Sin Perdón o “Cómo Clint Eastwood resucitó el western”

Años 90. La época dorada del western había terminado varias décadas atrás. Bailando con lobos (Costner, 1990) recuperó el género y Clint Eastwood lo reinventó.
Clint Eastwood como William Munny en Sin Perdón. Fuente: filmaffinity.com

Sin Perdón (Eastwood, 1992) no es importante por las muescas que tiene en su revólver, sino por lo que significó para el género western en su momento: un completo cambio de paradigma

Todos tenemos una idea preconcebida en torno al género: cazarrecompensas, caballos, asaltos a diligencias, duelos, indios, sheriffs, el saloon… Incluso el que ha visto muy pocas (por  no decir ninguna), sabe más o menos a qué se expondrá con una película de vaqueros. Y  no es de extrañar porque, aunque sea por parodias o pura “ósmosis cultural”, todos hemos visto alguna imagen icónica de estos filmes. Podemos darle las gracias a directores como John Ford (La diligencia, Centauros del desierto), John Sturges (Los siete magníficos, Duelo de titanes) o Howard Hawks (Río Bravo); y a actores como James Stewart, Henry Fonda, Gary Cooper y, por supuesto, a John Wayne (actor fetiche de Ford). Sin embargo, Sin Perdón le da la vuelta a todas estas cuestiones.

El film de Eastwood es una deconstrucción de los tropos del género. Esto, de partida, no suena novedoso: ya hubo cintas durante la etapa clásica que se salían de los esquemas. Raíces profundas (Stevens, 1953) cuenta la historia de un cowboy con un pasado turbio y que se resiste a empuñar un arma de nuevo, hasta que las circunstancias de una familia de granjeros lo obligan a volver a entrar en la espiral de violencia.

Valor de ley (1969) nos muestra a un John Wayne viejo, borracho y cascarrabias, que en su momento fue una leyenda, pero que ahora no es ni la sombra de lo que era. Grupo salvaje (Peckinpah, 1969) va de un grupo de forajidos cafres, quienes terminan dándose cuenta de que no tienen cabida en una nación que ha derivado a la civilización. Y El hombre que mató a Liberty Valance (Ford, 1962) contrapone precisamente a esas dos visiones: el arcaico y violento Salvaje Oeste, encarnado en el personaje de John Wayne, y la nueva sociedad estadounidense construida en torno a leyes y valores democráticos, encarnada en James Stewart.

Sin embargo, Clint Eastwood y David W. Peoples (el guionista) toman elementos de todas aquellas (sobre todo, en términos de tono) y los reformulan para crear algo totalmente nuevo. El resultado final es una película que destila cierto aroma familiar para los aficionados y nostálgicos del género pero que, a su vez, nos muestra el Wild West como nunca antes lo habíamos visto: gris, amargo y con un realismo que resulta hasta chocante.

William Munny (Eastwood) junto a su viejo amigo Ned Logan (Morgan Freeman). Fuente: festival-cannes.com

Ya desde el inicio vemos a William Munny (Eastwood) enfermo, revolcado en el barro con los cerdos de su granja y cayéndose del caballo. La película nos está dejando su declaración de intenciones… ¿En qué otra película habíamos visto a un vaquero protagonista con dificultades para subir a lomos de su corcel?

Con los tiroteos, ocurre algo muy similar: las balas vuelan en todas las direcciones, pero rara vez dan en su objetivo, y las muertes son entre poco y nada espectaculares (incluso un personaje muere en el retrete). Un vaquero más joven, que parece actuar como el avatar del espectador y que acompaña a Munny en su aventura, le pregunta sobre si los duelos eran tan horrendos y desconcertantes en su época. Ante esto, el personaje de Eastwood responde: “No lo recuerdo, solía estar siempre borracho…”

William Munny practicando su puntería tras años de retiro. Fotograma de la película

La desmitificación continúa hasta en la escenografía. Vemos localizaciones tan trilladas como los interiores de un tren, una taberna o la oficina del sheriff. Sin embargo, en muchas ocasiones, estos espacios son filmados entre sombras, como la propia historia que nos están contando. Creo que la escena que mejor ejemplifica esto es el ya mítico desenlace en la taberna… En consecuencia, la escenografía guarda una conexión temática con el tono y argumento del filme. 

