Lejos conmigo, el nuevo single de Alejandro Sanz junto a Greeicy

Lejos Conmigo sale hoy a la luz. Colombia y España han decidido unirse a través de las voces de Greeicy Rendón y Alejandro Sanz para lanzar una canción que se sube al carro de un verano repleto de música

“¿Con quién os gustaría que fuera mi próxima colaboración?”, preguntaba Alejandro Sanz hace justo una semana a sus casi 6 millones de seguidores en Instagram. Al mismo tiempo Greeicy alimentaba el misterio en su perfil: “No puedo explicarles mi emoción… ¿A quién creen que tengo al lado?”

Poco tiempo más tarde cada uno publicaba un pequeño avance del videoclip posteando por separado “Lejos” y “Conmigo”.

La respuesta tardó en llegar apenas 4 días. Lejos conmigo era el título de la nueva colaboración. Alejandro Sanz terminaba de desvelar: “Todo pasa por algo, todo tiene su momento. Y este es el nuestro. Gracias por hacerme parte de tu sueño. Este viernes, lejos pero contigo mi querida Greeicy”. Una Greeicy que con este single ha conseguido cantar junto a uno de sus ídolos de la infancia.

Portada Lejos Conmigo. Fuente: Spotify

Greeicy Rendón es una artista colombiana de 28 años. Además de como cantante, también ha trabajado como actriz en series y programas de televisión de su país, y ha colaborado también con grandes artistas del pop español en anteriores ocasiones, por ejemplo, con David Bisbal en Perdón el pasado 2020.

Alejandro Sanz no necesita presentación. Apareció por primera vez en el mundo de la música a finales de los años 80 con el nombre de Alejandro Magno, aunque sin alcanzar grandes resultados. Tiempo después, con su primer álbum, Viviendo deprisa, consiguió convertirse en un verdadero fenómeno de masas. A día de hoy es uno de los grandes referentes de la música española e incluso internacional, que lleva cosechando éxitos durante más de 30 años de carrera.

Con todo este background a las espaldas, Lejos conmigo solo podía ser un éxito. Combina una letra delicada y sencilla, con un videoclip que narra una historia de amor, una declaración de intenciones, en la que la propia Greeicy es la protagonista.

Además, incluye fuertes toques latinos con los que la artista se siente como en casa, pero que también le resultan especialmente familiares a Alejandro Sanz tras haber demostrado desenvolverse en ellos como pez en el agua años atrás, en La tortura, con la cantante también colombiana, Shakira. Tampoco pasan desapercibidos algunos rasgos más flamencos, que aparecen tanto en parte del vestuario como en la coreografía.

El resultado de esta inesperada mezcla se traduce en un merecido puesto número 3 en tendencias en YouTube, alcanzado en tan solo unas horas tras el lanzamiento y que promete escucharse por todo lo alto durante la recta final de este verano.

¿A dónde vamos? El nuevo disco de Morat

“La realidad es que no sabemos muy bien a dónde vamos, pero sabemos que recorriendo el camino las respuestas van llegando. No tenemos un mapa, pero es que lo divertido es perderse un poquito, y mejor aún, llevarlos a ustedes con nosotros. ¿A dónde vamos?”

Esta es la carta de presentación que hacía el conocido grupo de música colombiano, Morat, de su nuevo disco, ¿A dónde vamos? El tercero tras Sobre el amor y sus efectos secundarios y Balas Perdidas. Bajo el sello de Universal Music Spain, ha visto la luz este 16 de julio.

El álbum se ha hecho de rogar para sus fans que esperaban nuevos proyectos desde 2018. Además, para elevar el nivel de intriga que ha rodeado al disco durante todo este tiempo, la banda ha utilizado sus redes sociales al más puro estilo Cluedo. A través de pequeñas pistas, imágenes con mensajes ocultos, títulos de canciones o pinceladas del disco en sus cuentas de Instagram, Twitter o YouTube proponían un juego en forma de enigma. Sus seguidores debían averiguar qué iban a poder encontrar a partir del día 16 en ¿A dónde vamos?, resolviendo cada caso en su página web oficial. Los propios Morat confesaban: “¿A dónde vamos? es todo un enigma. Si quieren acompañarnos necesitan estar pendientes estos días de nuestras redes sociales”.

El disco se compone de 14 canciones en total con un estilo muy pop, con letras que tratan “el amor y el desamor a partes iguales”. Entre ellas se encuentran grandes colaboraciones como las de Danna Paola, Cami o Sebastian Yatra. Además, muchas de las canciones cuentan con su propio videoclip, cada uno con una estética, e incluso gama cromática, propia y particular.

A dónde vamos se estrenó hace un año y es la canción que da nombre al disco. Cuenta con el ya inconfundible estilo Morat que cualquiera podría reconocer al escucharlo. Al aire y No termino siguen en esta misma línea. La primera, con un videoclip que representa el proceso de composición y grabación del tema; y la segunda, con tintes de balada a los que se suma también Primeras veces.

En un plano un poco más lento o dulce, aunque sin perder el sonido inconfundible de todas sus canciones, se encuentran De cero, que bien podría ser el ejemplo de “canción bonita” del disco, Enamórate de alguien más y Date la vuelta. Mi pesadilla, en colaboración con Andrés Cepeda también puede enmarcarse en este grupo, sin artificios musicales, con las voces acompañadas únicamente de un piano.

En coma tiene puntos en común con este conjunto de baladas, pero añade un toque más pop – rock.

Colaboraciones con Cami, Danna Paola y Sebastian Yatra. Fuente: YouTube/ El Espectador/ Artistas Valientes

No hay más que hablar es uno de los ejemplos de canción de desamor del álbum, pero musical y rítmicamente tratada desde un lugar amable y luminoso. A la par se encuentra Nunca te olvidé con un videoclip montado a través de vídeos breves enviados por sus fans. Simplemente pasan, con Cami, cuenta con el mismo enfoque, pero desde la perspectiva del amor.

Idiota es la esperada colaboración con Danna Paola. Casan a la perfección: ella se encarga de aportar el toque más latino y ellos el de banda de pop.

Bajo la mesa, con Sebastian Yatra, es la encargada de cerrar el repaso a todas las canciones del disco, con un videoclip animado por ilustraciones inspiradas en grandes obras de la historia del arte.

