciendo?

Sí, ahora me he vuelto más atrevida. Yo no me considero pintora ni nada de eso, sé hasta dónde están mis capacidades. Por ejemplo, si me piden que haga un retrato familiar, sé que no lo puedo hacer.

Sin embargo, es verdad que antes a lo mejor no me arriesgaba tanto a intentar plasmar algunas cosas y ahora sí que lo he intentado, primero en mi ropa para ver qué tal. Por tanto, hay cosas en las que siento que si he cambiado.

¿Qué significa la moda para ti?

Me considero una persona con estilo propio por eso considero que no se puede clasificar en ninguna “tribu urbana” o “estilo” porque puedo ir un día vestida muy hippie u otra otro día ir más pija. Depende mucho cómo me sienta ese día aunque sí que es cierto que normalmente suelo ir más Vintage o Underground.

Muchas personas que me dan sus prendas me dicen “haz lo que tú quieras”, es decir, me piden que se lo haga con mi estilo. Por otro lado, hay gente que me dice que quiere una cosa en concreto.

Las personas que me piden que se lo haga a mi estilo, muchas veces me da apuro ya que la ropa es de otra persona y se corre el riesgo de perderla. Entonces, siempre pregunto si le gusta la idea que tengo y procuro conocer el gusto de la otra persona para plasmarlo de alguna forma. Por ejemplo, si me dice que le gusta mucho el color amarillo pues pongo más cosas con color amarillo o le gusta mucho el surf.

¿Notas diferencia entre los que te piden información y los que realmente te dicen que se lo hagas?

No exactamente, lo que sucede es que hay personas que les da apuro pedir algo si después no van a estar seguros de lo que van a encargar y por otro lado, los hay que le gusta mucho pero después el presupuesto no encaja con lo que esperaban.

Entonces, para que la gente no se sintiera muy incómoda, hice una encuesta por Instagram, siempre interactuó mucho por Instagram y también me gusta que la gente interactúe conmigo. Entonces, en Instagram puse el precio y pregunté si a la gente le parecía bien.

Mucha gente me puso que le parecía genial el precio y otras que le parecían demasiado barato porque saben lo que cuesta hacerlo a mano, el precio de los acrílicos, etc. De todas formas siempre me pueden preguntar sin ningún tipo de compromiso.

¿Te está afectando la segunda oleada de la pandemia?

Ahora que estamos en la segunda oleada se nota más porque mucha gente que me dice que quiere algún diseño, no sabe si darme la ropa. De modo que hay personas que me ha dicho que me iban a dar una prenda y al final no han podido quedar y no me han llegado a hacer el encargo. De hecho, aún tengo pendiente el pedido de una persona.

Si al final prospera todo esto, ¿piensas hacer una página web?

De momento estoy en el arranque. Ahora no me lo he planteado, pero cuando empecé y vi que tenía muy buena recepción en la encuesta de “compraríais x” y vi que mucha gente me dijo que sí. Esto me hizo mucha ilusión.

Ahora me lo tomo con calma, porque no tengo todo el tiempo que me gustaría para dedicarle. Y además últimamente no me hayan llegado muchos encargos por el tema de la pandemia. De todas formas, si prospera claro que sí, le dedicaría más tiempo y haría una página web o más bien una cuenta en Instagram dedicada exclusivamente a ello.

La magia de Pixar

¿Quién se podría olvidar de un juguete que cobra vida propia o de un robot que siente el amor como una persona humana? Toy Story o a Wall-e son algunas de las historias que han acompañado la infancia de muchos jóvenes y que les siguen trayendo recuerdos a día de hoy. Pero, pocos saben qué es lo que hay detrás de estas historias.

La animación, en los principios de los estudios de Pixar, estaba basada en encontrar el punto donde la innovación y el desarrollo científico y tecnológico se combinara con la industria de contenidos y de entretenimiento. El equipo creó un hardware con gran poder computacional capaz de crear imágenes de alta resolución al que llamaron Pixar Image Computer.