A pesar de esto, en la película pueden vislumbrarse ciertos atisbos de luz y optimismo, empezando por los escenarios naturales. Contemplamos desde verdes praderas y rocosos desfiladeros, hasta preciosos atardeceres que sonrojarían al mismísimo John Ford. La fotografía de Jack N. Green, quien ya trabajó con Eastwood en El sargento de hierro (1986) y repetiría en Los puentes de Madison (1995), es sencillamente impecable

Fotograma de la cinta; deudora de los western de John Ford.

Pero no es una película que resulte interesante únicamente desde un punto de vista técnico o de guion, también resulta apasionante por la dirección de actores. Solo con los cuatro nombres que aparecen en el poster tendría para escribir un ensayo de la complejidad y matices de cada personaje. Me limitaré a resumir cada uno de ellos en un par de frases. 

Clint Eastwood interpreta a un vaquero lánguido y malhumorado, que antaño fue un despiadado criminal (lo describen como “William Munny, el asesino de niños y mujeres”). Solo Clint, desde su madurez, podría interpretar a un personaje como este: débil y en el ocaso de su larga vida, pero que es capaz de armarse de rudeza y mala leche cuando alguien comete el error de “tocar” a sus seres queridos. 

Morgan Freeman interpreta al viejo socio de Munny, actuando como su brújula moral, con la sobriedad interpretativa y calidez humana a la que este actor nos tiene tan acostumbrados. 

Sir Richard Harris como Bob “el Inglés”. Fotograma de la película

Richard Harris interpreta a Bob “el Inglés”, un cazarrecompensas fanfarrón pero con el que estableces una inmediata complicidad. De hecho, pese a que la cinta expone varias frases y discursos icónicos, el monólogo que más avispado resulta para este espectador corre a cargo del británico. No quiero destriparlo, pero hace alusión a la diferencia entre asesinar a un presidente o a una reina…

Y, por supuesto, el rey absoluto de la función es Gene Hackman (ganador del Oscar a Mejor Actor de Reparto), quien encarna a Little Bill, el implacable sheriff del pueblo que está dispuesto a hacer lo que sea con tal de imponer su autoridad. Sería fácil reducirlo a un simple villano, y aunque tiene momentos de absoluta crueldad, Hackman consigue interpretarlo con una actitud lo suficientemente campechana como para que (al principio) te resulte simpático. Particularmente, la escena en la que desmonta hazañas y leyendas de cowboys a un cronista, en su tan artesanal como torcida cabaña, ilustra muy bien todos los detalles de este siempre brillante intérprete.

Fotograma de Gene Hackman como Little Bill, resultando ganador de un Oscar por este rol.

En resumen, por una historia crepuscular y cruda sobre el Salvaje Oeste, por unas interpretaciones para el recuerdo, por una puesta en escena cuidada y, sobre todo, por revisitar el mito del cowboy con una visión tan iconoclasta como nostálgica, Clint Eastwood nos brindó (irónicamente) una de las películas más emblemáticas del género. A día de hoy, cuesta encontrar westerns que puedan hacerle sombra. No me tiembla el pulso al afirmar que es una obra maestra y que la recomiendo encarecidamente. Cierro con unas palabras de William Munny:

Matar a un hombre es algo despreciable. Le quitas todo lo que tiene, y todo lo que podría llegar a tener”.

Tráiler retro de la película.

Valoración de la película

Puntuación: 5 de 5.

Uno de los mejores western de la historia. Un visionado imprescindible, tanto para los amantes del género como para los más escépticos.