Partes del videoclip de Bajo la Mesa. Fuente: Formulaentretenimiento/ Minuto30/ The Script/ YouTube

Además, el proyecto cuenta con su propia gira de conciertos. Morat estará con ¿A dónde vamos? Tour en España desde el 30 de julio hasta el 18 de septiembre y con ¿A dónde vamos? USA Tour empezando el 29 de septiembre en Los Ángeles y cerrando el 24 de octubre en Miami.

Conciertos Morat. Fuente: El Corte Inglés

Con este nuevo trabajo musical que ha llegado para convertirse en un buen compañero de viaje durante el verano, el grupo ha demostrado una vez más algo que viene cumpliéndose estreno tras estreno; ¿A dónde vamos? Está claro, a donde Morat quiera llevarnos.

Cruella (2021): El diablo viste de dálmata

Siguiendo la moda de adaptar los clásicos animados de Disney a acción real, así como la estela de películas protagonizadas por villanos «humanizados» (Joker, Venom, Aves de Presa), nos llega esta precuela sobre la perversa diva de la moda; protagonizada (y producida) por Emma Stone y dirigida por Craig Gillespie (Yo, Tonya). Pero, ¿está a la altura de las expectativas? ¿Es el mejor live-action de Disney? ¿O es sólo otro refrito carente de personalidad?
Breve tráiler en español de Cruella.

La historia nos sitúa en Londres de principios de los 70, en plena eclosión de la contracultura punk. Stella (Emma Stone), una joven huérfana que se ha criado entre golfos y rateros, trabaja como limpiadora en unos grandes almacenes regentados por la clase pudiente. Un día, con un performativo acto de rebeldía y creatividad, la muchacha consigue llamar la atención de la Baronesa Von Hellman (Emma Thompson), quien vive por y para la industria de la moda. Así, ante el potencial de Stella, la aristócrata la contrata como modista para su pujante empresa. Pero, poco a poco, Stella comenzará a conectar el pasado de ambas, despertando así a su personalidad más pérfida, vengativa y alocada: Cruella.

En primer lugar, contar el origen de un personaje más que asentado en el imaginario popular (y más de un villano) nunca es sencillo, ya se explicaba en un especial de Todopoderosos dedicado a los villanos. No obstante, tal y como lo ve este humilde espectador, hay dos posibles formas de abordar el origen de un malvado: convertirlo en un alma cándida e incomprendida o mostrarnos una nueva perspectiva/faceta del personaje. Una que nos permita entender, que no compartir, su devenir maligno.

Me alegra confirmar que, aunque muestre ciertos destellos de lo primero, tal y como pasaba en Maléfica (Stromberg, 2014) o en Venom (Fleischer, 2018), tiene más en común con Joker (Phillips, 2019) que con las anteriormente citadas.

Stella (Emma Stone), el «dulce» alter ego de Cruella. Fotograma de la película.

Si bien es cierto que Cruella en esta película es convertida en un icono punk, en una macarra que causa problemas y destrucción allá donde vaya, dista mucho de ser un personaje heroico y positivo. Por un lado, se ve motivada por la venganza, y por otro, se la muestra como un personaje inestable, peligroso, egocéntrico, intimidante y que abraza su lado más perverso. Esto queda patente en varias escenas, tanto en líneas de diálogo como visualmente.

Por tanto, aunque se atribuya la maldad de la diseñadora a un pasado conflictivo y se busque la empatía del espectador, la cinta en ningún momento aboga por convertirla en una heroína, convirtiéndola en algo más interesante y arriesgado que el blanqueamiento perpetrado sobre la maestra del mal (Maléfica) o la némesis de Spider-Man (Venom) en sus respectivos abordajes cinematográficos.

A estas alturas de la película, decir que Emma Stone es un portento es quedarse muy corto. Desde su protagonismo en La La Land (Chazelle, 2017), Criadas y señoras (Taylor, 2011) o La favorita (Lanthimos, 2018), pasando por roles más secundarios pero memorables como Bienvenidos a Zombieland (Fleischer, 2009), Crazy, Stupid, Love (Ficarra & Requa, 2011) o The Amazing Spider-Man (Webb, 2012), resulta imposible negar que es una intérprete brillante y con multitud de registros.

Cruella urdiendo un malévolo plan. Fotograma de la película.

Precisamente, la dirección de Gillespie saca partido a la versatilidad de Stone, exponiéndola a diversas situaciones y escenarios en los que da rienda suelta a sus matices como actriz. El ejemplo más evidente de esto es una escena concreta que no destriparé, pero que ocurre justo en la transición del segundo al tercer acto y que implica un monólogo de Stone. Un soliloquio que el director, inteligentemente, optó por rodar en un solo plano (cámara en mano) y sin cortes. Efectivamente, esa escena fue la que consiguió afianzar mi opinión positiva respecto a la película, puesto que habla de la naturaleza trágica del personaje, y a la vez, de la exaltación de su maldad.

La Baronesa (Emma Thompson), la rival e igual de Cruella. Fuente: asthebunnyhops.com

Por supuesto, la otra gran reina de la función es Emma Thompson. Parece una tontería muy obvia, pero si el guion y la dirección no plasmasen ni explotasen bien la dinámica entre La Baronesa y Cruella, la película se derrumbaría sobre sus propios cimientos. Aún así, resulta un comentario significativo, porque no son pocas las ocasiones en las que una película con dos titanes interpretativos desaprovecha el talento delante de la cámara. Sin salirme de la factoría Disney, como ejemplos ilustrativos me vienen a la mente las dos películas de Alicia protagonizadas por Mia Wasikowska, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter y Johnny Depp.