Cuando nació el proyecto con LucasFilm, la organización se llamaba Computer Graphics Division, pero cuando lo compró Steve Jobs la bautizó como Pixar. En 1991, unieron fuerzas para crear Toy Story (1995). La historia de Woddy y Buzz Lightyear se convertiría en la cinta más taquillera del año con 192 millones de dólares en Estados Unidos. Este largometraje fue revolucionario para la animación, ya que se construyó con animación CGI, donde primero se modelaba un objeto en 3D (personajes y fondos) y se le daba iluminación y movimiento desde el ordenador.

Uno de los diseñadores modificando a Buzz Lightyear. Fuente: Youtube

Tras el éxito de Toy Story, Pixar creó otras películas que tuvieron un éxito mundial como, por ejemplo, Buscando a Nemo: un padre de un pez llamado Nemo busca desesperado a su hijo junto a su compañera Dory por todo el océano. Los creadores realizaban hasta las distintas luces reflejadas de la superficie y las partículas del agua. Además, en su secuela, Buscando a Dory, se creó uno de los personajes más arduos de elaborar: el pulpo Hank. La escena en la que Dory se queda atrapada en un acuario junto a Hank tardó 2 años en hacerse. Para animar a este personaje, el estudio completo tenía que saber cómo eran los movimientos de un pulpo real y, lo más complejo de todo, cómo transmitirlo al ordenador. Para ello, tenían que saber cómo se iban a mover cada uno de los tentáculos y cómo se articulaban sus extremidades para atribuirle funciones humanas. Es decir, un pulpo no es capaz de agarrar los objetos tan fácilmente como un ser humano. Ya no solo los tentáculos, sino también la textura del pulpo y su camuflaje durante la escena llevó meses de trabajo en el estudio.

Si bien eso puede parecer poco, en el cuarto largometraje de Pixar, Monstruos S.A., se desarrollan otras características de los personajes. La trama, como ya muchos saben, gira en torno a unos monstruos que viven en una ciudad y que se ganan la vida asustando a los niños para ganar energía. Pero, lo que pocos saben es que el personaje de Sully utiliza un total de 500 deformaciones en sus expresiones. Reflejaron en él gestos humanos y se dieron cuenta de que, por ejemplo, con la sonrisa, no solo los labios se mueven, sino más partes de los rasgos faciales. De tal manera que, cuidadosamente, cambian la posición, la forma y los miembros del gesto de cada deformación.

Seis de las 500 deformaciones de Sully. Fuente: Youtube

Por otro lado, la belleza de las animaciones de Pixar no parte solo de sus historias, sino también de los detalles que pasan desapercibidos. Wall-e (2008) cuenta la historia de un robot que se enamora en un mundo inhabitable para los humanos. Ante unas circunstancias catastróficas, Wall-e encuentra a Eva y, por primera vez en la animación, vemos cómo un robot posee sentimientos humanos. Las lentes de Wall-e o binoculares eran el único dispositivo con el que Wall-e se podía expresar. De tal forma que, combinando las lentes de una cámara digital junto con una línea de luz entre ellas consiguen, finalmente, que se asemeje a un ojo humano. Por lo tanto, hace sentir al espectador que Wall-e tal vez es más humano que una persona real.

Wall-e y sus binoculares. Fuente: Fotograma

Aunque, como todo, siempre hay algo que falla. Pixar ha recibido críticas por algunas de sus entregas, sobre todo, por la película de Cars y Cars 2. Cars, según varios críticos, tuvo una animación y una historia aceptable, pero bajó el listón respecto a Toy Story. Cars 2, según críticos de Espinof, era una película únicamente realizada para aprovechar lo popular que era el merchandising de la primera parte. Para algunos, sin embargo, la unión de Disney y Pixar en películas como Brave es un sinónimo de calidad de animación y profundidad en las tramas.

Brave nos trae a una adolescente escocesa arquera que se declara en rebeldía con la vida y las decisiones que sus padres planearon al nacer. Desmontando todos los tópicos, Pixar pone como eje central la princesa (punto de encuentro con Disney), pero sin un príncipe azul. Y sí, en efecto, Mérida también esconde un secreto: su desordenada melena. Para hacer cada uno de los mechones rizados, decidieron compararlos con la elasticidad de un muelle. Sin embargo, la naturalidad del pelo rizado no se consigue de la noche a la mañana: tenían que estudiar cómo se comportaba el pelo rizado en determinadas circunstancias y la estructura del mismo.