And the Oscar goes to…

Este lunes se entregan los premios de la Academia de Hollywood en una edición histórica debido a los avatares por la pandemia. A continuación, analizamos las claves de esta edición y las películas nominadas.
Cabecera de esta edición. Fuente: Premiososcar.net

A las 2:00 (hora española) del próximo lunes 26 de abril se celebrará la 93º edición de los Premios Óscar en Los Ángeles (EEUU). Una edición que pese a los retrasos de algunos estrenos de importancia (como Dune o West Side Story), ha conseguido tener una cosecha de gran calidad entre las cintas nominadas.

Zoom no estará presente en la ceremonia, ya que será de forma presencial, parecido a lo sucedido en los Grammy recientemente. Se habilitaran dos sedes presenciales: una en Los Ángeles y otra en Londres, donde los nominados asistirán con una prueba PCR negativa, tras pasar unos días en cuarentena. De esta manera, quieren evitar posibles errores técnicos, e intentar atraer a una audiencia que se prevé la más baja de la historia.

Existen varias películas con un gran número de nominaciones. Mank acumula diez nominaciones, siendo la más presente, pero seis películas cuentan con seis nominaciones cada una, dejando la partida abierta en diferentes categorías. A continuación, vamos a analizar los títulos nominados a mejor película:

Nomadland

Fotograma de Nomadland

Es la gran favorita para alzarse con el premio gordo de la noche. Esta road-movie intimista sobre la población más afectada por la crisis en EEUU se ha llevado gran parte de los premios de la crítica, el Globo de Oro y el BAFTA.

Con una puesta en escena deslumbrante, la directora de origen chino, Chloé Zhao compone un relato emocionante y lleno de poderosas historias reales a través de la mirada de Fern, interpretada excepcionalmente por Frances McDormand (ganadora dos veces al Óscar), que ira creciendo a medida que avanza la historia.

Además, Zhao es la gran favorita para ganar el premio a la mejor dirección, pudiendo ser la segunda mujer en ganarlo, tras Kathryn Bigelow en 2009 por En Tierra Hostil.

Dónde verla: Está en cines (30 de abril en Disney+).

Una joven prometedora

Fotograma de Una joven prometedora

Una fantástica Carey Mulligan (gran favorita a ganar el premio a mejor actriz) protagoniza una historia que ha levantando ampollas en algunos críticos. La directora y guionista Esmerald Fennell (nominada a mejor dirección) aborda las violaciones y violencia hacia la mujer, en una película que pone en cuestión actitudes aceptadas por la sociedad. Un “thriller de venganza” con numerosos giros de guion.

Sus defensores destacan la valentía de Fennell a la hora de plasmar una historia que podría parecer convencional, pero que tiene un trasfondo actual y que da debate acerca del consentimiento y el papel de la sociedad sobre el feminismo.

En la últimas semanas, ha ido ganando posibilidades para obtener la estatuilla, pero las polémicas sobre la película, resta sus opciones, debido al sistema de voto preferencial.

Dónde verla: En cines.

Minari: Historia de mi familia

Fotograma de Minari: Historia de mi familia

Tras el éxito de Parásitos, Corea vuelve a ser protagonista en los Oscars. Aunque está película, dirigida por el estadounidense de origen coreano, Lee Isaac Chung, decide hablar de la inmigración y la ambición del sueño americano.

Todo tratado con un tono sencillo y desde el punto de vista del niño más pequeño de la familia. Su mayor punto fuerte es el sólido reparto, encabezado por Steven Yeun (nominado a mejor actor), y con Youn Yuh-jung (la entrañable abuela, gran favorita a mejor actriz de reparto). Pese a su tono algo pausado, logra ser un relato entrañable acerca de la ambición y la familia.

Sus opciones se han ido reduciendo, pero acumulando sus seis nominaciones, marca un antes y un después en la representación asiática en los premios de la Academia.