La Baronesa puede recordar a personajes como la temible Miranda Priestly (Meryl Streep) de El diablo viste de Prada (Frankel, 2006), pero con la elegancia, el carisma y la flema británica que sólo una actriz del calibre de Thompson podría aportar. Curiosamente, cuando cierto giro se revela a mitad del metraje, la actitud de su estirada y maquiavélica aristócrata cobra toda una nueva dimensión de significado. Por tratar de desvelar lo menos posible, que Cruella la tome como referente pero también como enemiga personal tiene muchísimo sentido. Ya saben lo que se dice: «Los polos iguales se repelen»

No obstante, Cruella cuenta con un reparto de secundarios que, pese a quedar opacados por la justa interpretativa de las dos Emmas, no desentonan en lo absoluto ni carecen de presencia. A destacar, el siempre solvente Mark Strong (Kingsman, Sherlock Holmes, ¡Shazam! ) y Joel Fry (Yesterday), quien consigue añadir un matiz de sensatez al personaje de Gaspar, sin hacerlo menos granuja o cómplice de las tretas de Cruella. Mención especial a Paul Walter Hauser (Richard Jewell) como el bobo y torpe Horacio, que encantará tanto a niños como adultos.

Cruella junto a sus míticos compinches: Gaspar (Joel Fry) y Horacio (Paul Walter Hauser). Fuente: Hipertextual.

Obviamente, era de esperar que un filme con trasfondo en el mundo de la moda ostentase un vestuario espectacular. Aún así, recalcarlo no resulta redundante ni baladí, puesto que el diseño de vestuario de Jenny Beavan (Mad Max: Furia en la carretera) y Tom Davies (La invención de Hugo, Batman v Superman), así como todos los aspectos del diseño de producción (ambientación de época, decorados, maquillaje, etc) merecen ser reconocidos por su apabullante trabajo.

A destacar, las numerosas performance y escándalos públicos que perpetra Cruella, en los que se exhibe un fondo de armario tan excéntrico como creativo.

Cruella orquestando una de sus muchas performance. Fuente: traveler.es

Por otra parte, considero que ésta es la primera película live-action de Disney dirigida con cierta impronta personal y cariño. Porque, ¿qué tenía Dumbo, más allá de los créditos, que nos recordase a Tim Burton? ¿Y su Alicia? Lo mismo se puede aplicar al Aladdín de Guy Ritchie o a la Cenicienta de Kenneth Branagh. Y, como se plantee un análisis de El rey león de Jon Favreau o La bella y la bestia de Bill Condon, necesitaría quinientos párrafos…

En cualquier caso, el director de la fantástica y perversa Yo, Tonya (en la que se perciben varios paralelismos narrativos con ésta) demuestra su energía y talento detrás de la cámara en numerosas secuencias. Por ejemplo, las persecuciones de vehículos que parecen sacadas de una crook story (películas protagonizadas por criminales), un plano secuencia muy concreto que acontece en el interior de un edificio (y que recuerda a algo propio de Scorsese) o el ya comentado monólogo en el parque, donde el recurso de «cámara agitada» no molesta, sino que transmite emociones acordes a lo que siente el personaje. Desde luego, este filme tiene varios planos para el recuerdo; imágenes que saltan de la pantalla y llamarán la atención de incluso el más despistado de los espectadores. Y eso es más de lo que se puede decir de la servicial e impersonal realización de varias de las anteriores reiteraciones en carne y hueso…

Cruella posando grácilmente. Fotograma de la película.

Además, Cruella cuenta con un soundtrack que, si bien sólo se compone de los temas más conocidos de ciertos artistas, no deja de ser una gozada para los oídos. Con la excusa de ambientarse en el Londres de los años 70, el montaje juega con una retahíla de canciones asociadas a los artistas de esa primera ola del punk. Así, los amantes del punk rock (y de la música disco) se alegrarán de saber que la BSO cuenta con nombres tan conocidos como Queen, Blondie, The Clash, Supertramp, los Rolling Stones, the Doors, Electric Light Orchestra (ELO) o los Bee-Gees, por nombrar unos cuantos. Incluso deja espacio para temas más relajados, como Feeling Good de Nina Simone o dos canciones de Ike & Tina Turner. Y por supuesto, conviene mentar los créditos animados finales, donde se escucha la canción Call me Cruella, compuesta e interpretada por Florence + The Machine, que sirve como acompañamiento al deleite visual.

No obstante, pese a que la música es una fortaleza de la película, en ciertos momentos se convierte también en una debilidad. Conviene resaltar que no resulta en un problema de «música marcando el compás de las imágenes», puesto que anteriormente se ha mencionado el despliegue visual que el director y el equipo artístico-técnico importan. Más bien, se trata de un problema de montaje.

Llega un punto, en el que el uso de canciones populares termina saturando. Hay tramos de la película en los que comienza una canción, suena durante aproximadamente un minuto y, acto seguido, comienza a sonar OTRA. Nunca llega a resultar molesto, pero sí bastante reiterativo y ligeramente formulaico, hasta el punto de que apenas hay momentos pausados o contemplativos.

Cruella codeándose con la flor y nata londinense. Fotograma de la película.

Por comentar el otro aspecto negativo resaltable, y el que me impide darle cuatro estrellas o más (como inicialmente pensaba), considero que el tercer acto es una tremenda «bajada de pantalones». Si bien los dos primeros tercios planteaban el origen de una villana ególatra y obsesionada con la moda, el final se convierte en una venganza a medio cocer. Si la película fuese consecuente con lo sembrado previamente, el clímax culminaría de una forma mucho más siniestra y turbia. Para ser claros, es como si Joker/Arthur Fleck no perpetrase sus terribles actos en el desenlace de Joker (Phillips, 2019).

Claro, uno se para a pensar, y se percata de que está ante el Disney de 2021, no el de los años 40 o, tan siquiera, el de los 90. Y el problema es que, durante los dos primeros tramos, el tono consigue engañarte: los personajes tienen un humor muy ácido y negro, hay situaciones de crueldad y maldad por parte de las dos Emmas que se plantean de forma cómica, se exploran tropos comunes del Disney clásico (como los pecados del progenitor o la orfandad), hay ramalazos de Charles Dickens (sobre todo durante el primer acto) y de películas de atracos… Por hacer un spoiler menor, ¡incluso un personaje se emborracha! ¡¿Cuánto tiempo hacía que no ocurría algo así en un producto Disney?!

Cruella exhibiendo uno de sus llamativos vestidos. Fotograma de la película.

Precisamente, la película tiene una calificación de «No recomendada para menores de 12 años». Aún así, la sala estaba a rebosar de niños y esto no me parece desafortunado ni desacertado. Primero, porque ya va siendo hora de que la generación actual de niños se exponga a algo más oscuro que la media de ficciones que consumen. Y segundo, porque la película no tiene ningún elemento como para traumatizar o asustar. Quizás cause una impresión muy grande a niños muy muy pequeños, pero cualquier crío de más de siete años se lo pasará en grande con esta Cruella.