A pesar de que Disney y Pixar intentan crear una línea divisoria entre las cintas lo cierto es que los temas que tocan se parecen mucho, por ello, Pixar ha sido criticado en varias ocasiones. Sin embargo, los clásicos seguirán suponiendo grandes innovaciones en la animación y guardarán un hueco en las mentes de los espectadores.

La moda flamenca se apaga

Una de las pancartas de la manifestación. Imagen: María Ruiz.

Así abría la manifestación organizada por Lunaroff, un movimiento que reivindica la situación del sector de la moda flamenca.

El pasado 28 de octubre se ha celebrado en Sevilla una manifestación organizada por Lunaroff, un movimiento que ha surgido a raíz de las consecuencias traídas por la actual pandemia en el sector de la moda flamenca. Bajo el lema “no pedimos ferias, pedimos soluciones”, el sector se ha reunido para pedir, de forma pacífica, algún tipo de solución a las Administraciones Públicas, Ayuntamiento o Junta de Andalucía frente a la situación tan extrema que se está viviendo. Los asistentes a la manifestación se han vestido de luto, flamencas con vestidos negros han recorrido el centro de Sevilla para mostrar que el sector está en un momento crítico. 

Flamencas de luto. Imagen: María Ruiz.

 “Lo que queremos es una pequeña solución en algo. No hay ferias, perfecto, pero es un sector muy crítico que está dependiendo de una fiesta, de una feria, de una romería… y si no lo hay, es un sector que está muerto. Llevamos desde marzo sin ingresos apenas. Entonces pedimos al Ayuntamiento, a la Junta algo específico para la moda flamenca: una ayuda, una rebaja fiscal… por lo menos para poder mantenernos en este año que viene, porque sabemos que la cosa va a estar más o menos igual.”

Juan José Bernal.

Juan José Bernal, uno de los diseñadores de las 3 firmas creadoras del movimiento  (Javier García, José Galván y Pablo Retamero & Juanjo Bernal) , nos ha dejado claro cuál es el objetivo que persiguen. Más de 600 empresas, entre diseñadores, proveedores de tejidos, zapateros, organizadores de eventos, etc. penden ahora mismo de un hilo, y no ven luz al final del túnel, ya que dependen de unas ferias que no se celebran, y no parece que vayan a celebrarse en mucho tiempo. La suspensión de las ferias a supuesto una pérdida del 100% de los ingresos que podían tener estos negocios, y por consiguiente numerosas empresas se verán obligadas a cerrar si no mejora la situación. 

Desde la organización de Lunaroff se ha redactado un manifiesto en el que exponen de forma concisa cuales serían las reformas fiscales y ayudas necesarias para poder mantener a flote el sector, entre ellos, incluirse en el ámbito de actividad de Cultura, lo que supondría una rebaja del 10% en el IVA.

La manifestación, que ha comenzado a las 12:00 h frente al Ayuntamiento y ha seguido su recorrido hasta el Palacio de San Telmo; ha respetado en todo momento las medidas de seguridad necesarias. Según nos han asegurado desde la organización, ha sido muy complicado organizar a un número de personas tan elevado teniendo en cuenta que han asistido diseñadores de toda Andalucía, se han unido personas afines al sector, ciudadanos… y que se les han puesto muchas pegas, sobre todo desde las autoridades policiales.

José Galván, de la firma José Galvan, leyendo el manifiesto presentado a las autoridades. Imagen: María Ruiz.

Tampoco se esperaban el apoyo que ha tenido la manifestación según nos ha afirmado la diseñadora Ángeles Verano: Cuando llegué todavía no era la hora y habíamos poquísima gente y empecé a pensar que no iba a haber convocatoria. Pero no hay más que ver el recorrido de gente que hay. Estoy muy contenta de que no solo nos esté apoyando la gente que nos dedicamos al sector de la moda flamenca sino de otros sectores e incluso ciudadanos que vamos caminando y nos van apoyando totalmente todo el rato; así que estoy muy contenta de la convocatoria. 

Manifestantes en el recorrido entre Plaza Nueva y el Palacio San Telmo. Imagen: María Ruiz.