Dónde verla: En cines.

El Padre

Fotograma de El Padre

Un extraordinario Anthony Hopkins, (gran favorito a ganar mejor actor) encarna a un señor mayor con demencia cuyo mundo empieza a desaparecer ante sus ojos, provocando la impotencia de su hija interpretada por Olivia Colman (ganadora a mejor actriz).

Inspirada en una obra de teatro escrita por Florian Zeller, que además es director de la película, es un relato original debido a que centra su punto de vista en el enfermo y en su proceso degenerativo. Todo ello en un tono de “thriller” que mantiene al espectador atento a cada detalle que sucede en los espacios y en los recovecos de la mente.

Además, las dos poderosas actuaciones principales elevan el guion, gracias a la naturalidad y cercanía que evocan sus personajes. Es complicado que se alce con el galardón, pero podría dar la sorpresa en alguna de sus seis nominaciones.

Dónde verla: En cines.

Sound of Metal

Fotograma de Sound of Metal

Ha sido una de las grandes sorpresas entre las nominadas, y un ejemplo de cómo “el boca a oreja” puede llevar a una cinta a lo más alto. Riz Ahmed (nominado a mejor actor) se mete en la piel de un batería que empieza a perder la audición.

Un drama ambientado en el mundo del rock, con un ritmo lento pero sin pausa, que va evolucionando en el camino del personaje para conllevar su nueva realidad. Un relato que crece con la aparición de los secundarios, en especial, Paul Raci (nominado a mejor actor de reparto).

Su mayor premio es haber conseguido la nominación, junto con otras cinco, y convertirse en una de las sensaciones cinematográficas del año. Pero es de reseñar que una película pequeña e intimista consiga llegar en la Academia de 2020.

Dónde verla: En Amazon Prime Video.

El Juicio de los 7 de Chicago

Fotograma de El Juicio de los 7 de Chicago

Una cinta reivindicativa con aroma de clásico, sin duda la película de Aaron Sorkin (aclamado guionista de La red social) nos transporta al cine de juicios de los años 90, junto con un extenso reparto que incorpora por ejemplo a una gran Sacha Baron Cohen (nominado a mejor actor de reparto).

La película cuenta el juicio de unos manifestantes contra la Guerra de Vietnam, y las irregularidades del proceso contra los activistas políticos, presentando en un formato clásico, un trasfondo muy actual.

Sus opciones han ido decayendo, pasando de ser la gran alternativa a contar con muchas posibilidades de quedarse de vacío y no llevarse ninguno de los 6 premios a los que está nominada.

Dónde verla: En Netflix.

Judas y el Mesías Negro

Fotograma de Judas y el Mesías Negro

Numerosas películas con protagonistas afroamericanos se han estrenado este año. Finalmente la Academia se ha decantado por esta cinta acerca de las panteras negras, una organización revolucionaria en la lucha por los derechos civiles.

Daniel Kaluuya (gran favorito a mejor actor de reparto) da vida a Fred Hampton, líder del movimiento que fue asesinado por la policía. Pero la película, no es un biopic al uso, ya que se sumerge en la historia de William O’Neal (interpretado por Lakeith Stanfield, que también está nominando a mejor actor secundario) miembro de la organización, que se convirtió en confidente del FBI.

Con un aroma clásico a película de índole política con momentos de acción y “thriller”, se ha colado en otras categorías importantes como mejor fotografía y mejor guion original, hasta acumular un total de seis nominaciones. Pese al impulso que pueda tener por el movimiento BLM, la cinta tiene pocas opciones alzarse con el premio.

Dónde verla: En alquiler en plataformas como Apple y Amazon.

Mank

Mank

David Fincher, uno de los directores más reconocidos de los últimos años, nos adentra en los entresijos del Hollywood clásico de finales de los 30 e inicio de los 40, en pleno proceso de creación de Ciudadano Kane. Con una gran puesta en escena y rodado en blanco y negro, Fincher crea un relato sobre la importancia del cine y los intereses que hay detrás de él.