En cualquier caso, esa forma de recular en el desenlace con respecto a la motivación de Cruella, no deja de ser una estrategia para mantener la simpatía del espectador hacia el personaje. Insisto, el personaje nunca se plantea como alguien bueno o moralista, sino como alguien que se venga de una persona horrible por métodos destructivos y motivados por puro ego. Pero, teniendo una calificación como la que ostenta, podía haber dado «un paso más allá».

Cruella, sonriente y elegante. Fotograma de la película.

A pesar de ese ligero declive en su último tramo, estamos ante una película sólida, por momentos, visualmente hipnótica, y con un ritmo trepidante. Jamás aburre, divertirá a toda la familia y tiene como atracción principal a dos monstruos de la actuación. Es un origen interesante para el personaje (si bien, nadie lo había pedido) y, por lo menos, no es una copia plano por plano de una cinta animada.

Al final, no deja de ser una historia de ascenso al poder, con todas las connotaciones maquiavélicas que ello implica; por lo que me cuesta compartir el argumento de Cruella resignificada como «heroína» o «buena». Tampoco la percibo como un blanqueamiento/enaltecimiento de la villana, sino como una reconfiguración de la original, un intento de mostrarnos su punto de vista y pasado, así como su inestable mentalidad, antes de los acontecimientos de 101 Dálmatas.

Justamente, una simpática escena postcréditos sienta las bases para una futura adaptación del filme animado. Atendiendo a lo construido en Cruella, no sería necesariamente una copia idéntica de la animada ni de la Glenn Close, sino que podría tener su propia identidad, sin dejar de rendir tributo. En caso de dar luz verde a dicha secuela, y si se mantiene a Emma Stone y Craig Gillespie como figuras implicadas en el proyecto, «El Ratón» contará con mi entrada.

Breve tráiler con una canción de Florence + The Machine, un tema compuesto para la película. Fuente: YouTube.

Valoración de la película

Puntuación: 3.5 de 5.

El mejor live-action de Disney hasta la fecha. Los dos primeros actos son divertidos, llenos de imágenes vibrantes y una música atrapante. Si bien el último tercio se torna como algo más previsible, las fantásticas interpretaciones de las dos actrices principales te mantienen al borde del asiento.

Se agradece su tono más siniestro, pues nos recuerda que Disney, cuando quiere, puede tener muy mala leche.

Si te apetece ver algo diferente y adentrarte en la psique de esta villana desde una nueva perspectiva, la recomiendo encarecidamente.

Tik Tak, el nuevo single de Ana Guerra que marca su propio tempo

Este 7 de mayo, todas las miradas, o, específicamente, todos los oídos apuntan atentos y expectantes hacia Ana Guerra. Tik Tak es su nueva apuesta musical. Con ella, se ha propuesto no dejar indiferente a su público, destapando por fin el halo de misterio que ha rodeado al tema durante las últimas semanas

La canaria y quinta finalista de Operación Triunfo 2017 ha decidido cambiar el rumbo de su carrera musical y lo ha hecho por todo lo alto en un año, cuanto menos, turbulento.

Lo que la artista ha bautizado como el comienzo de un nuevo camino, una nueva era, ha supuesto la cancelación de un disco que ya tenía preparado y listo para lanzar. Apoyada en todo momento por Universal Music, su sello discográfico, ha cambiado el proyecto en el que estaba embarcada para hacer música con la que se siente mucho más identificada.

Lanzaba la bomba del nuevo single por primera vez sobre el escenario en uno de sus conciertos para Cadena Dial. Haciendo parar a los músicos e interrumpiéndose a sí misma mientras cantaba, sorprendió a los espectadores con un “espera, espera, espera, perdón ¿eh? Que yo saco single el 7 de mayo”, continuando sin revelar ningún dato más.

Días más tarde, salía a la luz el título y la portada de Tik Tak a través de sus cuentas de Twitter y de Instagram. De esta última, ha eliminado todas las publicaciones anteriores para hacer notar este cambio más drásticamente.

Ana Guerra en una entrevista para Cadena Dial. Fuente: Cadena Dial

El pasado 1 de mayo adelantó en primicia para Cadena Dial una parte de la canción. Ella misma les confesaba en una entrevista que ha decidido titularlo Tik Tak, haciendo referencia otra vez al tiempo, como en Ni la hora porque “la vida me ha llevado corriendo desde que salí de la Academia (de Operación Triunfo), estaba viviendo al sesenta por ciento. Con este tema me he reconciliado con el tiempo, ahora me gusta el tiktak del reloj. Vamos a ir despacio, vamos a ir bien”. Añadía bromeando “ahora sí te doy la hora, una hora menos en Canarias”, su tierra natal.

Tras su primer álbum, Reflexión, que salió en 2019, colaboraciones con artistas como Juan Magán, David Bustamante o David Otero, participación en la banda sonora de Explota explota versionando En el amor todo es empezar, y anteriores hits como Lo malo, Bajito, Tarde o temprano, con Tik Tak propone un ritmo menos latino, más tranquilo de lo que tiene acostumbrados a sus fans. Producida codo con codo junto a David Santisteban enseña un lado más adulto, más cercano al pop y con una innegable presencia y cuerpo en el plano vocal.

“No necesito más que un vino a medias y arreglar el mundo” es la frase de la canción que más le representa. Despojada poco a poco de vestiduras, maquillajes y elementos superficiales a lo largo del videoclip, consigue mostrar su lado más real, el que más se acerca a su esencia y con el que se siente, plenamente, ella misma.

En definitiva, Tik Tak es la carta de presentación de una nueva Ana Guerra con mucho que ofrecer y con ganas de mirarse a sí misma y a todos sus fans sin dobleces, frente a frente.

Alba Mbengue: «Sé que quiero volar alto»

Alba Mbengue y alberrrtoramos. Un par de chicos con mucho que ofrecer y poco que perder. Un tándem indestructible con muchas inquietudes y un solo objetivo. Cádiz ha sido la ciudad que los ha visto nacer y crecer, tanto personal como musicalmente. Ahora mismo, vuelan alto gracias a sus canciones que ya son todo un éxito en las plataformas digitales. Esta tarde de febrero, nos cuentan su historia y nos permiten volar con ellos por unos minutos.
¿Quién es Alba Mbengue?