El apoyo que está recibiendo Lunaroff desde sus comienzos es muy sólido, ya que otros sectores a los que está ligado el movimiento también han querido mostrar su compromiso, como nos aseguró Ana Belén Morillo, Directora de la agencia ABM, una de las organizadoras principales de eventos de moda flamenca: Ahora mismo lo que estamos intentando es apoyar a todos los diseñadores, darle la mayor visibilidad posible dentro de nuestras plataformas; que realmente lo que nosotros hacemos en Jerez siempre ha tenido ese objetivo, dar esa visibilidad y dar ese trampolín a los nuevos, a los jóvenes y los que ya están consagrados en un sitio verdaderamente importante para poder presentar sus colecciones de moda flamenca. Estamos apoyándolos en todo momento, intentando ver de qué manera podemos ayudarles a generar más ingresos, al menos para que se puedan mantener dentro de sus tiendas, la cuota de autónomos, que la mayoría están pagando; los locales, los alquileres, los tejidos… En fin han perdido una colección de un año 2020 y vamos a por un año 2021, no es una parada de un año, es una parada de dos años y eso es muy difícil de soportar.

Podéis encontrar toda la información en el perfil de Instagram del movimiento @andalucia.lunaroff y también con el hashtag #lunaroff. 

Un dibuj-antes y un después

Innovar o morir. Así titula el empresario Enrique Morales uno de sus libros. Según la Real Academia Española, la definición de innovar es “mudar o alterar algo, introduciendo novedades”. Toda técnica evoluciona y en el caso del dibujo, este cambio va acompañado de nuevas tecnologías como la tableta gráfica. En los últimos años, esta se ha convertido en la herramienta imprescindible para todo dibujante e ilustrador. Dibujar a mano o usar el ratón del ordenador ya no son las opciones óptimas para el mundo tecnológico actual. Estas variaciones en su uso han incrementado los gastos para los dibujantes, pero ¿es realmente rentable dicha inversión? Para saberlo habría que profundizar en el mundo de este invento.

Aunque se trate de un objeto coetáneo, la primera tableta gráfica similar a las que se conocen hoy en día fue la Stylator, que data del 1957. Pocos años después, en 1965, nace la RAND, aún más cercana a las actuales con un PAD (panel táctil) y un Stylus (lápiz). Sin embargo, no es hasta 1983 cuando las tabletas se incorporan a la vida doméstica con la KoalaPad. A partir de este momento, el desarrollo y la mejora de dichas herramientas han llevado a las avanzadas tabletas gráficas actuales.

Tableta KoalaPad. Fuente: cipsa.net, Marc Poncelas

Entre una gran variedad de tabletas, se pueden clasificar en tres grupos:

  • las tabletas gráficas digitalizadoras,
  • las tabletas con monitor incorporado
  • y las tabletas portátiles.
Tipos de tabletas gráficas (según nombradas). Fuente: David Sheep

Aunque hay diferencias entre ellas, todas proporcionan unas ventajas. Al principio, el diseño digital implicaba el uso del ratón y por tanto su aprendizaje, un trabajo que requería de años de práctica para obtener un buen resultado. Actualmente, se ha agilizado el proceso, pues se mantienen los elementos tradicionales y propios del dibujo: una base en la que crear y un lápiz para hacerlo, haciendo que la adaptación para el artista sea rápida y sencilla. Además, las tabletas permiten una mayor precisión, pues plasman al detalle los trazos del stylus, que al ser sensible a la presión, controla el grosor y la opacidad del trazado.

También, algunos lápices se han complementado con un botón borrador que funciona como una goma, aunque de una manera más precisa, limpia y clara. De esta manera se obtiene un mejor resultado final. Por otra parte, el uso de las tabletas junto a los diferentes programas de diseño digital permite el empleo instantáneo de una gran variedad de colores, coloreados, formas y trazados entre muchas otras herramientas. Con las tabletas se logran diseños más complejos a mayor velocidad y una presentación de los mismos más atractiva. Aun así, la tableta gráfica no se limita a estas funciones, también permite realizar las funciones básicas que haría un ratón de ordenador: apuntar, arrastrar y clickear.