Gary Oldman (nominado a mejor actor) da vida a Herman J. Mankiewicz, guionista de la aclamada película de Orson Welles. Con esta apuesta configuran una actuación “algo pasada” pero que ayuda a entender el carácter y contexto del personaje. Además, cuenta con un gran reparto secundario, destacando Amanda Seyfried (nominada a mejor actriz de reparto) como la actriz Marion Davies.

La película, con guion del fallecido Jack Fincher, padre del director, pese a ser la más nominada (hasta en 10 categorías) se ha ido cayendo en las apuestas, debido al poco apoyo de la crítica y el público, teniendo sus mayores opciones en categorías técnicas. Puedes leer más sobre esta película aquí.

Dónde verla: En Netflix.

Algunos datos interesantes de esta edición

  • Por primera vez en la historia de los Óscar, dos mujeres han sido nominadas a mejor dirección: Chloé Zhao (Nomadland) y Emerald Fennell (Una joven prometedora). Zhao es además, la gran favorita para ganar.
  • Por segunda vez en la historia de estos premios, dos mujeres afroamericanas son nominadas a la vez en la categoría de mejor actriz principal: Viola Davis (La madre del blues) y Andra Day (Los EEUU contra Billie Holiday).
  • Chadwick Boseman (La madre del blues) podría convertirse en el tercer actor en ganar un Óscar de forma póstuma.
  • Anthony Hopkins (El padre) podría convertirse en el actor ganador del premio con mayor edad: 83 años.
  • Frances McDormand (Nomadland) podría conseguir su tercer galardón como mejor actriz principal, siendo la segunda actriz con más premios después de Katharine Hepburn.

La predicción de Voz Nueva

Categoría¿Quién ganará?¿Quién podría ganar?
Mejor películaNomadlandUna joven prometedora
Mejor direcciónChloé Zhao (Nomadland)David Ficher
(Mank)
Mejor actor protagonista Chadwick Boseman
(La madre del blues)
Anthony Hopkins
(El padre)
Mejor actriz protagonistaCarey Mulligan
(Una joven prometedora)
Viola Davis
(La madre del blues)
Mejor actor de repartoDaniel Kaluuya
(Judas y el mesías negro)
Sacha Baron Cohen
(El juicio de los 7 de Chicago)
Mejor actriz de repartoYoun Yuh-jung
(Minari)
Glenn Close
(Hillbilly, una elegía rural)

Todo sobre mi madre

Todo sobre mi madre es una película que desde que empieza hasta que acaba te mantiene fijo en el asiento como si fueras una estatua. ¿Te preguntas el por qué?
Cartel “Todo sobre mi madre” (1999). Fuente: Todo Almodóvar

La respuesta es simple, dos palabras: un genio. Pedro Almodóvar.

El cineasta, Pedro Almodóvar. Fuente: Nico Bustos (El Deseo), InfoLibre

De todos los directores del panorama cinéfilo español, hay uno que se conoce en todo el mundo, y ese es él. Aunque lo cierto es que sus historias son las que son gracias al increíble reparto que las conforman, él es el capitán que guía el barco. Difícilmente uno ve una película del director y no descubre quién se encuentra detrás. Tal vez es el juego y el uso que hace de los colores o la presencia del ya conocido “Rojo Almodóvar”. Quizá, la composición en sus planos o ese tono cómico-dramático de sus historias pero, lo que es indiscutible, es que sabe marcar su estilo y dejar su esencia en cada historia que lleva inscrita su nombre.

Fotograma de “Todo sobre mi madre”, ejemplo del Rojo Almodóvar. Fuente: Todo Almodóvar

Todo sobre mi madre no es menos, y con esta obra maestra se hizo con el cariño tanto del público como de la crítica nacional e internacional. Estuvo nominada a un total de catorce “Goya”, haciéndose finalmente con la mitad, entre ellos Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Actriz Protagonista (por Cecilia Roth), y además, ganadora a “Mejor Película Extranjera” en los Óscar, Premios BAFTA y Premios César y “Mejor Película de Habla no Inglesa” en los Premios Globo de Oro, la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York.