ALBA: Soy una chica que tiene un nombre impronunciable. La pronunciación real de Mbengue yo tampoco la sé. Pero podéis llamarme como os sea más fácil. Soy una chica muy de barrio y a la que siempre le ha gustado mucho la música. Nunca vi que nada pudiera salir bien en mi vida si no era la música.

¿Cuándo te diste cuenta de que querías dedicarte a la música?

ALBA: Con doce años, soñaba con cantar ante el púbico. Veía películas y musicales. Pero hace dos años me lo planteé de forma más seria.

ALBERTO: A nosotros siempre nos ha gustado seguir a cantantes americanos. Todo el grupo de amigos es muy fan de ver conciertos de artistas internacionales. Y a partir de ahí surgió todo esto. Alba y dos amigos más empezaron haciendo covers. Pero un día, Alba nos sorprendió con una canción que había compuesto ella sola y empezamos a grabar más cositas. Y todo eso fue hace dos años ya.

¿Cuáles fueron los primeros pasos que diste en el mundo musical?

ALBA: Los primeros pasos fueron grabando parodias de canciones con nuestro grupo de amigos. Y a la gente le gustaba por alguna razón que no entiendo. Lo único que hacíamos era el tonto (risas). Pero hace dos años decidimos grabar una canción nuestra… y ahí empezó todo.

Vuestras canciones están en algunas playlists famosas de Spotify como Temazos Chill, ¿cómo se llega hasta ahí?

ALBA: La respuesta a la pregunta de cómo se llega hasta ahí no te la puedo dar porque no la sé. No sabría decirte cómo pasó eso. Yo un día me desperté y mi madre me avisó de que Alberto me estaba llamando, porque duermo mucho (risas). Entonces, Alberto me empezó a gritar que habíamos entrado en la lista de Novedades viernes con este dolor.

no estabas cerca, primer single de Alba Mbengue. Fuente: YouTube

ALBERTO: En esta playlist se suben todas las novedades musicales, ya sean de Pablo Alborán o de un desconocido. La primera parte es para los artistas famosos y la del final es para los nuevos con el objetivo de darse a conocer. Y van metiendo a gente al tuntún (risas)… bueno, espero que no sea aleatorio.

ALBA: Primero entró este dolor, pero después entró no estabas cerca en muchas listas. Esto impulsó muchísimo nuestra carrera. De tener 12 mil visitas, pasamos a tener 300 mil. Además, no estabas cerca sigue volando a pesar de que dure un minuto y diez segundos, nada más. Sé que a la gente no le gusta que dure tan poco tiempo… pero es que ni pensábamos subirla

¿Cómo definirías vuestro estilo actual?

ALBA: Todavía no hemos encontrado nuestro estilo. Y no creo que lo encontremos en un periodo corto de tiempo. Estamos tocando todos los estilos posibles porque queremos probar y experimentar.

ALBERTO: El que predomina es el pop. Puede haber referencias sueltas a varios estilos, pero la mayoría es pop.

i thought i wanted you, single de Alba Mbengue. Fuente: YouTube

¿La inspiración se busca o viene sola?

ALBA: Yo siempre escribo en mi habitación, en la cama. A veces estoy medio dormida y me viene un tema a la canción que no puedo dejar pasar.

ALBERTO: Componemos los dos, pero las ideas las suele tener ella. Yo me encargo de las bases. Algunas me salen solas porque son muy originales, y otras se me ocurren a partir de otras canciones que me gustan. Alba me avisa cuando tiene una letra y yo le mando una base, o al revés. Y a partir de eso, seguimos desarrollando la canción.

¿Cómo funciona el equipo formado por Alba Mbengue y alberrrtoramos?

ALBA: Nos llevamos súper bien, porque nos conocemos desde la guardería. Nos conocemos de toda la vida. Trabajar con Alberto es muy sencillo porque siempre hemos estado en el mismo círculo. Aunque él esté ahora en Sevilla, yo le mandó un mensaje por WhatsApp y sé que me va a contestar a los dos segundos. Además, nuestros gustos son muy parecidos. Es muy fácil entenderse con él cuando le hablo de un estilo que me gustaría hacer y él sabe a lo que me refiero perfectamente.

ALBERTO: Y también tenemos gustos distintos pero nos complementamos. Así llegamos a estilos desconocidos y experimentamos.

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¿Qué traerá 2021?

ALBA: ¡Muchas cosas! No podemos adelantar mucho, pero 2021 va a estar cargadito (risas).

ALBERTO: Hasta ahora, hemos sacado las canciones según íbamos grabándolas. Pero ahora vamos a hacerlo todo más elaborado, queremos hacer las cosas bien. Además, queremos empezar una nueva etapa en 2021. Tenemos ya cinco o seis canciones a medio componer que van a ir saliendo.

¿Quién será Alba Mbengue en un futuro?

ALBA: No lo sé, pero yo espero volar alto. Sé que quiero volar alto. Quiero que la gente me escuche… y si lo hacen, ya puedo estar tranquila, ya habré cumplido mi misión en la vida.

ALBERTO: ¡Alba va a ser la negra de España! (risas)

Aitana regresa a los 2000 con su nuevo álbum

El pasado 11 de diciembre, Aitana lanzó 11 Razones. El nuevo disco recupera sonidos, ritmos y energías propias de la década 2000. Esta estética comienza en + (Más) y se desarrolla en todo el disco. 

El álbum musical se compone de 11 canciones, cada una correspondiente a una razón de la ruptura amorosa en torno a la que gira el proyecto. Según la artista en una entrevista para Los 40, la versión física contiene una canción extra que dura 5 minutos y se titula Adiós. Esta es un agradecimiento para los que apuesten por el formato tradicional del CD físico. Esta última canción está masterizada como si fuese una nota de voz, lo que le aporta ese toque más “casero”. Además, el diseño simula un disco “pirata”, algo muy característico de la década.