Para la elección de las tabletas hay que tener en cuenta el precio de cada una de ellas, que suele incrementar a medida que aumentan las funciones, avances y facilidades que integran. Por lo general, las tabletas portátiles son las más caras, seguidas de las tabletas con monitor integrado y finalmente las digitalizadoras.

Las primeras son, grosso modo, ordenadores con pantallas que permiten dibujar directamente sobre estas con el lápiz digital y sin necesidad de conectarla a otro equipo, es decir, sin cables, lo que permite una libre movilidad. Sin embargo, junto al elevado precio, presenta una batería no tan duradera y una menor visibilidad por la posición de la mano al realizar los dibujos.

Las segundas incorporan el monitor, que es compatible con el lápiz, permitiendo asimismo realizar las funciones básicas nombradas anteriormente. También la adaptación a esta tableta es más sencilla. No obstante, necesita más cables que ninguna otra y posee, como la anterior, una menor visibilidad por la posición manual, a pesar de que el espacio de trabajo es más amplio.

En cuanto a las digitalizadoras, los movimientos que realizamos en la tableta se representan en la pantalla del ordenador, lo que posibilita una mejor visibilidad y solo se emplea un cable USB. Aún así, es más difícil adaptarse ya que tenemos que coordinar las manos y los ojos entre la tableta y la pantalla del ordenador.

Por lo tanto, a la hora de seleccionar no se toma únicamente como referencia el precio, sino que hay que tener en cuenta otros elementos como la compatibilidad con el PC al que se conecta, el área de dibujo, las dimensiones y el peso de la tableta, los conectores y especificaciones del ordenador, el tamaño y resolución de la pantalla, y la sensibilidad del lápiz digital a la presión. Se aconseja que este último no tenga un nivel de sensibilidad inferior a 1024.

Para estimar los precios medios de las tabletas y conocer la situación económica actual en la que se encuentran, se pueden tomar como referencia las cinco tabletas más relevantes de dos grandes empresas a nivel nacional y dos multinacionales. Entre las principales tiendas españolas para compras tecnológicas destacan PC Componentes y El Corte Inglés.

En la primera, los precios oscilan entre 399€ y 55,16€ y un precio medio de 195,43€, y en la segunda, los precios se encuentran entre 379€ y 79,90€ y una media de 191,72€. En cuanto a las multinacionales, destacan en la compra online Amazon y AliExpress. En Amazon el precio medio disminuye notablemente con respecto a las anteriores, 60,57€, siendo el precio más bajo 33,99€ y el más alto 79,90€. Finalmente, en AliExpress la más barata cuesta 26,39€ y la más cara 357,89€, obteniendo como precio medio la cantidad de 112,74€. Aunque se produce una diferencia monetaria entre las diferentes tiendas, en todas predomina la presencia de una misma marca: Wacom, empresa japonesa líder en el comercio de tabletas gráficas. Esta cuenta con el modelo Wacom Intuos que se recomienda para principiantes en el dibujo digital. Otros modelos para primerizos perteneciente a otras empresas serían la Ugee M708, la Huion Inspiroy H430P o la Huion Inspiroy Q11K V2.

Hoy por hoy existe una gran variedad de precios dependiendo del uso y las funciones que busquemos en ellas, por lo que es importante tener en cuenta qué características deben incluir, asumiendo que estas abaratarán o encarecerán el coste final. Como podemos observar, el rango de precios es grande, en consecuencia, cuenta con productos asequible para una mayor cantidad de personas.

Tableta gráfica. Fuente: La tribuna del País Vasco

Llegados a este punto, habría que preguntarse lo siguiente: ¿son las tabletas gráficas rentables a pesar de su precio? La respuesta es sí. No solo facilitan el proceso de creación del artista y proporcionan una gran variedad de funciones, sino que los precios no son exclusivamente altos y, en el caso de serlos, la calidad, fiabilidad y durabilidad que proporcionan estas herramientas lo compensan.

Las tabletas gráficas introducen en el diseño digital como el futuro del dibujo, y aunque la técnica manual sigue funcionando, los tiempos corren y la tecnología avanza ofreciendo más facilidades, instantaneidad y una gran cantidad de posibilidades artísticas que de otro modo sería difícil de lograr.

Imagen destacada. Fuente: J.Luis Torres