Penélope Cruz, Pedro Almodóvar, Cecilia Roth y Marisa Paredes en los Premios Óscar 2000. Fuente: RTVE

El 8 de abril de 1999 se estrena la historia de Manuela (Cecilia Roth), una enfermera argentina que, tras morir su hijo Esteban (Eloy Azorín), vuelve a Barcelona en busca de “Lola” (Toni Cantó), el padre del niño. Allí se reencuentra con Agrado (Antonia San Juan), una transexual que quiere abandonar la prostitución y se pone en contacto con la hermana Rosa (Penélope Cruz), una joven que desea viajar de misionera a El Salvador frente a la negativa de sus padres (Rosa María Sardá y Fernando Fernán Gómez). Al llegar a Barcelona, Manuela se convierte en la secretaria de la gran actriz Huma Rojo (Marisa Paredes), amante de Nina (Candela Peña), una artista adicta al caballo y en decadencia. La historia de todas estas mujeres confluyen de una manera natural, dramática y cómica, siendo Manuela el núcleo central que las une.

El cuarteto principal gira en torno a Manuela, Agrado, la hermana Rosa y Huma Rojo. Cuatro mujeres luchadoras que se enfrentan a los obstáculos de la vida. En torno a las mismas, destaca el concepto de la huida: Manuela llega a Barcelona, tras la muerte de su hijo, huyendo de Madrid; Agrado rechaza una identidad que no es la que le corresponde; la hermana Rosa se aleja de una madre controladora y de la enfermedad de su padre y en relación con Huma Rojo, Nina para huir de la realidad en la que se encuentra, se droga hasta enfermar.

De una manera conmovedora, Pedro Almodóvar consigue definir con claridad la personalidad de cada una de ellas, acercándolas al público de una manera sobreacogedora.

“Una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí misma”. Agrado (Antonia San Juan) en Todo sobre mi madre.

El papel de la mujer es especialmente importante en las obras del director, y así lo refleja tanto en la historia como en la dedicatoria final de la película, que dice así: A Bette Davis, Gena Rowlands, Romy Schneider… A todas las actrices que han hecho de actrices, a todas las mujeres que actúan, a los hombres que actúan y se convierten en mujeres, a todas las mujeres que quieren ser madres. A mi madre. Un final conmovedor que Almodóvar lleva a cabo para homenajear, principalmente, a su madre y a todas las mujeres. Todo sobre mi madre es una obra feminista y reivindicativa que hace referencia a figuras femeninas del cine clásico (Eva al desnudo y Un tranvía llamado deseo) como medio para guiar la historia, en especial la segunda obra, ya que tendrá un papel esencial en el desarrollo de la historia.

Antonia San Juan, Marisa Paredes, Ceciliar Roth, Pedro Almodóvar, Penélope Cruz y Candela Peña en el Festival de Cannes (2000). Fuente: RTVE

La música de Alberto Iglesias también posee mucha importancia junto al desarrollo de la historia ya que, con toques de jazz y vals, crea una unión con la procedencia latinoamericana de la protagonista, facilitando empatizar con ella y a su vez, apoyando al audiovisual y la narrativa.

Trailer Todo sobre mi madre. Fuente: Youtube

Todo sobre mi madre es una de las obras de Pedro Almodóvar más aclamadas por el público, pues el director muestra un cine en el que la mujer líder es una luchadora y a través de ella, conocemos una historia tan cómica como dramática y enternecedora, que difícilmente se podría conseguir de otra manera.  

Valoración de la película

Puntuación: 4 de 5.

Una historia tan humana y sencillamente compleja que nadie debería perderse