Los sonidos de este nuevo trabajo nos trasladan a ese pop-rock “dosmilero” que sonaba en las radios. Muchos seguidores han llegado incluso a bautizar a la artista como “la Avril Lavigne española”. Tanto el sonido como el material visual nos trasladan a esta época. Incluso algunos fans apuntan que podría haber sido una chica propia de Disney Channel

El desamor, gran universal en la música, es el hilo conductor del disco. Trata la ruptura y superación de una relación pasada. Esta relación es ficticia porque la cantante confiesa que no se ha inspirado en ninguna experiencia personal. Quería recurrir a una situación con la que fuese fácil sentirse identificado. “Un canto de libertad y a quererse a uno mismo. No necesitamos a nadie para ser felices”, declaraba Aitana. 

Videoclip de 11 Razones. Fuente: Youtube.com

El lanzamiento en Youtube del álbum se ha hecho con el videoclip de la canción 11 Razones. Este las primeras horas tras su publicación se ha situado en el top tendencias de España. El resto de canciones se han publicado en esta plataforma con pequeños planos secuencia con la misma estética, vestuario y escenario del videoclip principal. Para cada canción han elegido un fragmento que se repite en bucle hasta terminar la canción. En ellos la cámara se introduce entre los personajes haciendo al espectador partícipe de la historia. 

El protagonismo del videoclip es de un grupo de amigos, entre los que aparece la cantante. En una escena juegan al escondite por una casa. En otra son una banda musical que cantan en el salón de la casa. Cuentan con pie de micro, batería y bajo, los elementos propios de las bandas musicales. Se alternan estas escenas con imágenes de Aitana sentada en la cama de una habitación. La dirección de arte proporciona a la obra final una potencia y armonía visual: la decoración con graffiti, el vestuario colorido, los peinados con trencitas y dos coletas, las camisetas de grupos de rock o las beisboleras, el walk-man … 

Al igual que los sonidos están cuidados y siguen ese género pop propio de la primera década del siglo, el videoclip y el material visual están cuidados al máximo. Marcos Fairweather, el director A & R de Universal Music Spain S.L.U., y la Agencia Creativa Shoddy, dieron la dirección a Jean Lafleur, director de otros proyectos que siguen esta estética a lo vintage. De sus trabajos destacan El encuentro de Alizzz y Amaia o Nuestro nombre de Natalia Lacunza. La fiebre por lo analógico sigue creciendo, Lafleur apuesta por la grabación en cintas Kodak, lo que aporta un toque vintage definitivo. Se consigue un tratamiento de imagen caracterizado por los colores propios de las cintas de esta marca y por el grano propio de las manchas del negativo.

Todas las modas vuelven. ¿Será la década 2020 los nuevos 2000?

 

Las 11 Razones más personales de Aitana

21 años y un segundo disco, con argumentos personales y musicales de peso. La carrera de Aitana desde su paso por el programa de televisión Operación Triunfo no ha dejado indiferente a nadie. Se ha hecho un hueco en el panorama del pop nacional (e incluso internacional) y ha lanzado así su segundo álbum, que ya se atreve a catalogar como “el disco de su vida”.
La artista española posa, ahora, con un segundo álbum en su discografía. Fuente: elcomercio.es

Hace ya casi un año de la presentación del que sería el primer adelanto del disco: + (MÁS), colaboración conjunta con el dúo colombiano Cali y El Dandee. A nivel profesional, el single marcaba una puerta abierta a base de tocar al timbre. Desde su participación en OT 2017, Aitana ha mantenido el pie en el acelerador y ha tomado los desvíos correctos para llegar a este punto y poder así decorar su nuevo disco con artistas de gran renombre.

A esta lista de colaboraciones se suman además (por orden de aparición en el disco) Álvaro Díaz, Pole, Beret, Sebastián Yatra y Natalia Lacunza, su excompañera en el reality musical. Al final, compañeros de lujo para que la artista pudiese desarrollar a placer tanto temática como musicalmente su proyecto.

En este último especto, el disco retrocede, en palabras de la propia artista, a “un sonido muy de los 2000”. En un momento en que las tendencias están marcadas por temas más electrónicos o latinos, que son los que verdaderamente dominan el panorama, Aitana se reivindica como estandarte del pop español. Es un paso arriesgado que por otro lado reafirma su condición musical, su camino y su carrera profesional como artista.

Aitana en la portada del single homónimo al disco. Fuente: hola.com

No sorprende que Aitana ya sienta este álbum como el definitivo. La carga emocional y personal que transmite traspasa la objetividad, la perspectiva y cualquier otro factor externo que pueda nublar esa sensación. De la primera a la última canción se desarrolla una historia de desamor y estancamiento, una relación tóxica que la artista no puede ni quiere superar. Experiencias negativas que causan discos tan personales como este. Ya sea surgiendo por puro desahogo tras la ruptura o, quizá, como una obligación personal de buscar, encontrar y dejar escritos los motivos por los que pasar de página es la opción correcta.

Sí que sorprenden sin embargo los títulos de algunos de los tracks que componen el disco: el ya mencionado + (MÁS), u otros como – (MENOS), X (POR), % (DIVIDIDO) o = (IGUAL). Nombres de cuentas que Aitana ha ido realizando en su vida personal, cuentas que no salen, que no le dan la respuesta emocional que necesita, que no llegan a ninguna parte y que han terminado dando de resultado 11.

Y es que la única crítica posible al disco reside, precisamente, en la propia carga emocional que lo caracteriza. Da la impresión de que la situación personal de la artista ha llegado a cegar la visión comercial o profesional, cargando el álbum con canciones que, aunque buenas, se hacen monotemáticas. Pese a que la canción que cierra el disco conexiona las anteriores dando un sentido conjunto a la obra, el significado de las otras diez canciones parece similar.  

En cualquier caso, Aitana se quita de encima el posible estereotipo de producto televisivo y se arma, aún más, con el de artista de futuro.

Taylor Swift sorprende con Evermore

La noche del jueves, la estrella del pop americana ha estrenado Evermore, el nuevo álbum hermano de Folklore. Cuenta con quince canciones inéditas, incluyendo además colaboraciones con artistas alternativos como The National, Bon Iver y Haim.

Además, cuenta de nuevo con el productor Jack Antonoff, con el cantante de The National, Aaron Dessner, con WB (Joe Alwyn), su actual pareja sentimental, y con la exquisita visión de Justin Vernon, líder de Bon Iver.

Este disco presenta la misma estética cálida y calmada. Taylor nos volverá a sumergir en el universo rural y pacífico de las simples narrativas, perpetuando y exprimiendo al máximo esta era de su carrera musical.

“Nunca he hecho esto antes, en el pasado siempre he tratado a los álbumes como eras únicas. Tras el lanzamiento de cada álbum planificaba el siguiente. Había algo distinto en Folklore, al realizarlo no sentí que me iba sino como si estuviera volviendo”

Taylor Swift en Twitter

Portadas traseras de Evermore y Folklore. Fuente: perfil de Twitter de Taylor Swift

Not a lot going on at the moment escribía Taylor Swift el 22 de noviembre en una inocente publicación de Instagram. Sus fans ya sospechaban que la compositora estadounidense preparaba algo. Puesto que esa frase ya había sido utilizada por la misma Taylor para anteceder Folklore, álbum que salió a la luz el pasado 22 de Julio de 2020. Lo que no sabían sus swifters es que la artista repetiría la misma fórmula de marketing: anunciando de la misma forma y en el mismo año otro álbum completo.

Tuits anunciando Evermore y Folklore. Fuente: perfil de Twitter de Taylor Swift

El single principal que acompañará este disco será Willow. Estará acompañado de un videoclip a la misma hora del lanzamiento del álbum. Diversos fans de la cantante se han percatado de las pistas que ha ido dejando en sus redes sociales en relación a esta canción.

Foto promocional del single Willow y tweet de un fan analizando un post de Taylor Swift. Fuentes: perfil de Twitter de Taylor Swift y de @GabriSchez

Como podemos ver en la lista de las canciones del álbum, Taylor ha decidido perpetuar la costumbre de titular a sus canciones con nombres de mujer. Una de las canciones más aclamadas de Folklore fue Betty. Dorothea y Marjorie serán su próxima propuesta para Evermore. Seguirá recreando nuevos mundos imaginarios narrativos. En ellos, nos sumergiremos y, en historias ajenas de amor y desamor, hallaremos verosimilitud.

Resulta indudable que este año, ha terminado por ser el más prolífico de la artista. Ha dirigido dos documentales para las plataformas de vídeo bajo demanda (Miss Americana de Netflix y Folklore, The Long Pond Studio Lessons de Disney +) y ha publicado dos álbumes. También ha comunicado a sus fans la intención de volver a grabar todas las canciones de sus pasados discos las cuales fueron vendidas a Scotter Braun y Scott Brochetta sin su consentimiento. Nos espera, por lo tanto, un 2021 prometedor, con una Taylor con mucho que ofrecer.

Harry Styles, el hombre de moda

El cantante británico está últimamente en boca de todos. Y es que, desde su salida de One Direction, se ha subido en una montaña rusa que solo sabe ir hacia arriba. Tras el éxito mundial de su último disco, Fine Line con tres nominaciones a los Grammys, el cantante y actor ha decidido dar un paso más. Ha conseguido superar las barreras del estereotipo, convirtiéndose así en una de las personas más influyentes de este 2020.
Harry Styles con un diseño de Maison Margiela. Fuente: Vogue USA
Una carrera musical brillante

Todo comenzó en verano de 2010. Un joven de 16 años se enfrentaba a las críticas de los jueces de Factor X de Inglaterra, tras versionar a capella la célebre canción de Stevie Wonder Isn’t she lovely. A punto de ser eliminado, Simon Cowell, miembro del jurado del programa televisivo, le dio la oportunidad de formar una banda junto a sus compañeros Liam, Niall, Louis y Zayn que se llamase One Direction, nombre escogido por él mismo. A partir de ahí, todo vendría rodado. Reconocimientos mundiales, millones de discos de oro y platino, incluso tres récord Guinness, pero sobre todo, una gran multitud de seguidores.

Sin embargo, esto no dudaría mucho. Tras cinco discos de éxito, la banda y con ella, millones de fans, quedaría marcada tras la marcha de uno de ellos en marzo de 2015: Zayn Malik. A consecuencia de ello, se anunciaría un descanso indefinido por parte de la banda 9 meses después, que Harry aprovechó para comenzar su carrera en solitario. En 2017 lanzó el que sería su primer álbum debut, Harry Styles, donde aparece su primer sencillo Sign of the Times.

«Sólo queríamos hacer algo que quisiéramos escuchar y esa fue la parte más divertida a la hora de crear todo el álbum…. Espero que hayamos hecho un buen trabajo porque me gusta mucho y espero que a la gente le guste también»

Harry Styles para Radio 1 Breakfast Show

En septiembre de ese mismo año comenzaría su primera gira Harry Styles Live: on tour.

En octubre de 2019, lanzó Lights up: su primer sencillo del segundo álbum Fine Line. En comparación con el anterior, el álbum debutaría en primera posición de las principales listas de los más vendidos en Reino Unido y Estados Unidos, con récords de ventas. Aquí aparecen otros sencillos de gran éxito como Adore You o Watermelon Sugar, siendo este último el que le catapultaría, por primera vez, a una de las tres nominaciones de los Grammys 2021, además de la categoría de mejor video y mejor álbum.

Un estilo muy «Styles»

No obstante, la música no es el único campo que el cantante maneja. Además de participar en la película de Christofer Nolan, Dunkerque, del pasado 2017, Styles está muy vinculado a la moda. Ya lo dejaba ver en su primera gira con sus trajes de diversos estampados y colores y sus uñas pintadas.

«La ropa está ahí para divertirse, experimentar y jugar con ella.

Harry Styles
Harry Styles en el backstage de Live: on tour. Fuente: Helene Pambrun

Asimismo, es uno de los embajadores de la célebre marca Gucci, y ha aparecido en portada de numerosas revistas cúlmen de la moda, como Vanity Fair y Vogue USA. Es en esta última donde se ha desatado la euforia. Harry Styles hace historia y se convierte en el primer personaje masculino en aparecer en solitario para su portada. En ella, da un paso más, al posar con un vestido azul de Gucci junto con una americana negra, rompiendo así todas las barreras del género en la moda.

Pero no todo iban a ser elogios. Es en esta misma portada donde ha surgido una oleada de críticas cuestionando su masculinidad. Entre ellas, la que más polémica ha generado es la de la bloguera Candace Owens, quien tuiteó “No hay ninguna sociedad que pueda sobrevivir sin hombres fuertes. En oriente, eso se sabe. En occidente, la continua feminización de nuestros hombres a la misma vez que se educa a nuestros niños en el marxismo no es una coincidencia”. Candence agregó: “Es un ataque directo. Qué vuelvan nuestros hombres varoniles”.

Sin embargo, las respuestas de apoyo al cantante no tardaron en salir. Además de las millones de fans que salieron en su defensa, varios famosos también tuitearon, entre ellos su compañero y amigo Alessandro Michelle y la directora Olivia Wilde, quien respondió a Owens diciendo que «era patética». El cantante no se pronunciaría hasta hace unos días, donde publicó una foto en su cuenta de instagram, con un traje azul y comiendo un plátano, junto a la misma frase de Owens «bring back mainly man«, es decir, «qué vuelvan los hombres varoniles».

Llevando siempre su lema por bandera «Treat People with kindness» o » Trata a la gente con amabilidad» este cantante y actor carismático, humilde y con un gran futuro por delante, ha conseguido traspasar las barreras del estereotipo de la ropa. Dijo una vez para el diario británico The Guardian Una parte de eso fue tener un gran momento de autorreflexión y autoaceptación. Creo son tiempos muy libres, y en donde nos podemos desenvolver. Creo que la gente pregunta ‘¿Por qué no?’ mucho más, lo que me emociona. No sólo se han borrado las líneas en la ropa, sino que ya pasa en otros ámbitos. Creo que lo puedes relacionar con la música, y cómo los géneros se difuminan”.

No sólo se han borrado las líneas en la ropa, sino que ya pasa en otros ámbitos.

Harry Styles

Y por si esto fuera poco, el año que viene protagonizará Don’t worry darling!, un drama de la mismísima Olivia Wilde, cuya grabación comenzó el pasado mes de noviembre.

En definitiva, Harry Styles está viviendo una de las etapas más especiales de su carrera profesional. Su disco con mezclas de géneros musicales, su talento como actor, y ahora, su estilo único, no solo le han convertido en ídolo juvenil, sino en todo un icono. Con esto, el cantante británico ha conseguido conquistar el corazón de millones de personas por el mundo. La pregunta ahora es: ¿conquistará también el tuyo?

Heaven & Hell, ¿merece la espera?

Ava Max, la cantante pop de origen albano, ha lanzado este septiembre su primer álbum en solitario y, aún siendo muchos los que esperábamos con ansias este momento, puede que el resultado no haya cumplido las expectativas.

La artista, de 26 años, comenzó en el mundo de la composición profesionalmente en 2017 y desde entonces ha ido evolucionando y dando pasos agigantados hasta convertirse en una auténtica estrella de la música pop. Además de ser destacada por sus colaboraciones con otros artistas, también ha triunfado con sus propios éxitos en solitario.

Ava Max con unos guantes de cuero. Imagen: Last.fm

Heaven and Hell se remonta a 2018 con el single Sweet but Psycho, el tema más conocido de Ava Max y con el que ha querido presentar su nuevo disco. Como vemos, ha tardado bastante en presentarnos un proyecto que, entendemos, tenía pensado traer al mundo hace tiempo. Pero… ¿lo bueno se hace esperar?

Puede que el disco no haya sido lo que todos nos esperábamos en un principio. Y es que guardábamos expectativas muy altas por los avances y pistas que la cantante nos iba dejando con sus singles, como Kings & Queens o So I Am. Estas primeras canciones cuentan con más de 100 millones de visualizaciones cada una en las plataformas digitales. Sin embargo, el resto de canciones que nos encontramos en el álbum pueden llegar a resultarnos monótonas e, incluso, aburridas.

Heaven and Hell se compone de quince canciones divididas en dos partes: algo que carece de sentido a priori. No encontramos ninguna diferencia entre estas dos fracciones: ni en la temática, ni en el sonido, ni en la producción. La artista no nos presenta nada nuevo a lo que hemos escuchado anteriormente, sus temas pueden resultar repetitivos, y en algunos momentos se hace necesario pasar a la pieza siguiente para no entrar en un bucle pesado y tedioso.

Si esperábamos descubrir una parte más reflexiva y tierna de la artista, tendremos que seguir esperando, porque únicamente nos encontraremos con una balada en todo el disco. El amor no está dentro del repertorio de Ava, pero Naked es la excepción. La artista continúa enfocando sus composiciones a clichés sobre los problemas que tiene la sociedad en la actualidad, en especial en adolescentes. Por ello, aunque promueva un mensaje maravilloso a este colectivo, no podemos sentir que sea muy original en cuanto a contenidos, puesto que ya otros artistas han tratado estos temas.

Ava Max con una sudadera de estampado de fuego. Imagen: HAPPYFM

Pese a ello, no todo es malo en el álbum debut de la cantante. Nos encontramos con piezas que realmente nos ponen los pelos de punta y que nos sirven para motivarnos y empezar bien el día, como ‘OMG What ‘s Happening’ o ‘Who’ s Laughing Now’. En ellas, la artista nos muestra su carácter más alegre y movido. Aunque muchos comparan a Ava con Lady Gaga por este tipo de temas, lo cierto es que nuestra protagonista tiene una personalidad y estilo propios que se ven plasmados en sus canciones.

A pesar de todo, Ava Max ha creado un álbum bastante decente para tratarse de un mundo tan complicado y amplio como es el del pop. Son muchos los artistas que bailan en este escenario, y no es tarea fácil impresionar a un jurado que lo ha visto todo. Sin embargo, es indudable que la albanesa tiene al público en la palma de su mano y que todos los artistas con los que ha hecho colaboraciones están encantados de trabajar con ella. Entre ellos, destacamos a Pablo Alborán, David Guetta o Jason Derulo.

A pesar del pinchazo de Heaven & Hell, las expectativas de futuro en cuanto a la carrera musical de Ava Max siguen siendo muy altas. Nos esperan muchos discos repletos de un pop agradable de escuchar y fácil de disfrutar.